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sábado, 28 de mayo de 2011

MIS CANCIONES FAVORITAS EN ESPAÑOL (1980-1989) - II

Ya estamos llegando a fines de mayo y después de algún tiempito, quería escribir nuevamente un post sobre aquellas canciones en español que me cautivaron en la década del 80. Y para hoy, he querido postear sobre dos buenos grupos que tuvieron mucho éxito en la segunda mitad de los 80's.

1.- SIN ALIENTO (Danza Invisible).- Cuando a partir de 1986 se dio el boom del rock en español en nuestro medio y también en todo el mundo, hubo una canción que destacó nítidamente en la radio y sobre todo, en las discotecas. Me refiero al tema "Sin Aliento" del grupo español Danza Invisible. Honestamente pierdo la cuenta de cuántas veces he bailado esta canción en ese año 86 y siguientes. Un tema que tenía ritmo, melodía y muy bien interpretado por su cantante.


Es bueno señalar que Danza Invisible era un grupo español de música pop y estuvo considerado como una de las bandas que formaron parte del entramado de la renombrada movida madrileña durante los años 80 en España. Originario de Torremolinos, fue fundado por Ricardo Texidó, junto con Chris Navas y Manolo Rubio. Poco después, entró a formar parte Antonio Gil en la sección de guitarras y el último en incorporarse al proyecto fue Javier Ojeda, que sustituyó a Ricardo Texidó como vocalista principal. Para 1986, lanzaron el album "MUSDICA DE CONTRABANDO", y en ese album, destacó precisamente su más grande “Sin aliento". Y voy a ser franco, en su año nunca había llegado a ver el video y recién el año pasado por Youtube, pude ver este video por primera vez. 25 años después, sigo recordando con nostalgia esta canción y me transporta mentalmente a las pistas de baile de las discotecas de esa época, como el Medi, el Go--Go's, Reflejos, Jubilee o Blanco & Negro. Buenas épocas. Y hoy, la volvemos a evocar en el blog.


Calla y que el secreto nunca salga de nuestros labios
de nuestros labios
mordiendo la manzana sellamos este pacto es mágico
esto mas intimo
Y te preguntas por que doy tantas vueltas soy un poseso
estoy prisionero no me conozco algo dirá de mi…
en más de una ocasión me habrás encontrado un poco ido
quizá trastornado
escúchame como voy a explicarte que algo dirá de mí
que algo dirá de mí

sin tomar aliento estoy rodeado de calor
escucha tengo que respirar y respirar
sin tomar aliento estoy rodeado de calor
escucha tengo que respirar y respirar

para mírame a los ojos y toma mis manos cojee mis manos
no te preguntes por que das tantas vueltas no te conoces
estas prisionero algo dirá de mi algo dirá de mi yeah yeah

Sin tomar aliento estoy rodeado de calor
escucha tengo que respirar y respirar [repite x 5]


2.- EL LOCO DE LA CALLE (El Ultimo de la Fila).- Otro grupo que destacó por su sonido original y estilo fresco y contagiante fue El Ultimo de la Fila. Y cuando los escuché por primera vez fue precisamente con la canción "El Loco de la Calle". Muy buena canción, que te provocaba escucharla y mover el cuerpo también. Es bueno también indicar que El Último de la Fila fue un grupo musical de pop rock español formado por Manolo García -vocalista- y Quimi Portet -guitarrista- y original de Barcelona. Ha sido uno de los grupos musicales de más éxito en España durante las décadas de los 80 y de los 90, años en los que lanzaron siete álbumes musicales y numerosas giras, generalmente en España, aunque también en diversos países de Latinoamerica. Duraron desde 1984 hasta 1995. Y su primer album se llamó "CUANDO LA POBREZA ENTRA POR LA PUERTA, EL AMOR SALE POR LA VENTANA" y fue lanzado en 1985. Este disco significó un cambio al concepto musical que venían haciendo hasta ahora, dándole a su pop rock unos toques sureños, árabes y flamencos. Las letras se tornan más poéticas, mezclando la lírica con los temas sociales y el surrealismo.Y en este album, se encontraba la canción "El Loco de la Calle". Y aquí la volvemos a recordar en el presente post.



Pierdo mis defensas en los recodos de la angustia.
Busco una mirada, cada momento, en todas partes.
Mi vida no es de nadie, ni yo le pido a nadie nunca
que haga algo que yo mismo tampoco haría sin dudarlo.
Y solo sé que no puedo estar;
si tú te vas, mi casa voy a quemar.
Y ella está tan sola que huye el centro de la calle.
Su puerta y su mirada cerradas a canto y a cal.
Y sola, sé que no puede estar;
y ahora sé que se perderá.
Y al final, sólo envidia y ambición;
y ya sé que sin buscar no encontraré.
Paso al loco de la calle.
Paso al ansia de vivir.
Mi cuarto es tan pequeño que nunca encuentro sus esquinas.
Desde que tu te has ido, se ríe de mí la soledad;
te espero en los caminos y te confundo a todas horas.
mientras estoy perdido los niños me han dicho que lloras.
Y solo sé que no puedo estar;
si tú te vas, mi casa voy a quemar.
Y al final, sólo envidia y ambición;
y ya sé que aunque busque nunca encontraré.
Paso al loco de la calle.
Paso al ansia de vivir.




Este ha sido un segmento musical más dedicado a aquellos temas en español que gozaron de mis preferencias en la década del 80. Espero que estas dos canciones hayan sido de su total agrado y los invito a dejarme sus comentarios. Luego de este post, me daré un descansito hasta el miércoles 1º de junio, y así comenzar con bríos un nuevo mes. Pero siempre, estaré contestando sus comentarios. Hasta el mes de junio.

viernes, 27 de mayo de 2011

ABBA: KNOWING ME, KNOWING YOU



Y llegamos al cuarto viernes del mes, día en que en forma acostumbrada le dedicamos un post mensual a una canción de ABBA, mi tercera banda favorita de toda la vida. Y en esta oportunidad, nos centraremos en una de las más hermosas canciones de ABBA: “Knowing Me, Knowing You” de 1977. Recuerdo que la primera vez que la escuché fue allá por el año 1978, poco antes del estreno en los cines locales del film “ABBA – THE MOVIE”. Y llegó a gustarme muchísimo por su melodía, su letra y su impecable interpretación por parte de Frida, secundada por Agnetha y Bjorn en los coros. Y cuando ví el film en el cine, me desilusionó un poco no verla interpretada en vivo en el film.

El tema fue compuesto por Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus y Stig Anderson y estuvo incluido en el album “ARRIVAL”. Fue grabada el 23 de marzo de 1976 en los estudios Metronome en Estocolmo, Suecia, bajo el título "Ring It In", luego cambiado a "Number One, Number One", para después ser titulada por Stig Anderson como "Knowing Me, Knowing You" y el 24 de mayo de 1976, Lasse Wellander agregó una guitarra más en la melodía. En cuanto a la letra, es una de los primeros temas de ABBA en abordar el tema de una separación o ruptura amorosa. Aunque el título provino de Stig Anderson, el resto de la letra fue escrito por Bjorn, quien negó rotundamente que la letra reflejara su situación en el momento de escribirla. Bjorn comentaba sobre la letra en un libro autobiográfico: “Aunque el sentimiento estuviera escondido dentro de mi por algo que estuviera pasando conmigo, continúa siendo el 90 por ciento ficción; Solamente trabajé con imágenes. Ví a un hombre caminando a través de una casa vacía por última vez como símbolo de divorcio y solo describí lo que veía, nunca lo había pensado en mí mismo en ese entonces". En una entrevista en el 2004, Benny mencionó esta canción como una de las mejores de ABBA junto con “Dancing Queen”, “The Winner Takes It All” y “When I Kissed The Teacher”.




No more carefree laughter
Silence ever after
Walking through an empty house, tears in my eyes
Here is where the story ends, this is goodbye

Knowing me, knowing you
There is nothing we can do
Knowing me, knowing you
We just have to face it, this time we're through
(This time we're through, this time we're through
This time we're through, we're really through)
Breaking up is never easy, I know but I have to go
(I have to go this time
I have to go, this time I know)
Knowing me, knowing you
It's the best I can do

Mem'ries (mem'ries), good days (good days), bad days (bad days)
They'll be (they'll be), with me (with me) always (always)
In these old familiar rooms children would play
Now there's only emptiness, nothing to say

Knowing me, knowing you
There is nothing we can do
Knowing me, knowing you
We just have to face it, this time we're through
(This time we're through, this time we're through
This time we're through, we're really through)
Breaking up is never easy, I know but I have to go
(I have to go this time
I have to go, this time I know)
Knowing me, knowing you
It's the best I can do


Fue lanzada como single el 14 de Febrero de 1977, siendo uno de los mayores éxitos de ABBA, y el 2 de abril de 1977 llegó al Nº 1 en UK por 5 semanas. Fue también Nº 1 en Alemania, Irlanda, el Eurochart, Sudáfrica y México, Nº 2 en Austria, Bélgica y Canadá, Nº 3 en Holanda y Suiza, Nº 6 en Noruega, Nº 8 en Nueva Zelanda, Nº 9 en Francia y Australia, Nº 14 en USA, según Billboard, Nº 16 en Finlandia y Nº 17 en España. En UK, tras lograr 3 Nº 1 consecutivos en 1976, fue el primer de otros tres Nº 1 consecutivos en UK –seguido por "The Name of the Game" and "Take a Chance on Me"- y además fue el sexto Nº 1 consecutivo en Alemania.






En cuanto a su performance en vivo, fue interpretada por el cuarteto en sus giras en los años 1977, 1979 y 1980 y era uno de los temas más esperados por la audiencia. En lo que concierne al video de la canción, fue filmado en enero de 1977 en la isla de Lidingo y en los estudios SVT en Estocolmo y fue dirigido por Lasse Hallstrom. Y como era de esperarse, la canción forma parte actualmente del musical “MAMMA MIA!”, pero no aparece en la versión fílmica.




Sin duda, esta canción es una de la más bellas creadas por ABBA, y sin querer, su letra reflejó lo que varios años después sucedería con el grupo: separación y divorcio entre Bjorn y Agnetha, y Benny y Frida. Aunque en ese año 77, la sola idea de esa posibilidad sonaba a algo irreal cuando veían tan unido y cohesionado al grupo y sobre todo, cuando las dos parejas se mostraban amor permanentemente. Fueron otras épocas, sin duda alguna. Espero que esta canción haya sido de su completo agrado y el próximo mes, el cuarto viernes, o sea, el viernes 24 de junio, tendremos nuevamente este segmento musical dedicado a uno de mis grupos favoritos de siempre. Hasta el próximo mes.





miércoles, 25 de mayo de 2011

MIS CANCIONES FAVORITAS: HACE 15 AÑOS (1996-I)

Continuamos con los segmentos musicales y hoy hemos querido presentar un primer segmento dedicado al año 1996, esto es, hace 15 años, cuando el que escribe contaba con 33 años. Me atrevo a decir que 1996 fue el último año en que seguí la música a través de la radio, ya que a partir del año siguiente, por un lado, la música en las radios se comercializó demasiado con los ritmos de moda de ese entonces y cada vez eran cada vez más pocas las emisoras donde podía uno escuchar aquella música que siempre fue parte de la historia del pop rock contemporáneo. Y por otro lado, con la masificación del Internet, como que la importancia de rankear en los charts de USA como la Billboard, o en UK, o en los Eurocharts, iba quedando relegada. Se puede decir que yo escuchaba lo que venía sucediendo en el panorama musical británico y norteamericano hasta ese año 96. Y en ese año hubieron algunos buenos temas que destacaron y fueron también de mi agrado y gozaron de mis preferencias. Y hoy comenzaré con dos de ellos.

1.- REAL LOVE (The Beatles).- Como comenté en un post del año pasado de 1995 cuando escribí sobre el gran tema “Free As A Bird” de los Beatles, cuando se anunció el estreno del documental “The Beatles Anthology” que fue emitido en dos partes por la cadena ABC, el 19 y 20 de noviembre de 1995, el principal atractivo e interés de todo el mundo estaba centrado en los “nuevos” temas de The Vétales: “Free As A Bird” y “Real Love”. Y en la segunda parte del documental, la canción “Real Love” fue estrenada por primera vez el 20 de Noviembre. En esa época el servicio de televisión por cable no era tan masivo y eran pocos los que contaban con ese servicio. Pero me acuerdo que un día en casa de mi gran amigo Pedrito Solano en ese año 95, me hizo escuchar los demos de ambas canciones y me señaló que “Real Love” figuraba en la banda sonora del documental “Imagine” de 1988. Había visto el documental en el cine, pero no le había prestado atención al tema, y cuando lo escuché me pareció agradable e interesante, y la expectativa por saber como quedaría terminada tras la intervención de Paul, George y Ringo en el estudio era enorme. Y en el verano del 96, en una reunión en casa de Pedrito Solano, pude ver por primera vez el video de esta canción y todos coincidimos en que era una canción muy reminiscente y con mucho sonido beatle. A diferencia de “Free As A Bird”, que sonaba más a un tema solista de Lennon, este tema “Real Love” sonaba más beatle. Y el video fue bastante bueno, y emotivo al ver a Paul, George y Ringo juntos nuevamente en el estudio y bromeando entre ellos, pero sobre todo, al final del video cuando Paul y George se dan un abrazo, emocionando a todos los beatlemaniacos.

El tema fue escrito por John Lennon y de acuerdo al biógrafo de los Beatles, John T. Marck, fue grabado en 1977 con una grabadora de mano en el piano de la casa de John, pero bajo el título de "Real Life", una canción de la que Lennon había grabado al menos seis tomas en 1979 y 1980, que fueron desechadas y permaneció inédita hasta 1988, cuando la sexta toma de la canción fue utilizada para la banda sonora del documental “Imagine: John Lennon”. En enero de 1994, Paul McCartney fue a New York para la inducción de Lennon en el Salón de la Fama del Rock y cuando estuvo allí, Yoko Ono le entregó por lo menos cuatro canciones de John. Ono recordaba: "Todo esto estaba arregldo desde antes, yo solo aproveche la ocasión para darle las cintas personalmente a Paul. Yo no separe a The Beatles pero estaba allí en esos momentos, ¿sabes? Estoy en una posición en la que puedo reunirlos de nuevo y no quiero obstaculizar eso. Fue una situación agradable que me ha dado el destino".

Paul, George y Ringo se centraron en 4 temas: "Free as a Bird", "Real Love", "Grow Old With Me" y "Now and Then". De estos, a la mayoría les gustaba "Free as a Bird", y trabajaron duro en ella y se conviritó en el primer single publicado por The Beatles desde 1970. Luego siguió "Real Love" y fue grabada en Sussex, en febrero de 1995 y reelaborada por Paul, George y Ringo, reflejando de mejor manera la estructura lírica de las primeras tomas de las demos de la canción. Fue coproducida por Jeff Lynne, quien señaló: “[...] nosotros pensamos, queremos trabajar en 'Real Love', que tenía un completo conjunto de palabras". Y fue lanzada como single el 4 de marzo de 1996 en UK, Europa y USA, y estuvo incluida en el album “THE BEATLES ANTHOLOGY 2”. Fue Nº 4 en UK y Nº 11 en USA, según Billboard y también Nº 4 en Finlandia, Nº 6 en Australia, Nº 20 en Suecia y Holanda, Nº 26 en Suiza y Nº 36 en Francia. Después de su lanzamiento, Ringo señaló lo siguiente: “Grabar nuevas canciones no era nada artificial, se sentía muy natural y era muy divertido, pero a veces también emocional. Pero es el fin del camino, de verdad. No hay más que podamos hacer como The Beatles”. Y fue la última canción acreditada a The Beatles en ser creada y en aparecer en un álbum y su último single. Y hoy, 15 años después, la volvemos a evocar en este post.




All my little plans and schemes,
lost like some forgotten dreams.
Seems that all I really was doing
was waitin' for you.

Just like little girls and boys,
playing with their little toys.
Seems like all we really were doing
was waitin' for love.

Don't need to be alone,
No need to be alone.

It's real love, it's real,
Yes it's real love, it's real.

From this moment on I know,
exactly where my life will go.
Seems that all I really was doing
was waitin' for love.

Don't need to be afraid,
No need to be afraid.

It's real love, it's real,
Yes it's real love, it's real.

Thought I'd been in love before,
but in my heart I wanted more.
Seems like all I really was doing
was waitin' for you.

Don't to be alone,
No need to be alone.

It's real love, yeah it's real,
It's real love, it's real,
Yes, it's real love, it's real,
It's real love, it's real,
Yes it's real love, it's real,
It's real love, it's real,
Yes it's real love, it's real,
It's real love, it's real,
Yes it's real love....



2.- CHANGE THE WORLD (Eric Clapton).- Uno de los pocos programas de radio que escuchaba en ese año 96 eran los inolvidables “Tu, Yo y Mis Discos” y “Memories” de mi entrañable amiga Dianita García. Y precisamente uno de los temas que más difundió en “Tu, Yo y Mis Discos” fue “Change The World” con el gran Eric Clapton. ¡Cómo le gustaba ese tema a Dianita! Y cuando la escuché por primera vez, me encantó su ritmo suave, melódico y con el feeling que Eric siempre le pone cuando canta y muy bien secundado por Babyface en los coros.

Fue escrita por Tommy Sims, Gordon Kennedy y Wayne Kirkpatrick y contó con la participación del Babyface y fue parte del soundtrack del film “Phenomenon” de 1996 y protagonizada por John Travolta. Fue lanzada como single en julio de 1996 y llegó al Nº 5 en USA, según Billboard. Fue Nº 1 en el Adult Pop Songs, permaneciendo 13 semanas en esa posición, en Canadá, Nº 3 en Nueva Zelanda, Nº 7 en Francia, Nº 8 en Australia, Nº 10 en Austria, Nº 15 en Noruega, Nº 18 en UK, Nº 22 en Suecia, Nº 24 en Holanda, Nº 27 en Bélgica y Nº 30 en Alemania. Y además ganó un Grammy como Disco del Año y Canción del Año y le hizo merecedor a Eric de un Garmmy como Mejor Performance Vocal Masculino. 15 años después, la volvemos a recordar en el blog.




If I can reach the stars,
Pull one down for you,
Shine it on my heart
So you could see the truth:

That this love I have inside
Is everything it seems.
But for now I find
It's only in my dreams.

And I can change the world,
I will be the sunlight in your universe.
You would think my love was really something good,
Baby if I could change the world.

And if I could be king,
Even for a day,
I'd take you as my queen;
I'd have it no other way.

And our love would rule
This kingdom we had made.
Till then I'd be a fool,
Wishing for the day...

That I can change the world,
I would be the sunlight in your universe.
You would think my love was really something good,
Baby if I could change the world.
Baby if I could change the world.

I could change the world,
I would be the sunlight in your universe.
You would think my love was really something good,
Baby if I could change the world.
Baby if I could change the world.
Baby if I could change the world.


Este ha sido el primer segmento musical de 1996. Espero que estas dos buenas canciones hayan sido de su total agrado. Y como siempre, los invito a dejarme sus comentarios e impresiones sobre este par de buenos temas.

lunes, 23 de mayo de 2011

QUEEN COVERS: SAVE ME (KERRY ELLIS)







Luego de un mes de descanso –en el cual posteamos sobre los 40 años de QUEEN-, volvemos con este segmento de covers de QUEEN. Y en este mes de mayo, hemos querido centrarnos en un cover relativamente reciente, que fue lanzado el año pasado y que contó con la colaboración del propio Brian May. Me estoy refiriendo al muy buen cover de “Save Me”, interpretado por la cantante inglesa Kerry Ellis.

El año pasado supe de la existencia de este cover pero no le di mucha importancia. Un poco por falta de tiempo, pero principalmente por falta de interés, no la había escuchado completa. Sabía que contaba con la presencia de Brian en la guitarra, pero ni eso me lanzó a buscar en Youtube este cover. Pero, el mes pasado vencí mi flojera y busqué en Internet esta canción para escucharla. Más aún, pensando que en algún momento podía utilizarla en esta sección de covers de QUEEN. Y luego de escucharla, debo decir que me gustó mucho. Kerry Ellis lo canta a su estilo personal y con una voz potente, que va subiendo de rango a medida que la canción avanza. Sería necio compararlo con la versión de QUEEN y por ello, quitarle mérito y valor a su muy buena interpretación. Y por supuesto, la Red Special contribuye mucho a esa parte del medio de la canción. No tiene la fuerza de la versión original, pero tiene lo suyo y respeta mucho la versión de QUEEN.





Este cover está incluido en el album debut de Kerry Ellis llamado “ANTHEMS”, el cual fue producido por Brian y fue elaborado en el período de 9 meses en los estudios Abbey Road con una orquesta de 70 músicos. Ella describió al album como uno de los pasos dentro de todas las diferentes áreas en las que ha formado parte en su carrera entre los años 2000 y 2010. Un album que incluye canciones originales, canciones de musicales y conciertos en los que ella ha participado como también nuevos arreglos de temas favoritos suyos, entre ellos, precisamente “Save Me”. El album llegó al Nº 15 en UK y fue bien recibido por la crítica. El album contuvo los siguientes temas:

1. "Dangerland" Brian May
2. "Anthem" (from the musical Chess) Benny Andersson, Brian May, Tim Rice, Björn Ulvaeus
3. "I Can't Be Your Friend (This Can't Be Over)" Don Black, Brian May
4. "Defying Gravity" (from the musical Wicked) Brian May, Stephen Schwartz
5. "I'm Not that Girl" (from the musical Wicked) Brian May, Stephen Schwartz
6. "You Have to Be There" (from the musical Kristina) Benny Andersson, Herbert Kretzmer, Brian May, Björn Ulvaeus
7. "Love It When You Call" (originally by The Feeling) Ciaran Jeremiah, Kevin Jeremiah, Richard Jones, Brian May, Dan Gillespie Sells, Paul Stewart
8. "Save Me" Brian May
9. "Diamonds are Forever" (from the 1971 James Bond film of the same name) John Barry, Don Black, Brian May
10. "No-One but You (Only the Good Die Young)" Brian May
11. "I Loved a Butterfly" Brian May

En cuanto a Kerry Jane Ellis, nació un 6 de mayo de 1979 y es conocida por su trabajo actoral en el teatro musical y ha participado en obras como “My Fair Lady”, “Les Miserables”, “Wicked” y “Oliver!”. Pero también destacó por su participación en el musical “We Will Rock You”, haciendo el rol de Meat desde el 2002 hasta abril del 2004. Ella comentó que trabajar con Brian, Roger y Ben Elton fue un gran paso en su carrera y también apareció en la grabación del album con el cast original de “We Will Rock You”. Brian May recordaba: “Desde el momento en que escuché cantar a Kerry cantar, me impresionó y sentí la convicción que algún día haría un album para ella. Esa convicción nunca me abandonó”. Y sobre este album dijo: “Kerry y yo hemos creado un estilo que define una nueva forma de música: una especie de fusión tipo himno, orquesta, rock y teatro”. Finalmente para promocionar dicho album, se embarcó en una gira por UK, denominada "Anthems: The Tour", que cuenta con la participación de Brian, lugares como Liverpool, Gateshead, Sheffield, Nottingham, Birmingham, Edinburgh, Glasgow, Cardiff, Manchester, Milton Keynes, Southend y Bath en el mes de Mayo y continuará hasta julio.



Finalmente, considero que este cover rinde tributo a la versión original, escrita por Brian May, y es muy bien interpretada por Kerry Ellis, cantante británica que no es el caso de una debutante sin talento apadrinada por Brian, sino que cuenta con una exitosa trayectoria en el mundo del teatro londinense y que ha demostrado que también tiene muy buenas cualidades para destacar en el mundo de la música.





jueves, 19 de mayo de 2011

OTRO SUEÑO LOGRADO: PAUL MCCARTNEY EN LIMA





En la década del 80 y 90, la idea que un Beatle pisara suelo peruano era visto como una fantasía utópica y delirante. Cuando a partir del 2007 se dio una escalada de conciertos de grupos y artistas, la ilusión por la presencia de un “peso pesado” en Lima como Paul McCartney, U2 o Rolling Stones era vista como una posibilidad un poco lejana, pero ya no como algo irreal o propio de la mente de un mitómano. El año pasado, se comenzó a creer en esa posibilidad debido a una entrevista por video chat. Cuando le preguntaron a Paul a qué países podría ir a tocar, mencionó varios y entre ellos el Perú y textualmente dijo: “Peru? Eventually”. Bastaron esas dos palabras, para comenzaran rumores y especulaciones ante una posible visita de Paul a Sudamérica en noviembre del año pasado, pero al final, el anuncio oficial de la gira comprendió sólo Argentina y Brasil. Chile, Perú y Colombia quedaban fuera, decepcionando a muchos que lo veían como la última oportunidad de ver a Paul. Pero en febrero del 2011, a raiz del concierto de Sting en Lima, otra vez comenzó a hablarse sobre un retorno de Paul McCartney a Sudamérica, pero a aquellos países a los que no había ido en noviembre del 2010. Se sabía que había negociaciones y que el empresario Jorge Ferrand era uno de los que estaba tras esta titánica labor. Y una vez más, hubo precipitación por parte de algunos medios que daban como fija la noticia cuando aún no había anuncio oficial alguno y se voceaba como fecha el 9 de Mayo. Pasaron las semanas y la espera angustiaba más, hasta que el 5 de abril en conferencia de prensa realizada en el Estadio Monumental, se anunció finalmente que Paul McCartney daría un concierto en Lima el lunes 9 de mayo y quienes traían al ex Beatle eran los empresarios Jorge Ferrand y Jorge Fernández. Y para reafirmar lo anunciado, se mostró un video en el que Paul invitaba a los peruanos al concierto del 9 de mayo. El sueño era ya una realidad: tendríamos a un Beatle en el Perú.








Cuando salieron los precios de las entradas, eran un asalto a mano armada. La localidad más barata costaba 260 soles en Norte. Y la más cara, Red Carpet, estaba en 1,975 soles, casi $ 650. La cancha estaba dividida en tres sectores: Red Carpet, Platinum y VIP. En tribuna, tanto en Oriente como en Occidente, la división era en cuatro sectores: A, B, C y D. Y al final quedaba Norte, al otro extremo de donde estaría el escenario. Y se anunció que el miércoles 6 y jueves 7 de abril se pondrían a la venta las entradas sólo para los que tenían tarjeta de crédito en el Banco BBVA Continental y recién el viernes 8 la venta sería para el público. Como en otros países las entradas se habían agotado en horas o en uno o dos días, y al no tener tarjeta de ese banco, me preocupaba que el viernes 8 quedaran solo las sobras. Pero antes del viernes 8 debía definir dos puntos. Primero, que debido al alto costo de las entradas y por algunos gastos fuertísimos en casa, era imposible que pudiese ir con mi adorada esposa, porque con las justas se podía costear una entrada. Y segundo, debía definir a qué localidad iría. Definitivamente, Red Carpet, y D y E de Tribuna era impensable. Platinum costaba 805 soles, A y B en Tribuna costaban 655 y 755 soles, respectivamente y seguían siendo sumas lejos de mi alcance. Solo me quedaban VIP en Cancha, que costaba 380 soles, o Norte que costaba 260 soles, aunque como ambas no eran numeradas ello implicaba hacer largas horas de cola y caminar un montón y estar parado todo el concierto. Luego de evaluar mi panorama financiero, y al reducirse mis opciones a VIP o Norte, al final me decidí comprar en VIP en cancha.

Cuando llegó el viernes 8, tuve suerte que a 5 cuadras de mi oficina había un Teleticket en Wong. Era cuestión de darme una escapada temprano y comprar mi entrada. A las 11:15 am llegué al Wong de Dos de Mayo y había como 14 personas en la cola y me imaginé que demoraría a más tardar como una hora en ser atendido. Pero la atención de Teleticket fue un total desastre. Solo había una computadora atendiendo –habiendo dos- y encima, si venía alguien a comprar entradas para otro concierto, le daban la preferencia. La espera fue larga y desesperante y recién subí al 2º piso como a las 1:00 pm. Y encima cuando llegué, pedí mi entrada en VIP y en ese momento, para mala suerte mía, me dijeron que aparecía como agotado. Indagaron y resultó que sí había entradas, pero como estaban arreglando el mapa donde están las localidades, aparecía así y que recién iba a estar restablecido en una hora. Si ya tenía más de 2 horas allí fuera de la oficina, si regresaba en la tarde, me iban a colgar y si esperaba hasta la hora que salgo, a las 6:30 pm, me corría el riesgo de no encontrar nada. Así que en ese instante, no me quedó otra que comprar en Norte. Tuve que comenzar a asimilar que lo más importante era el hecho de estar presente en esa fecha y con un buen sonido y unas buenas pantallas, al menos disfrutaría el estar presente dentro del estadio, sin importar si estaba recontra lejos. Pero al regresar, mi ánimo no era el mejor porque me había visto obligado a comprar en Norte en vez de VIP. Al llegar a mi oficina, me fui reanimando ya que mi gran amiga Pepita Campos había comprado en Norte y justo en esa tarde, entrando al Facebook, supe que una prima de mi cuñada, Karlita y su esposo Beto también iban a Norte y quedamos en coordinar para ir juntos y estar en grupo. Ya tenía mi entrada y faltaba un mes.

Las semanas y los días transcurrieron y la fecha se sentía cada vez más cerca. Y la emoción iba en aumento ante la llegada de Paul a Lima. Para animar más a los fans, Paul mandó un segundo mensaje al público peruano, mientras ensayaba y solo quedaba esperar el momento. El domingo 8 de mayo se produjo un momento histórico para todos los beatlemaniacos peruanos: Paul McCartney llegaba al Perú y ya estaba en Lima. Y en un derroche de sencillez saludó a sus fans en el aeropuerto y en las afueras del hotel. Era realmente emocionante ver a Paul con la bandera peruana en la puerta de hotel. Hasta incluso, se pudo dar el lujo de salir a pasear en bicicleta por el Malecón Cisneros en Miraflores como incógnito e increíblemente no fue reconocido por la gente que se encontraba caminando por allí.








El lunes 9 de mayo me levanté y lo primero que me dije a mí mismo fue “llegó el gran día”. Ya había coordinado con Karlita y Beto y con Pepita Campos y también estaría la hermana de Beto, Carolina. Pepita iría a encontrarse conmigo saliendo de mi oficina, y Beto y Karla pasarían por mí a las 3:45 pm, ya que estaban en carro y para suerte de Beto –y también nuestra-, un amigo suyo que vivía por la IBM le ofreció su garaje para que guardara su auto durante el concierto. Llegamos pasadas las 4:30 pm a dejar el carro y allí comenzó nuestra larga caminata hacia el Monumental. Felizmente no había mucho tráfico a esa hora y fue preciso que estuviéramos temprano. Cuando cruzamos el segundo perímetro que ya nos conducía al Monumental, allí comenzó la larga y extensa cola para tribuna Norte, la cual daba la vuelta en U y nos pusimos a la cola a esperar nomás que avanzara. Lo bueno es que la cola iba avanzando y pasadas las 6 pm, pasamos el siguiente control y lo que quedaba era entrar al estadio. Y allí fue un desorden tremendo. Los de seguridad dijeron que la cola era igual para todos y que corriéramos nomás y todos corrieron y fue un tramo largo. Cuando llegamos a la cola para entrar a Norte, estaba con la lengua afuera y agitadazo, pero ya a punto de entrar. Y una vez adentro, salimos justo a la parte del centro de la tribuna Norte. Una semana atrás, un amigo, que conocía el Monumental -fue mi primera vez en ir a este estadio-, me recomendó que me fuera arriba y al lado izquierdo. Y ni bien entramos, estábamos en el medio, y vimos un espacio arriba a la izquierda y corrimos a toda velocidad hacia allá y felizmente conseguimos sitio. Estaba lejos, pero no tanto como me imaginaba y la vista panorámica era excelente y las dos pantallotas ayudaban mucho y el sonido era bastante bueno. A las 7:30 pm ya estábamos sentados en Norte y listos para esperar lo que se venía en un par de horas. La espera fue grata y divertida, porque comenzaron las olas y era un jolgorio cada vez que venía la ola y nos parábamos y estirábamos los brazos. A las 9 pm, en las dos pantallas gigantes bajo el fondo musical de “Coming Up”, comenzaban a desfilar imágenes de los Beatles y de Paul, y luego también se escuchó “Goodnight Tonight”, tema conocido de 1979. Ya faltaba poco para el momento tan esperado.

Lunes 9 de Mayo. 9:35 de la noche. El momento tan esperado por todos los presentes se hizo realidad. Paul Mc Cartney aparecía en escena. A pesar de la distancia, fue sencillamente emocionante e indescriptible, ver el escenario con Paul allí. El comienzo era una incógnita porque en la gira había comenzado con “Venus And Mars”, tema de los WIngs, y en la segunda noche en Argentina arrancó con “Magical Mistery Tour”. En lo personal, prefería éste último tema porque después de tantos meses de espera y expectativa, el inicio tenía que ser con un tema Beatle. Pero igual si era con “Venus And Mars”, iba a ser genial. Cuando comenzó la instrumentación, y los colores en la pantalla que estaba tras el escenario, la emoción aumentó y en forma sorpresiva y maravillosa, Paul comenzó la noche con “Hello, Goodbye”, clásico de los Beatles, ante la algarabía total del público. Fue algo increíble estar presenciando esta canción, que no estaba en los planes de nadie en el set list. Y acto seguido, vino “Jet”, clásico de los Wings con el corito contagiante y cantado por todos. Y para generar mucho más nostalgia, la beatlemania en todo su esplendor: “All My Loving”. El corazón lo tenía en la mano realmente y canté a voz en cuello este gran tema. Y para que la gente se sintiera más a gusto y constatara que el precio de la entrada estaba muy bien pagado y con creces, Paul se dirigió al público con palabras en español y derrochando harta simpatía y sencillez, sin ningún tipo de poses de divo ni nada por el estilo. Luego vinieron los temas “Letting Go”, “Drive My Car” y “Sing The Changes”, para generar uno de los momentos más celebrados de la noche: cuando Paul exclamó, “Viva el Perú, Carajo”, provocando la total euforia y emoción de toda la gente. De allí vinieron las canciones “Let Me Roll It”, “The Long And Winding Road”, “Nineteen Hundred And Eighty Five”, y a continuación, una de mis canciones favoritas de Wings: “Let Em’ In”. Muy bien tocado y me hizo retroceder en el tiempo a mis años de colegio, un momento muy emocionante. Siguió “I’ve Just Seen A Face” y siguió un segmento con canciones que fueron un flechazo directo al corazón de los fans: “And I Love Her”, “Blackbird” y una canción que dedicó a John Lennon, “Here, Today”, uno de los momentos más emotivos de la noche. Siguieron “Dance Tonight” y “Mrs. Vanderbilt” y a partir del siguiente tema, ya no hubo tregua para el fan. Era disfrutarlo al máximo y sacarle provecho a todo lo que faltaba por vivir esa mágica noche. 








Comenzando con “Eleanor Rigby” y el sentimiento a todo dar, y luego en lo personal, el momento más emotivo de la noche: el homenaje de Paul a George Harrison con “Something” y en la pantalla central, imágenes de George Harrison junto a Paul. El que no se conmovió con esto, no es fan, así de simple. A mi me hizo derramar algunas lágrimas de la emoción. Y luego, el inmortal “Band On The Run”, que causó la euforia de la gente, sobre todo, en la tercera parte del tema en donde todos saltábamos en Norte. Fue increíble y fabuloso. Y para seguir saltando, vino la canción que más hizo saltar a la gente: “Obladi, Oblada”. Fue tan contagiante que no paré de saltar. Siguieron tres clásicos más: “Back In The URSS”, “I’ve Got A Feeling” y “Paperback Writer”. Repito, no había tregua ni descanso. Y la siguiente canción fue otro viaje al pasado: “A Day In The Life”, que fue algo vibrante y fue empalmado con “Give Peace A Chance”, el himno pacifista de John Lennon, provocando que todo el estadio coreara este tema. Sin palabras. Acto seguido, Paul se trasladó al piano y comenzó con “Let It Be”, provocando la euforia de todos. Y el siguiente tema, a mi criterio, fue lo mejor de la noche: “Live And Let Die”, con un espectacular juego de luces y efectos especiales y con fuegos artificiales que provocó la reacción eufórica de la gente. Algo fuera de este mundo. Y para coronar ese momento, vino “Hey Jude”, y todo el estadio coreó la canción en todo momento, y Paul se lució jugando con el público. Con eso, Paul se retiraba momentáneamente del escenario. Pero faltaba más.




Primer encore. Paul retornaba al escenario y para reafirmar la gran conexión que tuvo con el público, salió con una bandera peruana, flameándola junto con una bandera inglesa. Y el retorno fue a lo grande, con “Day Tripper”, “Lady Madonna” y “Get Back”. Como para que siempre tuviéramos en nuestros corazones la música de los 4 grandes de Liverpool.  Tres temas para que la gente saltara, bailara y disfrutara al máximo. Y luego, otra vez Paul se iba del escenario. Minutos después, momento del segundo –y lamentablemente último- encore. Y lo comenzó con la canción más esperada de la noche, el tema con el que muchos soñábamos algún día vivirla en concierto y envidiábamos a tantos fans que alrededor del mundo la habían coreado en concierto: "Yesterday"". Y en ese momento, estaba para todos nosotros, los que compartíamos esas 2 horas y media en el espacio cerrado del Monumental junto a Paul en el escenario. Demás está decir que una vez más, la emoción hizo de las suyas conmigo. Y para cambiar totalmente de ritmo, vino uno de los temas mas duros de los Beatles, para muchos el precursor del punk o del grunge: “Helter Skelter”, con el que muchos se deben haber transportado a esas maravillosas épocas de los 60’s, cuando el “White Album” alcanzaba la categoría de obra maestra. Y luego de ello, el broche de oro. Lo único malo de estos maravillosos conciertos –lo experimenté en Chile en el 2008- es que en algún momento se tienen que acabar. Y el broche perfecto fue la versión rápida y corta de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, con el que se recordaba uno de los albums más importantes de la música contemporánea. Y no podía haber otra manera de cerrar este concierto con la canción que significó el final de su último album grabado en estudio, el gran “ABBEY ROAD”: la maravillosa “The End”. La performance instrumental fue impecable y majestuosa. Y ahora sí era el adios de Paul. Todos querían más, pero tras un final como “The End”, no podía romperse ese broche de oro majestuoso para poner otra canción. Los casi 45,000 asistentes al estadio no cabíamos en nuestro pellejo de la felicidad: habíamos visto a un Beatle en vivo y en directo. Habíamos visto a Paul McCartney. Habíamos vivido en concierto los temas clásicos de los Beatles interpretados por su cantante original. ¿Algo más podía pedirse? Luego de ello, enrumbamos el camino de regreso hacia el lugar donde Beto había guardado su carro, entre un mar de gente que salía con una sonrisa en el rostro. Y en verdad, ya con el cansancio encima, sentimos interminable la caminata y todos nos decíamos “¿tanto hemos caminado de ida?”. Llegamos al lugar y felizmente salimos y me dejaron en Petit Thouars con Javier Prado para tomar mi taxi de regreso a casa, a donde llegué a las 2 am. Al día siguiente, estaba literalmente agotado por la caminata de ida y de vuelta y haber estado parado todo el concierto, saltando y coreando a voz en cuello. No tenía voz y había dormido menos de 4 horas y me caía escandalosamente de sueño en la oficina, bostezando a diestra y siniestra y yéndome por lo menos unas 4 o 5 veces al baño para echarme agua en la cara. Pero la felicidad de haber visto a un Beatle, eso no tenía precio.




Para ser alguien de 68 años, y que el próximo 18 de junio cumplirá 69, Paul derrochó harta vitalidad y energía para ofrecer un show de 2 horas y media, sin parar. Y desde que llegó a Lima, hizo gala de una gran sencillez, simpatía y consideración a sus fans que estaban fuera del hotel y se ganó el corazón de todos los peruanos. Algo que muchos deberían aprender y que no tienen la milésima parte del talento de Paul. En mi opinión personal, el momento que reflejó mejor que cualquier otro esa conexión del público con Paul, fue cuando en una de las tantas veces que el estadio coreó “Ole, ole, ole, Paul, Paul”, Paul hizo un ademán como para que la gente siguiera coreando, y con su guitarra comenzó a sacar el ritmo de ese estribillo y cuando lo sacó, fue algo emocionante sentir como durante algunos minutos el público y Paul estaban unidos en un mismo sentimiento. Para mí esa improvisación de Paul fue indescriptible y pagó la entrada.




Por último, quiero agradecer a algunas personas, con cuya autorización me han permitido colgar sus fotos y algunos videos. Gracias mi estimado Mack por tan buen video. Gracias a Karlita por permitirme usar tus fotos e igualmente gracias a mi hermano Alex por usar sus muy buenas fotos. Tengo una sola palabra para definir el concierto de Paul: ESPECTACULAR. Gracias Sir Paul por una noche tan llena de nostalgia, emociones intensas y mucha algarabía. Si bien es cierto, no estuve a una distancia como la que tuve en Chile en el concierto de QUEEN + Paul Rodgers, pero lo disfruté al máximo y con la misma intensidad. El lunes 9 de mayo pude hacer realidad otro de mis sueños: haber visto a un Beatle en vivo, y a un grande entre grandes como lo es Paul McCartney.




¡¡OTRO SUEÑO CUMPLIDO!!

ROYAL TRILOGY: EL SEGUNDO AÑO













Hoy 19 de mayo del 2010, mi blog “ROYAL TRILOGY” cumple su segundo añito de vida. Es increíble ver lo rápido que ha pasado el tiempo y me parece ayer cuando tenía la idea en la cabeza y esperaba el momento propicio para cristalizarlo. Han pasado dos años y sinceramente me siento más que satisfecho con todo lo vivido y transcurrido en este blog. No voy a detallar lo que fue el proceso de creación del blog, lo cual lo compartí con ustedes hace exactamente un año en el post que escribí por el primer aniversario (http://royaltrilogy.blogspot.com/2010/05/royal-trilogy-el-primer-ano.html). Pero sí pienso hacer un pequeño recuento de lo que ha sido este segundo año y ver cuánto ha crecido en cifras, en comparación a lo que señalaba un año atrás.

Han pasado 24 meses y este blog definitivamente es ya una parte importante de mi vida. Como lo he dicho en varias oportunidades, jamás he pretendido que mi blog sea el espacio más visitado en la blogósfera, pero haciendo una comparación entre las cifras que compartí con ustedes hace un año, ha habido un notable crecimiento. Hace un año, señalé que en el primer año del blog, había recibido un total de 38,141 visitas, con casi un promedio de más de 3,000 visitas al mes y casi 100 visitas diarias y tenía 54 amigos registrados en el blog, algo que en ese momento consideraba ya maravilloso tratándose de un blog netamente personal. Pero hoy las cifras, han ido creciendo mes a mes a pasos galopantes, y en este preciso instante en que estoy escribiendo este post, a las 8:00 am en punto, el contador que tengo al lado derecho del blog arroja una cantidad total de 173,861 visitas, lo que significa que en este segundo año el blog ha tenido 135,720 visitas, más del triple del número contabilizado el primer año. Y en lo que concierne a la cantidad de visitas mensuales, el mes pasado llegó a sumar un total de 15,220 y un promedio de 500 visitas diarias y en este año 2011, la cifra ha ido creciendo mes a mes, y este mes de mayo, es probable que supere el núumero alcanzado en abril. Y finalmente, tengo registrados en el blog a un total de 84 amigos, 30 personas más en comparación con el número del año pasado. Si el año pasado me sentía abrumado con esas cifras, imagínense cómo me siento en este segundo año. No hay palabras. Y desde que instalé un programita que me permite ver la hora de la visita al blog, el post visitado y de qué país proviene el visitante, he podido ver con asombro que de todas partes del mundo han entrado a visitar el blog y a veces, desde lugares que jamás podría haberme imaginado y posts publicados hace buen tiempo. Y he escrito 195 posts a lo largo de este segundo año, 37 posts más en comparación con los 158 posts que escribí el primer año. Aunque lo que sí he podido notar es una ligera disminución en el número de comentarios escritos. Es entendible, normalmente nos da bastante flojera para escribir y a mí también me ha pasado antes. De todos modos se valora un montón el que se tomen el tiempo de visitar este blog y leer los posts publicados y eso compensa un montón.

Reitero lo que expresé hace un año. Entre las tensiones propias del trabajo, los contratiempos financieros que aún persisten, y una que otra cosa que aparece siempre, mi blog es el punto que equilibra mi vida, y donde pongo mi corazón y mi mente en cada post que escribo. No hay mayor satisfacción que la que siento cuando hago click en "Publicar Entrada", tras haber ya terminado de escribir y ordenar un nuevo post, sea el tema que fuere: QUEEN, yo o algo más. Cada mañana siempre llego más temprano a mi oficina y me quedo también después del horario de salida, para no mezclar lo personal con el trabajo y la responsabilidad, y siempre voy armando de a pocos los posts que voy programando mes a mes. Al final de cada mes, ya están programados los posts que escribiré a lo largo del mes que viene, siempre a razón de tres posts por semana. No me gusta improvisar ni dejar las cosas para el último momento, salvo aquellos posts generados por una noticia de último minuto, por la sencilla razón que tengo 84 amigos registrados en el blog y muchos amigos más que están pendientes de lo que publique cada semana, sobretodo en los temas queeneros.




Usualmente los posts queeneros son cuatro por mes, los cuales están programados: 1) Un hit de QUEEN; 2) Un album track de QUEEN; 3) Un tema solista; y 4) Un cover de QUEEN. Aquí hay material para rato en lo que concierne a QUEEN. En lo que se refiere al segmento de Mis Canciones Favoritas, los años 1976, 1981, 1986 y 1991 seguirán desfilando a lo largo de todo este año 2010 y por supuesto, sin dejar de mencionar a mis canciones favoritas en español tanto de la década del 70 como del 80, así como el segmento "Anglo 60's" que va dos veces por mes, una con lo mejor de los Beatles y los Stones, y otra con un par de temas de grupos y artistas británicos de los 60's. Igualmente, el segmento mensual de una canción de una de mis bandas favoritas, ABBA. Y de acuerdo a un programa que puse al lado derecho de mi blog, en la parte de abajo, los post más populares y visitados en todo este tiempo han sido "George Harrison, Un Místico Señor", "QUEEN II: Una Prolífica Explosión Musical" y "Olivia Newton-John: La Eterna y Dulce Sandy". Y el post más comentado sigue siendo "¡Adios Telestereo 88 FM! ¡Gracias por Todo!" con 228 comentarios, seguido por "24 de Noviembre: 18 Años sin Freddie" y "Jim Hutton R.I.P."ambos con 74 comentarios.

Por último, y no por ello, menos importante, quiero agradecer inmensamente y desde lo más profundo de mi corazón a TODOS ustedes: a quienes se toman el tiempo, la dedicación y la molestia de visitar el blog y leer los posts que escribo y sobre todo, aquellos que se sientan a escribir un comentario. Y en particular, a los 5 amigos que más mensajes han escrito en estos primeros 24 meses, Jaimito Sukoane, Javier Moreno, Mapi Zevallos, Miguel Angel Guerrero –más conocido como Magroz17- y Mack Mantilla. Ustedes engalanan mi blog con sus siempre acertados, oportunos y en algunos casos ocurrentes y amenos comentarios -¡Gracias Jaime!. Y también, mi agradecimiento va a aquellos amigos que sin escribir un comentario, siempre están pendientes de este blog, visitándolo y leyendo cada post y algunos dándome sus comentarios, ya sea en Facebook o por e-mail. Este blog es para todos ustedes y siempre pondré lo mejor de mí para que puedan disfrutar su visita al blog, el cual siempre estará presente en mi vida hasta el día que deje este mundo. Gracias amigos por este estupendo segundo año de intercambio de opiniones con todos ustedes, que me permiten también extraer valiosas impresiones.

¡¡UN BRINDIS CON USTEDES POR ESTE SEGUNDO AÑITO DE VIDA!! Son los primeros 24 meses de "ROYAL TRILOGY" y este es solo el comienzo porque siempre seguirán habiendo más novedades y más secuencias musicales interesantes. En varios momentos del día estaré brindando a la salud de este maravilloso blog y también por todos ustedes. Y quien sabe si cuando se cumplan 3 años, o sea, la primera trilogía de años del blog, lo celebre de una manera más amplia, compartiéndolo con los amigos visitantes del blog. Veremos qué sucede dentro de 12 meses. Y hoy en la noche, como parte de la celebración de este segundo aniversario, estaré publicando el post sobre mi crónica sobre lo que fue la histórica visita del gran Paul McCartney en Lima y su maravilloso concierto del 9 de abril. Va de todas maneras entre 6:30 y 7 pm.






¡¡GRACIAS POR SU PREFERENCIA! ¡¡LOS QUIERO MUCHO!! ¡¡DIOS LOS BENDIGA SIEMPRE!!

miércoles, 18 de mayo de 2011

MIS CANCIONES FAVORITAS: HACE 25 AÑOS (1986-V)

Nos toca presentar un segmento musical más de 1986, hace ya 25 años, cuando el que escribe contaba con 23 años de edad. Y para este mes de mayo, tenemos a dos grupos que destacaron en ese lejano año 86 con dos canciones exitosas.




1.- HIP TO BE SQUARE (Huey Lewis & The News).- Uno de los grupos que destacó nítidamente en la primera mitad de la década del 80 fue Huey Lewis & The News. Con su estilo rockanrollero fresco y con mucha energía, triunfó en 1982 con "Do You Believe In Love" y en 1984 con el album "SPORTS", con buenas canciones como "Heart & Soul", "I Want A new Drug" o"If This Is It". En 1985 llegó con la canción "The Powe Of Love" del film "Back To The Future" y para 1986, su primer single fue "Stuck With You", una melodía bastante rítmica y que fue todo un éxito a nivel mundial. Pero, si hubo una canción que me gustó mucho en ese año fue sin duda, "Hip To Be Square".


Escrita por Bill Gibson, Sean Hopper y Huey Lewis, fue incluida en el multiplatino album "FORE!" y fue el 2º single de dicho album. Fue Nº 3 en USA, según Billboard, Nº 1 en el Billboard Album Rock Tracks, Nº 20 en el Billboard Adult Contemporary Tracks, Nº 17 en Australia y Nº 41 en UK. Veinticinco años después, la volvemos a recordar en el presente post.





I used to be a renegade, I used to fool around
But I couldn't take the punishment, and had to settle down
Now I'm playing it real straight, and yes I cut my hair
You might think I'm crazy, but I don't even care
Because I can tell what's going on
It's hip to be square

I like my bands in business suits, I watch them on TV
I'm working out most everyday and watching what I eat
They tell me that it's good for me, but I don't even car
I know that it's crazy
I know that it's nowhere
But tehre is no denying that
It's hip to be square

It's not too hard to figure out, you see it everyday
And those that were the farthest out have gone the other way
You see them on the freeway, It don't look like a lot of fun
But don't you try to fight it; "An idea who's time has come."

Don't tell me that I'm crazy
Don't tell me I'm nowhere
Take it from me
It's hip to be square





2.- DUEL (Propaganda).- En 1986 hubo una canción que comenzó a sonar con fuerza en las radios, pero no se sabía ni el título de la canción ni quien la interpretaba. La voz de la cantante no era conocida, pero era un tema muy bueno, con bastante ritmo y estilo moderno y elegante. Luego supe que se trataba del tema "Duel" y que era de un grupo llamada Propaganda, banda alemana con la cantante Claudia Brucken. Y al poco tiempo, pude ver el video clip de la canción y eso contribuyó bastante a su éxito local y que fuese difundida bastante en las emisoras de radio locales y hasta era infaltable en las discotecas de la época.


Escrita por Claudia Brücken, Ralf Dörper y Michael Mertens, estuvo incluida en el primer album del grupo, "A SECRET WISH" y originalmente fue lanzada en UK el 7 de abril de 1985, llegando al Nº 21 y siendo su single más exitoso allí. Fue también Nº 3 en Italia, Nº 5 en Holanda y Nº 30 en Alemania. Y aquí fue una de las canciones de mayor éxito en aquel lejano año 1986. Y hemos querido evocarla en el blog, recordando aquellas buenas épocas ochenteras.








Eye to eye stand winners and losers
Hurt by envy, cut by greed
Face to face with their own disillusion
The scars of old romances still on their cheeks
And when blow by blow the passion dies sweet little death
Just have been lies the memories of gone by time
Would still recall the lie

The first cut won't hurt at all
The second only makes you wonder
The third will have you on your knees
You start bleeding i start screaming

It's too late the decision is made by fate
Time to prove what forever should last
Whose feelings are so true as to stand the test
Whose demands are so strong as to parry all attempts
And when blow by blow the passion dies sweet little death
Just have been lies the memories of gone by time
Would still recall the lie

The first cut won't hurt at all
The second only makes you wonder
The third will have you on your knees
You start bleeding i start screaming

The first cut won't hurt at all
The second only makes you wonder
The third will have you on your knees
You start bleeding i start screaming
The first cut won't hurt at all
The second only makes you wonder
The third will have you on your knees
You start bleeding i start screaming
The first cut won't hurt at all
The second only makes you wonder
The third will leave you on your knees
You start bleeding i start screaming






Este ha sido el quinto segmento musical de 1986. Espero que estos dos temas hayan sido de su agrado y como siempre, los invito a dejarme sus comentarios. Y para el próximo mes de junio, tendremos dos temas de película de dos legendarios cantantes británicos. Hasta el mes de Junio.

lunes, 16 de mayo de 2011

KEEP PASSING THE OPEN WINDOWS: EL SONIDO CLASICO DE QUEEN





Llegamos al mes de mayo y le toca al turno al segmento dedicado a los "album tracks" de QUEEN. Y en esta oportunidad dedicaremos el presente post a una canción de 1984, que estuvo incluida en el album "THE WORKS" y que nunca entenderé porque no fue elegida como lado A en un single de QUEEN: "Keep Passing The Open Windows".




Como señalara en el post que escribí sobre el album "THE WORKS" en el 2009, cuando escuché por primera vez la canción "Radio Ga Ga", me gustó el tema, aunque mostraba a un QUEEN más moderno y renovado. Pero eso generó mucho más interés en saber cómo era el resto del album y si habrían canciones dentro del estilo clásico, melódico y rockero de QUEEN. Y una tarde estan do en casa de mi primo Aldo, estábamos escuchando Radio Doble Nueve y en eso presentaron el "Disco Ayllu", creo, o lo "Nuevo de la Semana", o algo por el estilo, y era la canción "Keep Pasing The Open Windows". En ese momento, paré de hacer lo que estaba haciendo y la escuché con detenimiento y al terminar de escucharla, me emocionó muchísimo y lo primeroque le dije a mi primo fue "QUEEN ha vuelto a lo suyo, carajo": Freddie luciéndose en la voz y en los teclados, Brian soberbio en la guitarra, Roger en la batería y John preciso en el bajo, además de los clásicos coros de la banda. Un tema que desde el inicio sonaba en todas sus partes al QUEEN que muchos fans veníamos añorando y reclamando en los últimos años. Aunque algo que me sorprendió fue ver que como primer single del "THE WORKS" había sido elegida "Radio Ga Ga" y no "Keep Passing The Open Windows". Y mi sorpresa fue mayor cuando siguieron los siguientes singles y esta brillante canción no aparecía para nada.





This is the only life for me
Surround myself around my own fantasy
You just gotta be strong and believe in yourself
Forget all the sadness because love is all you need
Love is all you need

Do you know what it's like to be alone in this world
When you're down and out on your luck and you're a failure?
Wake up screaming in the middle of the night
You think it's all been a waste of time
It's been a bad year
You start believing everything's gonna be alright
Next minute you're down and you're flat on your back
A brand new day is beginning
Get that sunny feeling and you're on your way

Just believe - just keep passing the open windows
Just believe - just keep passing the open windows

Do you know how it feels when you don't have a friend
Without a job and no money to spend?
You're a stranger
All you think about is suicide
One of these days you're gonna lose the fight
You'd better keep out of danger - yeah!
That same old feeling just keeps burning deep inside
Keep telling yourself it's gonna be the end
Oh get yourself together
Things are looking better everyday

Just believe - just keep passing the open windows
Just believe - just keep passing the open windows

This is the only life for me
Surround myself around my own fantasy
You just gotta be strong and believe in yourself
Forget all the sadness because love is all you need
Love is all you need

Just believe - just keep passing the open windows
Just believe - just keep passing the open windows

You just gotta be strong and believe in yourself
Forget all the sadness because love is all you need - yeah
Love is all you need
Baby - love is all you need

Just believe - just keep passing the open windows
Just believe - just keep passing the open windows
Just keep passing the open windows...


a canción fue compuesta por Freddie Mercury y originalmente fue escrita en 1983 para el film "Hotel New Hampshire". Los productores de dicho film le pidieron a QUEEN componer el soundtrack para dicho film, pero la banda estaba abocada a la grabación de su nuevo album que vería la luz a inicios de 1984 y al final, cambiaron de parecer y decidieron incluir música clásica en el film. Sin embargo, Mercury Freddie había compuesto específicamente para ese film la canción "Keep Passing The Open Windows", cuyo título tenía relación con una de las frases importantes en el film, y había tocado el piano y los sintetizadores y escribió la letra luego de haber leído la frase "kep passing the open windows" en el libro "Hotel new Hampshire". Al final la canción no fue tomada en cuenta y fue incluida después en el album "THE WORKS". Al respecto, Freddie recordaba en una entrevista en 1984: "Cuando escribo una canción, tengo en mi cabeza lo que los otros pueden hacer y es usado como referencia. Pero a veces, lo hago sabiendo que será difícil para todos. Ese es mi reto. Por ejemplo, había escrito 'Keep Passing The Open Windows' para el film 'Hotel New Hampshire', pero al final fue rechazado y tuve que cambiarla completamente para que pudiera adaptarse al ' The Works'".



Debo decir que siempre sentí curiosidad en ver esa película, pero aquí no había llegado al circuito de cine en su momento, en 1983, y cuando la busqué en lugares de alquiler de videos con películas, tampoco era ubicable. Y varios años después, allá por el 2003 o 2004, en un canal de cable ví que iban a dar esta película "Hotel New Hamphsire" y la grabé en VHS, porque la daban a una hora en que estaba trabajando. Y ese fin de semana me alisté para verla, porque quería ver la relación de esta canción con el film, que estaba basada en la novela de John Irvingn y fue co-producido por Jim Beach, manager de QUEEN y dirigida por Tony Richardson, quien escribió el guión y contaba con un buen reparto conformado por Jodie Foster, Rob Lowe, Nastassja Kinski y Beau Bridges. La verdad es que la película me pareció un poco densa y algo lenta -trataba sobre una familia que pasaba por todo tipo de desastres y que a pesar de ello, siguen adelante- pero pude comprobar que precisamente una de las frases claves en la película era "keep passing the open windows", que era mencionada en diversas ocasiones a lo largo del film por los miembros de la familia Berry, como una manera de la familia de decirse el uno al otro que siempre perseveraran. Al margen que no me gustara la película, pero por lo menos, pude despejar esa duda que tenía por varios años alrededor de esta canción y su exclusión del film.





El tema fue producido por QUEEN y Mack, y contó con la participación de Freddie en la voz principal, coros, piano y sintetizadores; Brian en la guitarra y coros; John en el bajo; y Roger en la batería y coros. Y solo fue incluida como doble lado B del single "Thank God It's Christmas", junto con el tema "Man On The Prowl". Y en la versión de 12" del single, figuraba en el lado B una versión extensa de esta canción. Y adicionalmente hay dos versiones en demo, que no han sido oficialmente lanzadas, pero que circulan en internet y que aquí las tenemos en este post: una versión casera de Freddie de 2 minutos, 48 segundos y un demo de QUEEN de 4 minutos y 46 segundos.









En lo que concierne a su performance en vivo, , en mi opinión muy personal, inexplicablemente, nunca fue interpretada por QUEEN en vivo, ni en las giras del "THE WORKS" en los años 1984 y 1985, ni tampoco en el "MAGC TOUR" de 1986, ni siquiera como una improvisación ya fuese en los teclados o a nivel vocal cantado por Freddie. Y siendo composición de Freddie, tampoco fue incluida en las giras solistas de Brian y Roger ni en los tours de QUEEN + Paul Rodgers del 2005 al 2008. Siempre quedará en la incógnita cómo hubiera sonado esta canción en vivo e interpretada por QUEEN.


Han pasado ya 27 años de la creación de esta canción y en lo personal, la considero mi canción favorita del album "THE WORKS" y luego de "Was It All Worth It" de 1989, para mí es mi segunda canción favorita de QUEEN en la década del 80. Porque realmente refleja ese estilo típico y característico que hizo que QUEEN llegara a lo más alto de la cima en la década del 70. Un tema en donde los 4 miembros de la banda se lucen en la ejecución de sus instrumentos y Freddie lanza unos agudos con su voz que demuestran porqué fue considerado la mejor voz en la historia del rock contemporáneo. Y al no haber sido single, un poco que fue condenada al olvido para los que solo se fijan en las canciones comerciales y exitosos de la banda y ha sido uno de los temas más subvalorados de QUEEN. Pero para eso esté este blog, para rescatar del baúl aquellas joyas de la corona de la Reina y compartirlo con ustedes. Hasta el próximo mes de junio en que tendremos otro interesante album track.



viernes, 13 de mayo de 2011

LONG DISTANCE VOYAGER: 30 AÑOS DE UN VIAJE MUSICAL MAGICO






El próximo 15 de mayo, se cumplen 30 años del lanzamiento del album “LONG DISTANCE VOYAGER” de la banda británica THE MOODY BLUES. Y como no suelo escribir posts los días sábados y domingos, y además los lunes son los días de posts queeneros, he preferido dedicarle hoy un post a este maravilloso y extraordinario album, que marcó el inicio con muy buen pie de los MOODY BLUES en la década del 80. Como señalara en el post que le dediqué a los MOODY BLUES en el 2009, la primera vez que los escuché fue precisamente en 1981, cuando mi hermano Alex tenía un cassette donde estaba grabada la canción “The Voice”. Y debo decir que me encantó el estilo fresco, elegante y moderno de esa canción y con una muy buena interpretación de su vocalista. Luego, en la radio escuché, además de “The Voice”, el tema “Gemini Dream” y que me sonaba un poco al estilo ochentero de E.L.O. Fue lo único que escuché de esta banda en ese año 81 y hasta allí, los MOODY BLUES representaba para mí un buen grupo pero desconocía totalmente su discografía e ignoraba que se habían formado a mediados de los 60’s. Mi percepción empezó a cambiar en 1991, cuando gracias a un gran amigo Raúl Alvarez, pude conocer más de ellos. Mi amigo tenía en cassette el album “DAYS OF FUTURE PASSED” y una recopilación, y además el LP en vinilo del album “LONG DISTANCE VOYAGER”, donde estaba el tema “The Voice”. Y un día que nos reunimos en su casa, puso todo ese material para escucharlo. Sobre el album “DAYS OF FUTURE PASSED”, ya he comentado en su post, pero cuando escuché “LONG DISTANCE VOYAGER” me sorprendió muy gratamente porque era realmente un muy buen album, de principio a fin, sin ningún altibajo, y que demostraba que no solo valía por “The Voice”, sino era mucho más completo. No sería sino hasta varios años más tarde en que retomaría mi interés por los MOODY BLUES y con bastante fuerza. En 1999 me compré por Amazon el CD de “LONG DISTANCE VOYAGER”, el cual no había vuelto a escuchar desde esa oportunidad en 1991. Y volver a escucharlo, esta vez en CD y en la tranquilidad de mi casa, fue algo que no tuvo precio. Siempre con mi gran amigo del alma, Huguito Salazar, conversábamos sobre este album, y para Huguito era el mejor album de su carrera, opinión con la que difería porque mi opción se inclinaba por el “DAYS OF FUTURE PASSED”. Pero sin duda, lo considero mi album favorito de los Moodys, en la era “post Mike Pinder”.



Como se sabe, en 1978, la banda retornó con el album “OCTAVE”, tras un largo período de 6 años de silencio. Dicho album sería el último en estudio con Mike Pinder como miembro de la banda, debido a su decisión de retirarse para dedicarse a una vida familiar. Para la gira del album “OCTAVE” por USA y Europa durante 1979, el grupo reclutó al tecladista Patrick Moraz, que había tocado con YES. Para 1980, la banda ya estaba lista para grabar nuevamente y en esta oportunidad trajeron al productor Pip Williams. Y al haberse integrado bien al grupo en la gira, Patrick Moraz fue elegido como nuevo tecladista de la banda y miembro de los Moody Blues. Sin embargo, Mike Pinder originalmente había entendido que el continuaría grabando con la banda, aunque ya no saliera de tour con ellos y este hecho de haber sido dejado de lado generó que Mike intentara medidas legales para impedir el lanzamiento al público del nuevo album de los Moody Blues sin sus contribuciones musicales, pero no tuvo éxito y finalmente nunca retornó a la banda y se alejó definitivamente de ellos, tras haber sido uno de los miembros fundadores del grupo en 1965. Mientras Patrick Moraz fue un apropiado reemplazo de tecladista tanto para los conciertos como para los discos y le dio un sonido moderno a la banda, la partida de Mike Pinder representó en el nivel artístico y autoral, el final de una etapa musical de la banda y una pérdida para el grupo, ya que Mike había sido el responsable del sonido distintivo del mellotron. En adelante el mellotron quedaría de lado para dar paso a un estilo más moderno y menos sinfónico, aunque destacando un sonido dominante de los teclados como parte de la contribución de Patrick Moraz. A diferencia de los albums en los 60’s en donde todos componían y cantaban por igual, para este album y sobre todo, en los siguientes albums, el mayor peso recaería en Justin Hayward, tanto en las composiciones del grupo como en la parte vocal, ante la ausencia de Mike. Tanto Justin como John Lodge contribuyeron con más composiciones, en adición a sus propias composiciones. Pero, en este album “LONG DISTANCE VOYAGER” todavía había un equilibro entre Justin, John y Ray, ya que normalmente Graeme escribía un tema por album, y eso se ve reflejado en el sonido y en la calidad del album. Aunque los fans de la banda de antaño, sintieron la ausencia de la voz de Mike Pinder y de sus canciones.



El album fue grabado entre el 19 de Febrero de 1980 y mediados de 1981, en el Threshold Studios y fue producido por Pip WIlliams. Así, en esas circunstancias, finalmente fue lanzado un 15 de Mayo de 1981, hace ya 30 años. Y se convirtió en un éxito rotundo en todo el mundo, llegando el 25 de Julio de 1980 al Nº 1 en USA, permaneciendo 3 semanas en esa posición y fue Nº 7 en UK. El album tuvo dos hits: “The Voice” –Nº 15 en USA y Nª 1 en el Mainstream Rock Tracks- y "Gemini Dream" –Nº 12 en USA. Y el tracklisting estuvo conformado de la siguiente manera:


Lado 1

"The Voice"
"Talking Out of Turn"
"Gemini Dream"
"In My World"

Lado 2

"Meanwhile"
"22,000 Days"
"Nervous"
"Painted Smile"
"Reflective Smile"
"Veteran Cosmic Rocker"



Ahora, analizaré este brillante album, tema por tema. El inicio es sencillamente imponente y soberbio. Ese intro con el sintetizador, de arranque te muestra el nuevo sonido musical de los Moody Blues en la década del 80 y te da paso al primer tema del album, “The Voice”, composición de Justin, con un estilo de rock rítmico, suave y elegante. Perfecta forma de dar inicio al album. A continuación, sigue la composición de John Lodge, “Talking Out Of Turn”. Los que pasamos la barrera de la base 4, recordaremos que el intro fue utilizado como cortina musical del noticiero “Buenos Días Perú” en Canal 5, allá en la primera mitad de los 80’s. Y la canción que trata sobre aquellas cosas que decimos cuando estamos con cierta calentura y luego después cuando la tormenta pasa, nos decimos “¿por qué cuernos dije eso?”. Y John la canta con un feeling que te atrapa de inmediato y lo mejor del tema es el sonido orquestal y sinfónico al final del tema. Le da brillo al tema, sin duda alguna. Prosigue el que es el tema más comercial del album, “Gemini Dream”, composición de John y Justin. La primera vez que la escuché, juraba que era E.L.O. y me parecía bien comercialón y al comienzo como que no me llamaba mucho la atención, pero con el tiempo, la valoré un poco más y sin ser una de mis favoritas, le reconozco que es uno de los temas más exitosos del grupo en la primera mitad de los 80’s. Y finaliza el lado A –tal como figuraba en el LP-, la composición de Justin, “In My World”, una muy hermosa balada, cantada con el sentimiento con el que sólo Justin puede cantarla. Y la parte instrumental al final del tema, como una especie de plus, es impecable.






El lado B, comenzaba con otro tema de Justin, “Meanwhile”, un tema pop bien armónico y rítmico. Y lo que vendría en adelante, fue lo que me inclinó a considerar este album como uno de mis favoritos de siempre. El segundo tema es “22,000 Days”, la única composición de Graeme Edge y cantada por John y Ray, cuya letra trata sobre los días que componen el promedio de una vida adulta. Y el ritmo es potente y con mucha fuerza. Es mi canción favorita de Graeme, de lejos. Y luego sigue una verdadera joya musical, de la cosecha autoral de John Lodge: “Nervous”, uno de los temas más subvalorados de la banda. Realmente es una belleza de canción con sublimes armonías. Y para precisamente, establecer el equilibrio en el album y marcar la diferencia, viene una trilogía de temas compuestos por Ray Thomas, como una especie de mini opereta o historia, que combina temas de bufones carnavalescos y el caos experimentado backstage en un show de rock. Este set musical comienza con la canción "Painted Smile", que es un tema de circo que narra la historia de un bufón de circo. Como anteriores composiciones de Ray, la canción aborda un tema de un “mundo de niños” en el sentido que cuenta la historia en la perspectiva de un niño. Y el intro instrumental es precioso y recuerdo que aquí fue utilizado en comercial de TV en los 80’s. Luego sigue “Reflective Smile," que es un corto poema que sirve de conexión entre “Painted Smile” y la siguiente canción, “Veteran Cosmic Rocker” y es recitado por Ray. Y el broche de oro a esta mini-historia y a este sobresaliente album, es precisamente el tema “Veteran Cosmic Rocker”, cuya letra trata la historia de un estereotipado músico de rock and roll que es amado por sus fans. Y lo mejor del tema viene en la parte del medio cuando Ray toca la armónica con una serie de sonidos, cada uno más alucinante que el otro. De esta manera se ponía punto final a un album espectacular, elegante y muy versátil.



Han pasado ya 30 años de su lanzamiento y este album representa uno de los mejores trabajos creados por los Moody Blues, que combina el estilo musical característico de la banda con un sonido fresco y moderno y manteniendo un equilibrio en las composiciones en la banda, algo que cambiaría más adelante. El estilo progresivo de la banda de la década del 60 había quedado atrás, para dar paso a un sonido más contemporáneo y menos elaborado, para así poder llegar a nuevas generaciones. Con este album, comenzaba esta segunda etapa en la historia musical de los Moodys, en donde tuvieron más éxito comercial, que se vio reflejado en las constantes giras que han venido realizando hasta la fecha. Y por supuesto, de vez en cuando, siempre llevo mi CD de este album a la oficina para poder escucharlo con placer y relax, como sin duda lo haré en esta semana que viene.




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