BOHEMIAN RHAPSODY: LA MAYOR CONTRIBUCION DE QUEEN A LA MUSICA

Hace catorce años, cuando se cumplieron 35 años del lanzamiento del single "Bohemian Rhapsody", posteé sobre este épico tema en el segmento musical queenero de singles de QUEEN. Hoy, 31 de Octubre, se cumplien 49 años de dicho lanzamiento y vale la pena actualizar aquel post del año 2010 sobre esta inmortal canción de QUEEN. Como dije hace once años, no pretendo hacer un post con todos los detalles estadísticos de “Bohemian Rhapsody”, o contar toda la historia alrededor del tema. Se ha escrito tanto sobre ello que hacer algo similar significaría redundar en el tema. Si realmente desean saber los pormenores de la historia de este himno queenero, sinceramente les recomiendo ver el video de “The Story Of Bohemian Rhapsody”, documental que fue trasmitido en diciembre del 2004, en el canal BBC Three, y en donde se detalla la historia completa de la canción y vemos además a Brian y Roger retornar al estudio donde fue creada. No es mi intención repetir lo dicho en el documental, sino más bien, como siempre, enfocarlo desde mi experiencia y agregar algunos datos de interés. Pero a modo de información general, sabemos que esta canción fue la obra maestra de Freddie Mercury y rompió muchos esquemas en su momento por muchas razones:

1) Por su duración, ya que era inusual que los singles durasen casi seis minutos y QUEEN tuvo que luchar duro para que el tema no fuese editado por la disquera.

2) Por la complejidad de sus estructura ya que estaba dividida en secciones bien diferenciadas, e iba más allá de la forma musical de un single.

3) Por su innovador video clip, que fue grabado para ser difundido el programa “Top Of The Pops” y que hizo historia al ser el primer video clip promocional hecho por una banda o artista.

4) Por su mega éxito en todo el mundo, llegando al Nº 1 en UK por 9 semanas y vendiendo más de un millón de copias en UK.

5) Por su relanzamiento en diciembre de 1991 como doble lado A junto con “These Are The Days Of Our Lives”, tras la muerte de Freddie y su regreso triunfal al Nº 1 en UK por 5 semanas, llegando a ser la primera canción en ser Nº 1 en UK en dos ocasiones distintas y convirtiéndose así en el tercer disco más vendido de todos los tiempos en UK.

6) Por su inclusión en el film “Wayne’s World” en 1992, logrando un enorme éxito en USA y llegando al Nº 2 en USA, según Billboard, y superando el Nº 9 alcanzado en 1976 en USA y renaciendo la popularidad de QUEEN en USA.

7) Y por los numerosos premios y reconocimientos, siendo los más destacados, el obtenido en 1977 cuando la British Phonographic Industry la eligió como Mejor Single Británico en el período 1952-177, o ser elegido tanto la Canción del Milenio en Chanell Four a fines de 1999, el Top Single de todos los tiempos por el Guinness Book of Records en el 2002, o siempre liderar las numerosas encuestas que se han hecho sobre las mejores canciones favoritas de todos los tiempos.

 

Is this the real life? Is this just fantasy?
Caught in a landslide, No escape from reality
Open your eyes, Look up to the skies and see,
I'm just a poor boy, I need no sympathy
Because I'm easy come, easy go, Little high, little low
Any way the wind blows doesn't really matter to me, to me

Mama, just killed a man, Put a gun against his head
Pulled my trigger, now he's dead
Mama, life had just begun
But now I've gone and thrown it all away
Mama, ooh, Didn't mean to make you cry
If I'm not back again this time tomorrow
carry on, carry on as if nothing really matters

Too late, my time has come
Sends shivers down my spine, body's aching all the time
Goodbye, ev'rybody, I've got to go
Gotta leave you all behind and face the truth
Mama, ooh, I don't want to die
I sometimes wish I'd never been born at all

I see a little silhouetto of a man
Scaramouche, Scaramouche, will you do the Fandango
Thunderbolt and lightning, very, very fright'ning me
(Galileo.) Galileo. (Galileo.) Galileo, Galileo figaro
Magnifico. I'm just a poor boy and nobody loves me
He's just a poor boy from a poor family
Spare him his life from this monstrosity

Easy come, easy go, will you let me go
Bismillah! No, we will not let you go
(Let him go!) Bismillah! We will not let you go
(Let him go!) Bismillah! We will not let you go
(Let me go.) Will not let you go
(Let me go.) Will not let you go. (Let me go.) Ah
No, no, no, no, no, no, no.
(Oh mama mia, mama mia.) Mama mia, let me go
Beelzebub has a devil put aside for me, for me, for me

So you think you can stone me and spit in my eye
So you think you can love me and leave me to die
Oh, baby, can't do this to me, baby
Just gotta get out, just gotta get right outta here

Nothing really matters, Anyone can see
Nothing really matters
Nothing really matters to me

Ahora es importante abordar el tema del título de la canción. Muchos se pueden preguntar el porqué de este título sugerente, imponente y hasta cierto punto, majestuoso. ¿Tiene que ver el título del tema con su contenido? ¿O fue solo un cliché o gancho publicitario para generar más ventas para el disco? Y específicamente, ¿qué es una rapsodia? El término de “bohemia” creo que todos lo tenemos bien claro. Y para poder profundizar un poco más, es bueno saber cuál es la definición de una rapsodia. La rapsodia viene a ser una pieza musical característica del romanticismo y que se halla compuesta por diferentes partes temáticas unidas libremente y sin relación alguna entre ellas y es frecuente que estén divididas en dos secciones, una dramática y lenta y otra más rápida y dinámica, consiguiendo así una composición de efecto brillante. Y lo distintivo es que la unión de todas estas partes en un todo, ofrece como resultado final una pieza unitaria, coherente y única. Como cultura general, es bueno decir que el origen etimológico del término "rapsodia" procede del latín rhapsodia, y éste del griego rhapsoidia -rhaptein: ensamblar + aidein: canción-, y significa literalmente "canción ensamblada". ¿Les parece familiares estas características en la canción? Creo que la respuesta es indudable e inobjetable, y realmente aquí podemos ver y corroborar que una de las mayores contribuciones hechas por QUEEN a la música, y muy particularmente por su compositor Freddie Mercury, es el haber recogido la estructura musical de la rapsodia y trasladarla al género del rock, sin perder su esencia musical y sobre todo, su brillantez. Lo que verdaderamente vemos en esta composición es una rapsodia como pieza musical, con el toque del género del rock, y allí es donde podría entrar a tallar el otro término que forma parte del título, la palabra “bohemia”. Todo esto, en cuanto al título y a la estructura melódica de la canción, la cual, como en más de una oportunidad, los miembros de QUEEN han manifestado, siempre estuvo en la mente de Freddie, desde antes de ser plasmada al papel. Se sabe que Freddie escribió la mayor parte de este tema en su casa en Holland Road, Kensington, en West London, y ya en el estudio de grabación, Freddie dirigía al resto de la banda en el tema y debido a lo elaborado del tema, fue grabado en varias secciones. Y también se sabe que Freddie, Brian y Roger cantaron sus partes vocales en forma continuada por 10 a 12 horas al día y que el proceso de grabación de tema duró tres semanas. Al final, en su momento fue el single más caro en ser elaborado y sigue siendo una de las grabaciones más elaboradas en la historia de la música.

A nivel personal, la primera vez que escuché “Bohemian Rhapsody” fue en 1979. Ya había escuchado partes de este tema, pero por partes. Sabía que tenía una parte operática, que me parecía algo muy fuera de lo común en ese momento, y sabía que había una parte lenta. Y una tarde, escuchando radio, presentaron esta canción y era la primera vez que la iba a escuchar por completo. Recuerdo que semanas antes, mi amigo y hermano del alma, Beto Hernández me había dicho que esa canción era lo máximo. Y cuando terminé de escuchar la canción, sencillamente me quedé impresionado y estupefacto. “¿Qué cuernos es esto?”, me dije. Era una maravilla que rompía esquemas. Y allí comenzó mi idilio con esta canción, que como lo he manifestado en muchas oportunidades, es mi canción favorita de todos los tiempos.

Pero un tema que siempre ha generado diversos tipos de interpretación, ha sido el poder descifrar la letra de la canción y qué inspiró a Freddie escribir esta joya musical. Se ha dicho bastante al respecto, y lo único claro es que Freddie nunca reveló dato alguno sobre ello y lo único que una vez señaló fue que era acerca de relaciones. Incluso los mismos miembros de la banda tampoco han soltado mucho detalle y solo han señalado generalidades. Y creo que allí radica un poco el misterio de esta canción, en que todos y cada uno de nosotros tenemos nuestra propia interpretación del tema y lo que para mí puede ser una historia, para cualquiera de ustedes puede ser otra.

En cuanto a su reproducción en vivo, por la enorme complejidad de la canción, la parte operática no era reproducida en vivo. En la gira del “A NIGHT AT THE OPERA”, fue tocada como parte de un medley, el cual comenzaba con la parte de Freddie en el piano, y luego del solo de guitarra de Brian, lo empalmaban con “Killer Queen” y un extracto de “The March Of The Black Queen” para rematar al final con la parte final de “Bohemian Rhapsody” con Freddie nuevamente en el piano. Para la gira del “A DAY AT THE RACES”, la forma de interpretar este tema cambiaría y así seguiría en forma definitiva hasta la última gira del “Magic Tour” en 1986: arrancaba con la balada inicial con Freddie en el piano, y tras el solo de Brian, las luces se apagaban y la banda abandonaba el escenario, para dar lugar a la parte operática, la cual era reproducida en cinta y tras un explosión de fuegos artificiales, el grupo retornaba a escena para interpretar la parte rockera y la parte de la balada final. En su momento hubieron algunas críticas enfatizando que el grupo no quería arriesgarse tocando la parte operática en vivo y que era una manera de cuidar el negocio. Pero, por otra parte, seamos francos, la parte operática era un producto netamente de estudio y con las técnicas existentes en la década del 70 y comienzos de los 80's, era realmente imposible reproducirla en vivo. Y creo que QUEEN le tenía demasiado respeto a sus fans como para ofrecer una versión en vivo de esta célebre parte, disminuída e incompleta. Y de paso, el público disfrutaba esa parte en su versión original.

Pero en mi opinión, todo esta idea de imposibilidad de reproducirse en vivo dio un giro tremendo cuando el 3 de Junio del 2002, en el Queen’s Golden Jubilee llevado a cabo en los jardines de Buckingham, Brian y Roger –bajo el nombre QUEEN- tocaron este inmortal clásico con el elenco del musical teatral “We Will Rock You” y con Tony Vincent en la voz principal, quien lo interpretó maravillosamente. Pero lo mejor fue la parte operática, la cual fue reproducida totalmente en vivo por el elenco de la obra y fue absolutamente impresionante. Recuerdo que cuando lo ví en directo en canal A & E, cuatro días antes de casarme, me quedé totalmente con la boca abierta con lo que había escuchado.

Y para la gira de la alianza “QUEEN + PAUL RODGERS”, se mostraba un video de Freddie tocando el piano y cantando el primer segmento mientras Brian y Roger lo acompañaban, tocando la guitarra y la batería, respectivamente. En esa parte, Paul Rodgers no participaba. Para esa parte, imágenes del show de Wembley en 1986 fueron usadas para la gira de 2005-2006 y las del show en Montreal en 1981 se utilizaron para la gira del album “THE COSMOS ROCKS”. Para la parte operática, se pasaba en la pantalla gigante, un video en tributo a los ausentes: Freddie Mercury y John Deacon. Cuando la parte rockera comenzaba, las luces volvían y la banda entera interpretaba dicho segmento y allí entraba Paul Rodgers a cantar esa parte rockera. Y para la parte final, Paul cantaba a dúo con la grabación de Mercury, permitiendo que el público los acompañara, mientras en el video se veía a Mercury saludando al público. Luego Rodgers repetía la línea final de la canción, mientras Mercury sonreía a su audiencia. Al respecto, Brian recordaba: “Tuvimos que enfrentar el desafío de colocar a Freddie en su justo lugar pero sin disminuir a Paul de ninguna forma. Esto además nos hacía ser percibidos como vivos y 'presentes', pero igualmente conscientes y orgullosos de nuestro pasado, como debe ser". Y por supuesto, uno de los momentos más emocionantes en toda mi vida fue cuando tuve la enorme dicha y felicidad de vivir esta canción en concierto, en aquel inolvidable noche del 19 de noviembre del 2008 en Santiago de Chile. Fue como abrir sin asco un caño en mis ojos. Se apagaron las luces y apareció Freddie Mercury en la pantalla gigante, comenzando a cantar “Bohemian Rhapsody”, y en el escenario, Roger en la batería y Brian en la guitarra compartiendo conjuntamente con él. Fue el momento mas emotivo de la noche para mí: mi tema favorito de siempre estaba allí con Freddie en pantalla y Brian y Roger en escena. Si cuando lo escuché por celular 20 meses atrás en el concierto en Miami, moqueé duro, imagínense vivirlo allí, en vivo y en directo. Lloré como un niño de la emoción y mi esposa me agarraba del hombro, porque sabía lo que significaba ese momento para mí. La parte operática fue un delirio y en la pantalla, imágenes de Freddie y John y en la parte rockera, Paul Rodgers en acción. Y en la parte final del tema, Paul cantando a dúo con Freddie la parte de “nothing really matters” y Paul nos regaló al público la posibilidad de cantar esa línea final “nothing really matters to me” -Gracias Paul!- y luego cantó esa misma línea rindiendo en su estilo su tributo a Freddie, y cuando se escuchó el “anyway the wind blows” en la voz de Freddie, la imagen de Freddie despidiéndose. ¿Podía uno contenerse y hacerse el duro en ese momento? El fan que no se conmueve en ese momento, es porque estaba hecho de hielo o de piedra, o porque no es fan. Y finalmente, en los tours de la alianza QUEEN + Adam Lambert, el tema es interpretado por Lambert de manera impecable.

Hace 49 años nació una epopeya musical, que hasta el día permanece más vigente que nunca. Y sin duda, fue la obra maestra de QUEEN, pero por encima de todo, ha sido la contribución más grande que QUEEN ha dado al mundo de la música en general, y todo ello, gracias a la genialidad de su compositor, el talentoso, carismático e inolvidable Freddie Mercury. Y como siempre, los invito a dejarme sus comentarios, y por qué no, compartir con los lectores de este post su experiencia sobre cuando escucharon esta canción por primera vez y cuál fue el efecto que tuvo en ustedes.

ROGER HODGSON: IN THE EYE OF THE STORM (1984)

 

El pasado 8 de Octubre se cumplieron 40 años del lanzamiento del álbum “IN THE EYE OF THE STORM” de Roger Hodgson. Cuatro décadas de su primer álbum en su carrera como solista, tras haber tomado la decisión de alejarse de Supertramp en 1983. Habiendo sido una de las voces de la banda y particularmente el compositor e intérprete de los hits más conocidos de la banda  -“School”, “Dreamer”, “Give A Little Bit”, “The Logical Song”, “Breakfast In America” e “It’s Raining Again”-, y también el responsable del sonido melódico en el estilo musical del grupo, era entendible la enorme expectativa generada por conocer cómo sería su debut como solista.

Siempre hay que tener presente el contexto de la época, y en ese momento, casi a mediados de la década del 80, no había la inmediatez en la comunicación que hay ahora, esto es, no había internet, ni e-mails, ni Whatsapp, ni redes sociales. Y las noticias sobre novedades musicales sobre cualquier grupo o artista, a veces demoraban en llegar aquí, y mucho más aún, si ello venía de Europa o Inglaterra. Después del lanzamiento del álbum “… FAMOUS LAST WORDS” de Supertramp, mucho se especulaba sobre el futuro de la banda, porque durante el año 1984 se llegó a saber de la intención de Roger Hodgson de emprender una carrera como solista. Y recuerdo que en la segunda mitad del mes de octubre del 84, estaba escuchando Radio Doble Nueve -que siempre tenía las primicias musicales de las buenas bandas de pop rock de la época-, y en ese momento, presentaron lo nuevo de la semana, y de inmediato comenzó a escucharse “Had A Dream (Sleeping With The Enemy)”. Sinceramente me pareció un muy buen tema y sobre todo, con una sublime y muy hermosa parte melódica en el medio de la canción, muy reminiscente con esa etapa dorada de Supertramp. En Doble Nueve sonó regular, sin ser un enorme hit, pero en el resto de radios locales se escuchó muy poco, o casi nada. Eso fue lo único que llegué a escuchar de Roger Hodgson en su debut solista, ya que nunca tuve oportunidad de escuchar este álbum. Y en abril del 2012 en el concierto de Hodgson en Lima, pude conocer y vivir en concierto dos canciones del mencionado álbum, “In Jeopardy” y “Lovers In The Wind”, que fueron interpretadas por Hodgson al inicio del concierto, y que me parecieron muy buenas, sobre todo, la bellísima balada “Lovers In The Wind”. Y en este año 2024, cuando me dediqué a escuchar profundamente toda la trayectoria musical de Supertramp, también hice lo mismo con los álbumes solistas de Hodgson. Más adelante, daré mis impresiones sobre este buen álbum. 

El álbum fue grabado entre 1983 y 1984 en Unicorn Studios, en Nevada City, California, mezclado en Power Station, en New York y masterizado en Masterdisk, en New York. Algunas de las canciones del álbum fueron inicialmente escritas y grabadas para el previo álbum de Supertramp, “… FAMOUS LAST WORDS”, pero finalmente no fueron incluidas, como por ejemplo, “Hooked On A Problem” y “Only Because Of You”. Fue producido por Roger Hodgson, quien tocó todos los instrumentos, aunque también contó con la colaboración de músicos como Michael Shrieve en la batería, Scott Page en el saxofón, Ken Allardyce en la armónica y coros, Jimmy Johnson en el bajo y Clare Diament en los coros. El álbum tuvo un moderado éxito, llegando al número 46 en USA, según Billboard y sólo al número 70 en UK. Aunque le fue mejor en Canadá, donde llegó al número 15 y logrando Disco de Platino en un mes. Además fue número 6 en Suiza, 14 en Noruega, 19 en Holanda, 20 en Alemania, 23 en Australia y 41 en Suecia. Y a nivel de singles, “Had a Dream (Sleeping with the Enemy)” llegó al número 21 en UK y “Lovers in the Wind” llegó a ser un hit en Argentina y Filipinas. 

El tracklisting fue el siguiente: 

Lado 1   Had A Dream (Sleeping With The Enemy) In Jeopardy Lovers In The Wind Hooked On A Problem

Lado 2             Give Me Love, Give Me Life I’m Not Afraid Only Because Of You

En cuanto al contenido musical del álbum, realmente me pareció bastante bueno. Por un lado, en algunos temas se sentía una influencia del estilo melódico de Supertramp, y por otro lado, también tenía un sonido moderno acorde con la década del 80, con algunos elementos de synth pop, y con los que Hodgson intentaba construir un estilo y una imagen como solista. Y eso puede verse de manera evidente en el video de “Had A Dream (Sleeping With The Enemy”, en donde queda atrás la imagen del cantante sentado en su teclado con una imagen tipo Jesucristo, para dar lugar a una identidad propia y moderna. Y el inicio del álbum, con el primer tema “Had A Dream”, con el sonido de un bebé llorando al nacer podría interpretarse como una forma de cortar el cordón umbilical musical con Supertramp y el comienzo de una ‘nueva vida musical propia’. Lo único que estuve en desacuerdo fue que en el video editaran la parte melódica del medio del tema, que era en mi opinión, lo mejor de la canción. El siguiente tema “Jeopardy” tenía un estilo musical ochentero moderno y eso era entendible porque fue el segundo single del álbum. Luego siguió “Lovers In The Wind” y realmente era escuchar al Hodgson de Supertramp. Una balada demasiado hermosa y con una melodía bellísima que transmite un sentimiento que te llega al alma. De lo mejor del álbum. Y el lado A cierra con “Hooked On A Problem”, que suena un poco al Supertramp del anterior álbum. El lado B arranca con “Give Me Love, Give Me Life”, que tiene un ritmo bastante versátil y buenas instrumentaciones. Sigue “I’m Not Afraid”, que lo veo como el tema más solista de Hodgson y como un avance de lo que sería su siguiente álbum “HAI HAI”, tres años después. Y el cierre del álbum, es el perfecto broche de oro con “Only Because Of You”. Una verdadera maravilla de canción, muy bien interpretada por Hodgson y con una sublime parte instrumental y una más que soberbia parte coral que llega a la médula. Y una vez más lo digo, es un tema que fácilmente podría haber pasado como uno de Supertramp. Si tengo que elegir mis canciones favoritas, elegiría en primer lugar a “Only Because Of You”, y luego “Lovers In The Wind” y “Had A Dream (Sleeping With The Enemy)”, y como un bonus track, “Give Me Love, Give Me Life”.

Con este trabajo musical de hace 40 años, Roger Hodgson dio inicio a su trayectoria solista. Fue el primero de sus tres álbumes en estudio y en lo personal, me gustó bastante. Además marcaría una nueva etapa alrededor de lo que fue Supertramp, porque por un lado tenías a Roger Hodgson como solista y por otro lado, a Supertramp sin Hodgson, que se daría a conocer al año siguiente, en 1985. Y en 1987, Roger volvería con una nueva producción musical.

TRAVELING WILBURYS, VOL. 1: UNA MARAVILLA MUSICAL

Hoy, 18 de Octubre, se cumplen 36 años del lanzamiento de uno de los mejores álbumes de la década del 80: “TRAVELING WILBURYS, VOL. 1”, que significó el debut de un supergrupo generado por el encuentro único de cinco leyendas de la historia de la música: George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne. Cinco músicos con historia y una trayectoria musical exitosa en su haber y que solamente en una fantasía o un sueño, uno podía imaginarse verlos juntos. Pero la gran amistad que los unía y las circunstancias se alinearon para brindarnos un momento irrepetible en la música y crear música de la buena, para goce y disfrute de quienes apreciamos la buena música. Recuerdo que en ese año 1988, estaba fresco el gran éxito que había tenido George Harrison en su regreso triunfal a la música con su fabuloso álbum “CLOUD NINE”, y se sabía que Jeff Lynne le había producido su álbum y se habían hecho bien amigos. Y recuerdo que un sábado de noviembre de 1988, estaba viendo un programa musical y en eso veo un video en donde comienza cantando George Harrison y era un tema que no había escuchado, y me pareció bastante bueno. Luego al rato, se ve la presencia de Tom Petty, Bob Dylan y Jeff Lynne y después, Roy Orbison canta la parte del coro del tema, y en ese momento me quedé totalmente impresionado de ver a tantos monstruos de la música juntos. Era algo increíble, y muchas preguntas me hacía a mí mismo, “¿Qué es esto?”, “¿Es un nuevo grupo?” , “¿Cómo así se han juntado?”, etc, etc, etc. Poco después, tuve conocimiento de esta unión de genios y del álbum que habían lanzado y sobre la marcha, hice todo lo necesario para conseguirme ese álbum, y tuve la suerte que un amigo me prestó un cassette grabado con dicho álbum, y realmente quedé totalmente impresionado y maravillado con esa joya de álbum. De lejos, era lo mejor de ese año 1988 y hasta uno de los mejores cinco álbumes de la década del 80. Y por supuesto, lo grabé de inmediato todo el álbum para escucharlo cuantas veces quisiera.

La pregunta de rigor es cómo así se llegó a esa hermosa realidad. El hecho es que en abril de 1988, George Harrison se encontraba en Los Angeles, California, y necesitaba grabar un tema como lado B de un single de 12” para ser lanzado en Europa. En ese momento, Jeff Lynne también se hallaba en Los Angeles produciendo algunos tracks para Roy Orbison, como para el primer álbum solista de Tom Petty. Mientras cenaba con Jeff y Roy, George les contó cuánto necesitaba grabar un nuevo track y quería hacerlo al día siguiente. Tanto Roy como Jeff se ofrecieron en ayudarlo. Como necesitaban un estudio de inmediato, George sugirió que llamasen a Bob Dylan, quien tenía un estudio en su casa. Luego de la cena, George se detuvo en la casa de Tom Petty para recoger su guitarra para la sesión del día siguiente y también lo invitó. Al día siguiente, en la casa de Malibú de Bob, ellos escribieron y grabaron la canción “Handle With Care” en cinco horas, con los cinco compartiendo las voces. Tras grabarlo, el tema fue considerado tan bueno como para ser destinado a ser un simple lado B, así que George sugirió la idea de formar un grupo y grabar otras nueve canciones más y así poder completar un álbum. El grupo se volvió a juntar por nueve días en Mayo, y grabaron la base de los tracks y las partes vocales en el estudio de Dave Stewart en Los Angeles. La mezcla se hizo en Inglaterra en el estudio que tenía George en su casa en Inglaterra, llamado Friar Park Studio, Henley-on-Thames o FPSHOT. 

Una de las características que le dio bastante originalidad al álbum fue que ninguno de los cinco apareció con su verdadero nombre en el álbum, ni en las notas dentro del álbum, ni en los créditos autorales. Figurando como los hermanos Wilbury, cada uno tuvo un seudónimo y los Wilbury fueron: Nelson (George Harrison), Otis (Jeff Lynne), Lucky (Bob Dylan), Lefty (Roy Orbison) y Charlie T. Jr. (Tom Petty). Una humorada bastante original y graciosa con la que estas cinco leyendas vivas de ese entonces, demostraban que hacían esto por divertirse y pasar un buen rato. Adicionalmente, contó con Jim Keltner en la batería, Jim Horn en el saxo y Ray Cooper en la percusión. El álbum fue producido por Otis y Nelson Wilbury, quienes eran Jeff Lynne y George Harrison en la vida real y todos los temas fueron escritos por los Traveling Wilburys. Como George tenía el mayor interés en la banda, él hizo que el grupo firma con Warner Bros. Records –sello de George-, e incorporó su propio sello Wilbury Records. El tracklisting quedó conformado de la siguiente manera:

Lado 1

"Handle with Care"

"Dirty World"

"Rattled"

"Last Night"

"Not Alone Any More"

Lado 2

"Congratulations"

"Heading for the Light"

"Margarita"

"Tweeter and the Monkey Man"

"End of the Line"

Aunque en los créditos figuraba que los temas habían sido escritos por los Traveling Wilburys, la verdad es que cada tema fue escrito principalmente por un miembro de la banda: George compuso "Handle with Care”, “Heading for the Light”, “End of the Line”; Bob Dylan escribió “Dirty World” –aunque todos contribuyeron en las divertidas líneas usadas para completar la línea “He loves your…”-, “Congratulations” y “Tweeter And The Monkey Man”; Tom Petty compuso “Last Night” y “Margarita”; y finalmente Jeff Lynne escribió “Rattled” y “Not Alone Anymore”. De esta forma, el álbum fue lanzado en USA el 18 de Octubre y el 24 de Octubre en USA y alcanzó un gran éxito en todo el mundo, vendiendo 2 millones de copias en USA y alcanzando Disco Triple Platino. El álbum llegó al N° 3 en USA, según Billboard,  y al N° 16 en UK. Además fue N° 1 en Australia, N° 2 en Nueva Zelanda, Noruega y Suecia, N° 3 en Austria, Canadá, N° 6 Suiza, N° 10 en Alemania, N° 33 en Holanda y N° 46 en Japón.

Era un debut exitoso para este grupo y cuando parecía que este álbum sería el punto de partida para una trayectoria exitosa, la fatalidad se interpuso en el camino de los Traveling Wilburys. El 6 de Diciembre de 1988, a no menos de dos meses del lanzamiento del álbum, el gran Roy Orbison falleció de un ataque al corazón, generando una gran pérdida para la música. Como un tributo a Roy, en el video clip de “End Of Line”, que fue filmado después de su muerte, en la parte del tema en donde se escucha la voz de Roy, se muestra una guitarra ubicada en una silla mecedora junto con una foto de Roy, en un momento emotivo y lleno de nostalgia, recordando al amigo ausente. En 1990, el álbum obtuvo un Grammy como Mejor Performance Rock de Dúo o Grupo y tuvo una nominación para “Album del Año”. 

Luego de la muerte de Orbison, los cuatro miembros restantes grabaron un segundo y último álbum en estudio, intencionalmente llamado “TRAVELING WILBURYS VOL. 3”, lanzado el 30 de Noviembre de 1990, y no tuvo el mismo éxito de su antecesor.  Pero quedó en el recuerdo ese primer gran álbum que hace un cuarto de siglo apareció en el firmamento musical y que fue creado por cinco grandes de la música que se juntaron, sin otras pretensiones que las de pasarla bien y crear buena música. Y por ello, no quise que esta fecha pasara desapercibida en el blog, dedicándole un post a este gran álbum, que 36 años después, sigue formando parte de mis preferencias musicales. Y para culminar este post, los dejo con el documental titulado “The True History of the Traveling Wilburys”, que figuró en el DVD “The Traveling Wilburys Collection”, como testimonio de un momento que quedará grabado por siempre en la historia de la música.  

17 DE OCTUBRE DE 1998: LOS BEE GEES EN ARGENTINA

Un 17 de Octubre de 1998, hace 26 años, los BEE GEES se presentaban por primera vez en un escenario en Sudamérica. Como se sabe, en 1997, el trío ofreció un concierto el 14 de Noviembre en el MGM Grand, en la Vegas, del cual salió un album, video y DVD, con el título "ONE NIGHT ONLY". La razón de dicho título fue porque en ese momento, la idea era que sería el último concierto del grupo, en donde hacía un recorrido por todas sus épocas, debido a que Barry tenía problemas serios de salud, relacionados con la artritis, que le hacía imposible actuar sobre un escenario durante más de dos horas. Pero tal fue la respuesta de la audiencia a dicho concierto, que ello obligó a rediseñar las cosas, y a pesar del dolor, Barry decidió continuar y aprovechar este nuevo interés por los Bee Gees. Pero definitivamente, por esos motivos de salud, no se podía llevar a cabo una larga y extensa gira mundial -que es lo que hubiera sido ideal-, y la única solución posible era limitar al máximo la cantidad de conciertos y hacerlos de manera muy espaciada. Y ello generó la idea del tour denominado "ONE NIGHT ONLY", en el cual los Gibb se presentarían en cada continente, pero a través de un solo show en un país determinado. Definitivamente, para los fans de todo el mundo no era la opción soñada de una gran gira mundial, pero era mejor que nada. De esta forma, un año después, en 1998, la gira arrancó en Europa con dos conciertos: el 29 de Agosto en el RDS Arena, en Dublín, Irlanda, y el 5 de Setiembre en el Wembley Stadium, en Inglaterra. Y el siguiente paso sería Sudamérica.

Recuerdo mucho en esa época, por el cable ya se sabía de esta idea y muchos nos preguntábamos qué país sería el elegido aquí en Sudamérica: Argentina o Brasil. Cualquiera de los dos habría sido una opción más que positiva y en lo personal, me inclinaba más por Brasil. Pero al final de lo que deben haber sido las negociaciones, el país afortunado y privilegiado de recibir a los Bee Gees en su tierra fue Argentina, y el concierto se llevaría a cabo en el conocido Estadio La Bombonera, en Buenos Aires, el 17 de Octubre de 1998. Sabiendo ya esta noticia, estoy seguro que muchos fans de los Bee Gees de diferentes países sudamericanos, como Brasil, Chile o el mismo Uruguay, deben haber cruzado las fronteras para no perderse esta única oportunidad de ver a los Bee Gees por primera vez en tierras sudamericanas. En lo que a mí respecta, en ese momento, por motivos económicos, era imposible pensar en hacerse todo un viaje para ir a verlos. Pero, lo bueno fue que en el canal de cable Telefé de Argentina, le dieron cobertura a este concierto y para beneplácito de los fans, anunciaron que el concierto iba a ser transmitido al día siguiente, el domingo 18, a las 7 pm. Por supuesto, que no iba a perderme esta oportunidad de ver ese concierto completo y no editado.

No pretendo hacer un recorrido detallado y exhaustivo del concierto, pero realmente fue espectacular y emocionante ver a los Gibb tocando en suelo sudamericano. El set list fue prácticamente el mismo del concierto de Las Vegas del año anterior, aunque con la incorporación de su mayor hit en los 80's: "You Win Again". Recuerdo que me fascinó el intro del concierto, en donde con las luces apagadas, se iba mostrando en la pantalla gigante ubicada en la parte de arriba y al centro, imágenes de todos los álbumes del trío y con un fondo musical que iba creciendo en intensidad, y cuando llegan al último album "Still Waters", se prenden las luces y los tres hermanos Gibb estaban ya en el escenario. Fue simplemente fabuloso y el arranque fue con "You Should Be Dancing". para luego empalmar con "Alone". la fiesta ya había comenzado y lo que vino a continuación en el concierto fue una mezcla de nostalgia, emociones y maravillosa música que formó parte de nuestras vidas. El público argentino estuvo enganchadazo, coreando a cada rato los típicos cánticos similares a un partido de fútbol. Y algo que me también me encantó fue la gran sencillez de los tres hermanos y su entrega hacia con el público. Fue memorable la ovación larga que Robin recibió tras cantar "Massachussetts" y sobre todo, "I Started A Joke", ante la cual, hasta con cierta timidez, Robin sonreía y agradecía al público. Fueron dos horas mágicas, que tuve la dicha y felicidad de verlas un día después del show y siempre recordaré mientras viva ese inolvidable concierto.

Después de este concierto, la gira seguiría el 28 de Noviembre en el Heartfelt Arena, en Pretoria, en Sudáfrica, y de allí culminaría el 20 de Marzo en el Western Springs Stadium, en Auckland, Nueva Zelanda, y el 27 de Marzo en el Olympic Park, en Sidney, Australia. Pero en el fan sudamericano, quedó siempre grabado este momento en el cual, pudimos por única vez a los hermanos Gibb en nuestro continente. Lamentablemente, esto ya no volvería a repetirse y la muerte de Maurice en el 2003 y la de Robin en el 2012, terminaron de sepultar cualquier esperanza de un retorno del trío a Sudamérica. Pero mientras tanto, hoy, recordamos los 26 años de un show único e irrepetible de los Bee Gees y para ello, compartimos algunos temas de ese memorable concierto en el presente post. 

 

JUSTIN HAYWARD: UN PROLIFICO COMPOSITOR

Hoy, 14 de Octubre, es un día especial para los que amamos la mágica música de los Moody Blues, porque está cumpliendo 78 años, el gran JUSTIN HAYWARD, vocalista y guitarrista de los Moodys, y además un extraordinario y prolífico compositor.  Y la ocasión es propicia para actualizar el post que le dediqué hace algunos años aquí en el blog, como realmente se lo merece este gran músico, el cual –me atrevo a decir- es uno de los más subvalorados en el mundo del rock. Además, en lo personal, es mi otro músico favorito de siempre, y siempre lo he admirado por su gran calidad como compositor y su gran sencillez y calidad humana como persona. Dentro de la vasta y prolongada trayectoria musical del grupo, Justin ha contribuido con maravillosas composiciones, además de tener también muy buen material como solista. Es más, solamente con un tema tan extraordinario como “Nights In White Satin”, Justin ya tiene ganado un sitial en la historia de la música, por tan hermosa melodía y sobre todo, por tan bella e inspirada letra. Con esa canción, Justin se graduó con todos los honores como compositor, pero lo mejor es que la obra musical de Justin va más allá de ello. Como siempre, este post no pretende ser 100 % biográfico ni estadístico -ya que ello implicaría dividir este post en dos o tres partes-, sino enfocarlo desde mi experiencia personal con alguna información básica e interesante, y más centrado en Justin que en los Moody Blues –los cuales ya tienen su post-, poniendo énfasis en su brillante carrera musical como solista -algo que también me atrevo a decir que es totalmente desconocido por el 95 % de quienes estén leyendo este post-, para que al menos, puedan conocer y descubrir un poco de su música.

A modo de información, Justin nació un 14 de Octubre de 1946, en Swindon, Wiltshire, UK. A la edad de 7 años, tomó algunas clases de piano y a los 9 aprendió a tocar el ukelele, pero al escuchar a Buddy Holly, ello contribuyó con su deseo de tener una guitarra, lo cual logró a los 10 años con la ayuda de sus padres. Cuando estaba en la escuela, Justin tocaba en clubes juveniles y pubs alrededor de Swindon, comenzando a fines de los 50’s con su grupo The Woodpeckers, luego con The Satellites, The Rebels Rock Group y finalmente, The Whispers y All Things Bright. A los 15 años, pudo adquirir una guitarra Gibson y un amplificador Vox, mientras tocaba con grupos locales en clubes y salones de baile, y tocando mayormente canciones de Buddy Holly. En una entrevista señaló: "Desde que escuché a Buddy Holly, me enfoqué en saber lo que quería. El es mi héroe de siempre". Entre sus influencias están Johnnie Ray, Elvis, Bobby Darin y Cliff Richard & The Shadows. En 1965, Justin contestó un aviso en “The Melody Maker” y fue parte del trío “The Wilde Three”, compuesto por Marty Wilde -padre de Kim Wilde- y su esposa Joyce. Fue Marty quien lo empujó a que escribiera sus propias canciones. En 1966, hace 50 años, luego de contestar otro aviso en “Melody Maker” –esta vez puesto por Eric Burdon-, Justin fue contactado por Mike Pinder de The Moody Blues, luego de que Burdon le pasara a Pinder la carta y los demos de Justin. Días después, en Setiembre de 1966, Justin ya reemplazaba al saliente vocalista y guitarrista del grupo, Denny Laine. Poco después entraría John Lodge como bajista y de esta forma, quedaría definitivamente conformado el quinteto y pasaron de ser un grupo que tocaba solamente temas con un sonido R & B, a una banda de rock progresivo e innovador.  Sin duda, la llegada de Justin y John le cambiaron la dirección musical del grupo, y junto con el uso del Mellotron, le dieron un sonido propio y exitoso. Al respecto, Justin dijo: “Mike y el Mellotron hicieron que mis canciones funcionaran”. Luego vendría el clásico “Nights In White Satin” y el álbum “DAYS OF FUTURE PASSED” en 1967, y el resto es historia.

Como mencionara en el post que dediqué a los MOODY BLUES, la razón por la cual me fascina tanto esta banda es porque todos sus miembros cantaban, componían y tocaban, y tenían la misma importancia dentro de la banda. No era el caso de una banda con un rock star y sus amigos o su grupo de apoyo. Y la importancia de Justin era grande, no sólo porque aportó temas muy bellos en cada álbum, sino que además contribuía con el sonido distintivo de la guitarra y también con los coros de apoyo en los temas, como elemento característico del sonido musical de los MOODY BLUES. En la primera etapa de los Moodys con Mike Pinder, Justin contribuyó con piezas claves en cada album, destacando: "Nights In White Satin" y "Tuesday Afternoon” del album “DAYS OF FUTURE PASSED”; “Voices In The Sky” y “The Actor” en “IN SEARCH OF THE LOST CHORD”;  "Lovely To See You”, “Never Comes The Day” y “Are You Sitting Comfortably” en “ON THE TRESHOLD OF A DREAM”; “Gipsy” y "Watching and Waiting” en “TO OUR CHILDREN’S CHILDREN’S CHILDREN”; “Question" en “A QUESTION OF BALANCE”, "The Story In Your Eyes” en “EVERY GOOD BOY DESERVES FAVOUR”; y “New Horizons” en “SEVENTH SOJOURN”.

Cuando la banda decidió tomarse un descanso sabático de seis años, tanto en lo que se refería a giras y sesiones de grabación, Justin se unió con John para crear el hermoso álbum llamado “BLUE JAYS” en 1975, por el cual salieron de gira por Inglaterra. Asimismo, en 1977, lanzó su primer y único álbum solista llamado “SONGWRITER”, sobre el que hablaremos después. Cuando el grupo regresó en 1978 con el álbum ”OCTAVE”, Justin pasó a adquirir mucho más protagonismo dentro de la banda, junto con John, y en dicho álbum contribuyó con los temas “Driftwood”, “Had To Fall In Love” y “The Day We Meet Again”. A partir de los 80’s, compuso el hit “The Voice”, “In My World” y “Meanwhile” en el “LONG DISTANCE VOYAGER”; y “Blue World” y “It's Cold Outside Of Your Heart” en “THE PRESENT”. A partir del album “THE OTHER SIDE OF LIFE” en 1986, Justin y John pasaron a constituir la fuerza conductora del grupo y sus composiciones, tanto invidividuales como conjuntas, predominaban en cada album, y destacó “Your Wildest Dreams” y “The Other Side Of Life” en “THE OTHER SIDE OF LIFE”; y “I Know You’re Out There Somewhere”, “No More Lies” y “Vintage Wine” en “SUR LA MER”. En la década del 90, destacaron sus temas “Say It With Love” del álbum “KEYS OF THE KINGDOM”; y “English Sunset”, "The Swallow" y “Foolish Love” en “STRANGE TIMES”. 

En el plano personal, Justin está casado con Ann Marie Guirron –a quien dedicó el tema “Marie”- desde el 19 de Diciembre de 1969, lo cual significa que van a cumplir 52 años de casados. Tienen una hija llamada Doremi Celeste, nacida en 1972. La pareja vive en el sur de Francia. Justin siempre ha manifestado lo importante que representa su familia para él, la cual es su roca, y es muy unido a su familia. Su comida favorita es el puré de papas mezclado con col, y su carro favorito es el Mercedes. Entre sus hobbies está el hacer ejercicio, cocinar, ver fútbol y montar a caballo. Le encanta estar en Gran Bretaña, Barbados y Francia y su ciudad favorita es Oxford. Su escritor favorito es Nigel Barley y su film favorito es “Dr. Strangelove” de Stanley Kubrick.  Su color favorito es el azul y amarillo. Y su tema favorito con los Moodies es “I Know You’re Out There Somewhere” y a nivel solista, su canción favorita es “Broken Dream”, una belleza de canción. Además, Justin confiesa que lo que más le atrae de las mujeres son sus ojos y sus piernas y que lo que más le atrajo a su esposa de él fueron sus ojos.

 

A nivel solista, Justin ha tenido una carrera musical bastante buena y muy pareja. Después del proyecto de “BLUE JAYS”, en 1977 tuvo su primer álbum solista llamado “SONGWRITER”, el cual es una joya de principio a fin, donde mantiene esa esencia musical con la que brilla en los Moody Blues, en donde destacan bellezas musicales como “Stage Door”, "Songwriter 1 & 2", “Country Girl”, “Raised On Love”, “One Lonely Room” y “Nostradamus”. En 1978 participó en el álbum de Jeff Wayne, “WAR OF THE WORLDS”, y contribuyó con la extraordinaria canción “Forever Autumn”, que fue un gran hit en toda Europa. En los 80’s tuvo los albums “NIGHT FLIGHT” en 1980, “MOVING MOUNTAIN” en 1985, y “CLASSIC BLUE” con Mike Batt en 1989. 

En 1996 cuando lanzó el brillante álbum “THE VIEW FROM THE HILL”, que fue grabado principalmente en Italia y Justin describió este álbum de la siguiente manera: “Hacer música maravillosa, en un lugar hermoso, con tus mejores amigos, es el sueño de todo músico. ¡Nosotros lo logramos! Este álbum es una celebración de hermandad musical y alegría como nunca antes lo había experimentado”. De este álbum, destacan la joya “Broken Dream”, “”It’s Not Too Late”, “I Heard It”, “Troubador”, "Something To Believe", "Shame" y “Children Of Paradise”. En verdad, todo el album es una delicia musical y con la mano en el pecho, recomiendo a ojos cerrados a todos ustedes, escuchar esta maravilla de album, porque es una experiencia relajante al comprobar lo que Justin es capaz de crear musicalmente. En una entrevista en 1995, Justin manifestó: "La diferencia entre los Moody Blues y 'The View From The Hill' es que mientras escribo para los Moodys, estoy escuchando cosas que otras tres personas quisieran expresar, y cuando escribo para mí mismo, es sólo acerca de lo que quiero decir, justo exactamente lo que hay en mi corazón".

En el año 2013, 17 años después de su último álbum en estudio, Justin lanzó el 26 de Febrero su nuevo álbum “SPIRITS OF THE WESTERN SKY”, de muy buen nivel y mostrando como siempre, su enorme calidad como compositor, en donde destacan los temas “In Your Blue Eyes”, “The Western Sky”, “The Easter Sun”, “Lazy Afternoon” y unas muy agradables versiones country de sus temas “Broken Dream”, “It’s Cold Outside Your Heart” y “What You Heart Persists”. Este álbum trajo consigo una corta gira de Justin como solista por la costa este de USA en el mes de Agosto del 2013, y estuvo acompañado del tecladista Alan Hewitt y la corista Julie Ragins, ambos músicos de apoyo en las giras de los Moody Blues. El último show de la gira en Atlanta fue grabado para un futuro lanzamiento en DVD, el cual finalmente fue lanzado el 19 de Agosto del 2014 con el título de "SPIRITS ... LIVE - AT THE BUCKHEAD THEATRE, ATLANTA". en DVD, Blu-ray y CD. En el 2014 también realizó una corta gira por USA en Mayo y Junio, y en el 2015 entre Julio y Setiembre, volvió a hacer una gira por UK y USA. Justin considera que es importante para él seguir con una carrera solista por la razón que con los Moody Blues han estado bastante de giras por USA en los últimos 20 años, radios shows y cosas como esas, pero muy pocos álbumes en estudio. Al respecto, Justin dijo en una entrevista en 1995: "Porque grabamos con poca frecuencia, tengo canciones para tocar. Escribir canciones fue todo lo que hice en mi juventud. Es mi principal actividad y no puedo dejarlo ir. No puedo dejar morir a las canciones". 

En el DVD “AN AUDIENCE WITH JUSTIN HAYWARD” del 2004, Justin señaló que por encima de todo, él se consideraba como un compositor y dijo: “Es como una droga. Soy como un adicto a ella (…). No puedo imaginarme estar sin componer, sin tener esa expresión. No sería una completa persona sin ello. Es la verdad. Es un mundo de imaginación que me libera”. Y en 1967, Justin dijo que encontraba que sus canciones formaban una especie de biografía o diario de su vida, ya que ellas eran acerca de gente que él había conocido o gente que solo había conocido en su imaginación, lugares que él solo había visto por un momento y lugares que el había vivido en toda su vida. Su esperanza era que a través de su música, él hubiera ayudado a hacer del mundo un lugar mejor. Y sobre su forma de componer, en otra entrevista, Justin declaró: "Hay uno, dos o tres métodos. Uno es tanteando con un instrumento. No soy exigente ni quisquilloso, utilizo con frecuencia mi guitarra o a veces un piano y lo recorro para llegar a un buen sonido. Si uso la guitarra, es solo la guitarra. Si toco el sintetizador o teclados, pondré un sonido de batería de sintetizador para el ritmo y simplemente lo tocaré. Yo toco todo el día por diversión. Así que tocaré y de repente, una emoción es evocada y aparece luego dentro de un fragmento de una canción, donde puedo ver cosas como en una pantalla, e imágenes vienen dentro de esa pantalla, colores, gente en la canción, imágenes. Otra forma es, si tengo una frase, o sólo escribo algunas frases que la gente dice. A veces ¡, solo un fragmento de una canción me inspira para escribir una canción alrededor de ello". Cuando en en el 2013, le preguntaron como se describía en una frase, Justin contestó: "Un guitarrista que canta un poco y que escribe canciones".

Por otro lado, Justin también ha recibido diversos premios y reconocimientos por su labor como compositor. En 1974 recibió un premio de la American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP), en 1985 junto con los Moody recibieron un Ivor Novello por su importante contribución a la música. En 1988 recibió otro Ivor Novelo como Compositor del Año por “I Know You're Out There Somewhere”. En el 2000 recibió un “Golden Note Award” de la ASCAP por los logros de toda una vida y por ese mismo motivo, recibió en el 2004 un “Gold Badge” de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors (BASCA). Y en Mayo del 2013, nuevamente fue galardonado con otro Ivor Novello por “Outstandng Achievement” por sus prominentes logros de toda una vida. Y quien le entregó este premio en la ceremonia fue Marty Wilde, su amigo y héroe, quien le dio su primer trabajo en su grupo. Un merecido reconocimiento a un grande como Justin Hayward. Finalmente, en el año 2016, se cumplió medio siglo de su llegada a los MOODY BLUES, y en Setiembre realizó una gira solista por UK y lanzó el DVD "LIVE IN CONCERT AT THE CAPITOL THEATRE", de su show en Clearwater, Florida, en Octubre del 2014. Y el 14.10.2016, lanzó el recopilatorio "ALL THE WAY", de su carrera solista, e incluyó un tema nuevo, titulado "The Wind Of Heaven", que coescribió con David Minasian, para el film del mismo nombre. Y como ya es costumbre, el tema es una verdadera belleza musical. Finalmemnte, a inicios de este 2022, Justin grabó una nueva canción, en colaboración con Alberto Parodi en Italia, titulada "Living For Love". Sobre la inspiración para este tema, Justin señaló: "Soy de una generación que como adolescentes si éramos afortunados, vivíamos solo por amor; con la música más maravillosa, libertad y optimismo. Realmente no lo entendíamos en el momento, pero tengo que celebrar aquellos días ahora, mientras estamos aquí y recordamos". Y el lanzamiento de este single precedió a una corta gira de Justin por UK desde el 11 hasta el 23 de Setiembre.

Hoy, con 78 años, JUSTIN HAYWARD continúa en actividad de manera solista, realizando giras de manera inacabable por UK y Europa. Con su álbum solista que lanzó a inicios del 2013, Justin ha demostrado que sus cualidades como compositor permanecen intactas y tiene todavía mucho más por seguir dando en la música. Gran cantante y guitarrista, es uno de los músicos más subvalorados en el mundo de la música y además, ha demostrado ser una persona sencilla, centrada, de hablar calmado y pausado, siempre amable con sus fans, y que toda su carrera ha tenido los pies bien puestos en la tierra y nunca ha estado expuesto a escándalos –igual que todos los Moodies- ni estar envuelto en chismes para impulsar su carrera –algo tan común el día de hoy. Es un hombre de familia que va a cumplir 54 años de casado, siempre ha manifestado profesar un gran amor por su esposa Marie, y con la pinta que tiene, por la cual debe haber sido objeto de deseo por las fans femeninas, quizás otros –como Mick Jagger o Rod Stewart- ya se hubiera levantado a medio USA. Desde este modesto blog, he querido recordarlo en este día y por qué no, generar que muchos de los que lean este post, conozcan un poquito más sobre este gran músico. Y le deseamos todo tipo de felicidades en su día al lado de su familia y los Moodies, que Dios le dé muchísimos años más de vida y que nos siga regalando su enorme talento para componer y también, más canciones maravillosas que tocan la fibra de muchos. 

¡¡FELICES 78 AÑOS, JUSTIN HAYWARD!!