Artículos y crónicas sobre QUEEN y su música, segmentos musicales y notas personales sobre diversos temas, constituyen la trilogía de este blog.
¡BIENVENIDOS! Disfruten la visita y todo comentario será siempre bienvenido y contestado.
Ayer, 10 de Noviembre, se cumplieron 57 años del lanzamiento del gran álbum "DAYS OF FUTURE PASSED". Y la ocasión es más que propicia para actualizar el post que publiqué sobre este álbum en el 2009, y publicarlo con fecha de hoy. Definitivamente, un momento decisivo que marcó mis preferencias musicales por este legendario grupo fue en 1991, cuando un día que me reuní con mi gran y recordado amigo Raúl Alvarez en su casa, pude escuchar en cassette el álbum “DAYS OF FUTURE PASSED” en su equipo. Realmente quedé impresionado con el toque sinfónico de su música y me pareció sencillamente espectacular y toda una maravilla musical, y me fascinó su carácter conceptual de musicalizar un día completo, desde el amanecer hasta la noche. Y además, contenía la canción que fue la obra maestra de esta banda: “Nights In White Satin”. Y con el tiempo, se convirtió en mi álbum favorito de siempre. Años después, perdí contacto con Raúl y siempre tuve el deseo de tener este album en CD. Hasta que en 1999, cuando fui a visitar a mi gran amiga Clarita Romero a su tienda de discos, compré la recopilación “LEGEND OF A BAND” y habiendo estado buscando desde hace años el CD de “DAYS OF FUTURE PASSED” -el cual no encontraba acá-, se lo encargué. Semanas después, Clarita me llamó para avisarme que lo había conseguido y al fin tenía en CD mi álbum favorito de toda la vida. Y al escucharlo, me sentí como en el cielo. Y a partir de allí me interesé seriamente en querer escuchar toda su discografía y descubrí un maravilloso tesoro musical. El álbum “DAYS OF FUTURE PASSED” fue lanzado el 10.11.1967 y fue el primero de una sucesión de álbumes conceptuales del grupo. Además fue el primero en mostrar a Justin Hayward y John Lodge como miembros de la banda, y quienes tendrían un rol protagónico en la dirección del sonido musical de la banda en las décadas siguientes. Al utilizar a The London Festival Orchestra principalmente para los interludios instrumentales, el álbum marcó un cambio en el estilo del grupo, de sus raíces R&B a un territorio no ingresado en el rock, convirtiéndose así en los pioneros del rock clásico y progresivo. Originalmente, el sello Deram había querido que el grupo grabara una versión rock de New World Symphony de Dvořák, con el fin de demostrar sus más recientes técnicas de grabación. Pero, en vez de ello, la banda –inicialmente sin el conocimiento del sello discográfico- decidieron enfocarse en un álbum basado en un show original en los que ellos habían estado trabajando. El concepto tanto para el show en escena como para el álbum era muy simple, centrarse en un día para cualquier persona, desde el amanecer hasta la noche, desde que uno se levanta hasta que uno se duerme. El proyecto casi fracasó porque los ejecutivos de Deram Records creyeron que al combinar el rock y la música sinfónica, alienaría a los fans del rock y enfurecería a los fans sinfónicos. El éxito del álbum cimentó el camino para propuestas progresivas de otras bandas. En el disco original, las partes orquestadas eran acreditadas a "Redwave/Knight". "Knight" era el conductor Peter Knight, mientras que “Redwave" fue un nombre imaginario que representaba a los mismos Moody Blues -Knight elaboró las partes orquestadas alrededor de los temas escritos por Hayward, Thomas, Pinder y Lodge. También en el disco, se omitió darle el título y los créditos para los poemas de Graeme Edge, "Morning Glory" y "Late Lament". En 1978 el álbum fue remezclado debido al deterioro de las cintas master. El original stereo mix de 1967, el cual es considerado generalmente superior por los fans, nunca ha sido lanzado en CD y todas las versiones en CD, incluso remasterizadas, han utilizado la mezcla posterior.
El track listing estuvo conformado de la siguiente manera:
Lado Uno "The Day Begins: "Morning Glory (Peter Knight & The Moody Blues) (Graeme Edge)– 5:51
Dawn: "Dawn is a Feeling" (Mike Pinder) – 3:49
The Morning: "Another Morning" (Ray Thomas) – 3:56
Lunch Break: "Peak Hour" (John Lodge) – 5:29
Lado Dos
The Afternoon: "Forever Afternoon (Tuesday?)" (Justin Hayward) - 8:23
"(Evening) Time to Get Away" (John Lodge) (3:17)
Evening: "The Sunset" (Pinder) / "Twilight Time" (Thomas) – 6:40
The Night: "Nights in White Satin" (Hayward) / "Late Lament" (Graeme Edge) - 7:39
Ahora a continuación, haré un análisis de este álbum, tema por tema, para ir recorriendo musicalmente un día normal en la vida de uno. El álbum comienza con “The Day Begins” y más que representar un momento del día, viene a ser como una especie de obertura del álbum y muestra extractos instrumentales de los temas "Dawn is a Feeling", "Another Morning", "Forever Afternoon" (better known as "Tuesday Afternoon"), y "Nights in White Satin." Luego de cuatro minutos, muestra un poema que es conocido como "Morning Glory." Escrito por Graeme Edge, comienza el día en la vida de una persona en el album y fue recitado por Mike Pinder con la frase: “Cold hearted orb that rules the night, removes the colours from our sight. Red is grey, and yellow, white, but we decide which is right, and which is an illusion”. Comenzando con esta línea. “Morning Glory" describe la mañana antes de la salida del sol. Luego, el poema continúa describiendo la temprana mañana y la línea final describe la puesta del sol, comenzando el día: “Brave Helios, wake up your steeds. Bring the warmth the countryside needs”. Acto seguido, viene el tema “Dawn is a Feeling”, escrito por Mike Pinder, y cantado por Justin Hayward. Esto difirió del tradicional método de la banda de que el compositor de un tema fuera quien lo cantara. Pinder quiso que Hayward la cantara porque le gustó el sonido de la voz de Justin y sintió que encajaba perfectamente con la canción, y Pinder también cantó en una parte del tema. Esta canción refleja musicalmente el amanecer, cuando uno abre los ojos y le cuesta un poco levantarse de la cama. Y continuando con la mañana, viene “Another Morning”, escrita por el flautista Ray Thomas. La canción -originalmente titulada "In A Child's World"- describe a un grupo de niños jugando fuera de su casa -como por ejemplo, volando cometas, pescando, construyendo un castillo con cajas de madera con naranjas- en una placentera y soleada mañana, mientras el coro y la parte instrumental del tema sugieren una melancólica nostalgia del narrador, presuntamente adulto: “Time seems to stand quite still/In a child's world, it always will...Yesterday's dreams are tomorrow's sighs/Watch children play, they seem so wise." Cuando escuché la tonadita de esta bella canción, sinceramente aluciné una familia tomando su desayuno, con su caja de cereales y tomando su leche, todos alrededor de una mesa. Impecable canción. Y a continuación, para cerrar la mañana, viene “Peak Hour”, escrita por John Lodge. Pero al inicio del tema viene una muy buena parte orquestada que dura los primeros dos minutos y que fue compuesta por Peter Knight. Nuevamente es alucinante cómo la música te transporta de manera visual por su recorrido. En lo personal, ese preludio instrumental, me hace imaginar el movimiento en la mañana en una oficina, como en las películas de la década del 50 y 60, cuando en aquellos edificios grandes, uno veía desplazarse a la gente de manera rápida para llegar a su lugar de trabajo. Y luego de ello, viene la canción propiamente dicha, y es uno de los temas más rítmicos en el álbum dentro del estilo rock and roll de John Lodge. Así termina la mañana y luego llegamos a la tarde de un día cualquiera.
Y qué mejor manera de iniciar la tarde que con el clásico “Tuesday Afternoon”, escrita por Justin Hayward. Originalmente se llamó así, pero por insistencia del productor Tony Clarke, fue titulado "Forever Afternoon (Tuesday?)" para su inclusión dentro del álbum. Sin embargo, cuando fue lanzada como single, un año después, su nombre fue cambiado nuevamente a "Tuesday Afternoon", y así ha sido conocida por las fans. De acuerdo a una entrevista a Justin Hayward, él escribió el tema mientras estaba sentado en el medio del campo cerca de su casa en Inglaterra en una hermosa tarde de primavera. El tuvo su guitarra acústica en la mano y la canción simplemente afloró en su inspiración y llegó a él. La parte melódica del tema viene del melotróm que fue tocado por Mike Pinder y la flauta al final del tema fue tocado por Ray Thomas. Realmente una tarde placentera para disfrutarla. Al final del tema, the London Festival Orchestra ejecuta la parte final orquestada de la canción. Y para cerrar la tarde, viene “(Evening) Time to Get Away”, escrita y cantada por John Lodge y su letra trata sobre el final de un día de trabajo y el retorno a casa. Una vez más, uno alucina imaginándose un tipo en su auto regresando a casa mientras la tarde comienza a caer. Luego de ello, continuamos con el atardecer, y arranca con “The Sunset”, escrita y cantada por Mike Pinder, una canción que describe la escena de cómo el cielo se va poniendo mientras cae el sol. Al final viene una transición orquestada -que incluye un breve extracto instrumental de "Forever Afternoon"- que se escucha para empalmar con el siguiente tema, "Twilight Time", escrita por el flautista Ray Thomas. Esta hermosa canción describe la escena en el cielo luego que el sol finalmente cayó, originando un hermoso crepúsculo, y además contiene un sonido dentro de un rock psicodélico. Nuevamente, vuelvo a alucinar imaginándome una escena en la playa viendo como cae el sunset y cómo comienza a anochecer. Estos dos fabulosos temas vienen a ser el preludio del momento cumbre del día, y del álbum: la noche. Y qué mejor forma de cerrar el día que con el extraordinario tema “Nights in White Satin”. El tema fue escrito por Justin Hayward, quien escribió la canción a la edad de 19 años en Swindon, y le puso ese título luego que un amigo le regalara unas sábanas de seda. The London Festival Orchestra proporcionó el acompañamiento orquestal en la introducción, en el final de la canción y en el momento final del álbum. Los sonidos “orquestales" en la parte principal del tema fueron producidos por el mellotron de Mike Pinder, el cual llegaría a definir el sonido de los Moody Blues en esa primera etapa musical de la banda. Y verdaderamente, era el perfecto corolario musical para este álbum. Uno vuelve a imaginarse a una persona relajada en la noche, tras darse un duchazo y rodeado de sábanas y cortinas de seda blanca. Y para cerrar el álbum, vino “Late Lament”, escrito por Graeme Edge y leído por Mike Pinder, cerrando en sus últimas cinco líneas, de la misma manera como se inició el album y con el gong final, como para imaginar a alguien que está a punto de quedarse dormido en su cama. En resumen, UNA OBRA MAESTRA.
Por otro lado, es importante señalar que en el año 2017, en el que éste álbum cumplió 50 años de su lanzamiento, se llevó a cabo una gira denominada "Days Of Future Passed 50th Anniversary Tour", en donde en la primera parte, la banda tocaba sus grandes éxitos, y en la segunda parte, por primera vez en su trayectoria, fue reproducido en vivo TODO este maravilloso álbum, de principio a fin. Incluso el speech que sale al inicio del álbum -que es recitado por Mike Pinder-, es recitado por Jeremy Irons en pantalla gigante. La gira se realizó por USA y duró desde el 3 de Junio hasta el 23 de Julio del 2017 y volvió a repetirse en el 2018 por USA, desde el 10 al 31 de Enero. Sin duda, debió ser una experiencia extraordinaria el vivir esta gran álbum en vivo. Incluso, cuando se supo la noticia de este tour, se especuló si contaría con la presencia de dos de los miembros de la banda, ya retirados, como Mike Pinder y Ray Thomas. Para los que amamos la música de esta gran banda, eso habría sido algo espectacular y emocionante. Pero la ilusión duró poco porque por un lado, se sabe que a Ray Thomas le era imposible por motivos de salud, y además, que no podía estar parado en un escenario por un período largo y tampoco hacer viajes largos por avión, y después, lamentablemente, nos dejó para siempre el 4 de Enero del 2018. Y en cuanto a Mike Pinder, él está en otra etapa de su vida. Por ese motivo, tanto Justin como John se alternaron los temas que Ray y Mike cantaban en el álbum.
Finalmente, la gente que me conoce sabe que QUEEN es una de mis tres bandas favoritas de toda la vida y que varios de sus álbumes como “A NIGHT AT THE OPERA”, “QUEEN II”, “A DAY AT THE RACES” o “INNUENDO” los tengo en mi Top 10 de mis preferencias, en un nivel elevado. Pero no obstante ello, mi álbum favorito de toda la vida no es un álbum de QUEEN, sino esta joya musical llamada “DAYS OF FUTURE PASSED” que rompió esquemas, aportando un nivel conceptual nunca antes visto en un álbum. Y cuando hablo de nivel conceptual, me refiero a que todos sus temas guarden coherencia dentro de una idea general en el álbum, que en este caso, era un día en la vida de una persona. Si bien es cierto, el álbum “SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND” rompió esquemas y revolucionó la música al cambiar esa costumbre de que un álbum debía contener 10 temas de 3 minutos cada uno, innovando e incluyendo temas de una mayor duración, pero no había una idea conceptual marcada alrededor de este fabuloso álbum, y algunos temas eran distintos unos de otros. Algo que sí sucedió con “DAYS OF FUTURE PASSED” y hoy 57 años después de su lanzamiento, este álbum es parte de la historia de la música y marcó la pauta para posteriores trabajos e incursiones dentro del rock progresivo. Es por ello que siempre será mi álbum favorito de todos los tiempos, porque ni bien comienzas a escucharlo, te transporta mentalmente a un maravilloso día musical.
Según la enciclopedia Wikipedia, un video musical -también llamado video clip- es un film corto hecho para mostrar una representación visual de un tema musical popular. Actualmente, siempre relacionamos inevitablemente un tema musical con un video clip. En efecto, el video clip se ha convertido en el medio que toda canción necesita para poder ser identificado visualmente por el público y así generar un alto nivel de ventas. En algunos casos, el video contiene una pequeña historia, de principio a fin, acorde con la letra del tema; en otros casos, sólo muestra al artista cantando su tema sobre un escenario. Muchos cantantes y bandas musicales han logrado que sus temas alcancen un gran éxito debido principalmente al video clip utilizado, con un gran despliegue de recursos, efectos y técnicas de muy alto nivel e invirtiendo altas sumas de dinero para así lograr un gran impacto en el público. Pero todo esto que se ve ahora, no ocurría en los primeros años del Rock and Roll, en donde todo era muy diferente.
En la década de los 50 con el auge de la televisión a nivel masivo, el género musical era el preferido por la juventud, lo cual generó que varias productoras crearan espacios musicales para que se presenten cantantes que llevaran rating y popularidad a estos programas. Uno de los más famosos shows de TV en USA fue “El Show de Ed Sullivan” y en Gran Bretaña destacaban “Top Of The Pops” y “Ready, Steady, Go”. Allí los artistas interpretaban sus canciones en vivo frente a la cámara, y fue así como en aquella época pudieron verse en TV a Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, The Beach Boys o The Supremes. Además en 1964, The Beatles protagonizaron su primera película “A Hard Day´s Night”, que trataba sobre un día en la vida de los integrantes de la banda y que constituyó el primer gran antecedente del videoclip.
Como puede verse, sólo cuando el artista o grupo se presentaba como invitado a un programa conocido de TV e interpretaba allí dicha canción, un tema llegaba a ser visto y conocido por el público, logrando así un buen nivel de ventas. Hasta la primera mitad de los 70’s, la aplicación de la técnica del videotape a un tema musical era simplemente un conjunto de registros de una banda o artista, principalmente sobre un escenario o dentro de un estudio de TV, con algunas tomas en primeros planos, montada con la única pretensión de mostrar al artista y su canción. Toda esta modalidad se mantuvo invariable hasta noviembre de 1975, cuando apareció una canción que marcó época por muchas razones, siendo una de ellas, por haber utilizado por primera vez en la historia de la música pop, un video promocional. Su nombre: “Bohemian Rhapsody” del grupo británico QUEEN, y composición de Freddie Mercury.
ANTECEDENTES “Bohemian Rhapsody” era una canción fuera de lo común, tanto por su estructura, dividida en secciones bien separadas, como por su duración de 5’ 55” y tras sortear diversos escollos, finalmente salió a la venta en el Reino Unido el 31 de Octubre de 1975, y debutó en los charts británicos un sábado 8 de Noviembre en el puesto Nº 47. QUEEN se alistaba a iniciar a mediados de noviembre una larga gira por Gran Bretaña para promocionar su nuevo album titulado “A NIGHT AT THE OPERA”. Esta próxima gira impedía que el grupo se pudiese presentar personalmente en el famoso programa “Top Of The Pops”, y además, Brian May no estaba conforme con la idea de actuar en dicho programa. “Nos dimos cuenta que luciríamos mal tratando de hacer mímica en TV con algo tan tremendamente complejo. No fuimos a 'Top Of The Pops' porque no nos sentíamos cómodos haciendo mímica”, señaló May. Ante este panorama, el grupo quería asegurarse que la canción se viera en dicho programa y por ello, decidieron hablar con Bruce Gowers, promotor de films –quien antes había dirigido en 1974 el concierto de QUEEN en film llamado “Live At The Rainbow”- acerca de hacer un pequeño film promocional para acompañar la canción. Al respecto, Bruce Gowers recordaba: “Recibí una llamada de la banda, en especial de Freddie, para hacer un video. Yo había filmado un par de conciertos de QUEEN y luego me pidieron hacer el video con ellos. Los pop promos, como eran conocidos en ese entonces, estaban empezando a aparecer”. Esta era una nueva idea, pero el grupo estaba seguro que la podían trabajar.
GRABACION
Lunes 10 de noviembre de 1975. Los miembros de QUEEN fueron a los estudios Elstree para ensayar para el tour y allí aprovecharon la oportunidad para hacer la filmación también. “Filmamos el video en el estudio de ensayos de QUEEN donde se encontraban practicando para su próximo tour”, recordaba Gowers, quien dirigió el video y recibió menos de $ 10,000 –casi 4,500 libras esterlinas- para filmarlo. “Llegué a los estudios a las 7 pm y empezamos a filmar a las 7:30 pm. Iluminamos las cuatro caras y las cámaras empezaron a rodar. Filmamos los efectos visuales para la sección operática en un lado del escenario de ensayo y luego filmamos la sección de rock’n roll en el otro lado. La idea en mi cabeza fue usar el medio visual para reflejar la música, lo cual no se había hecho antes. Así que para los ecos armónicos en la música usamos “ecos visuales” –muy simple realmente!”. Participaron en la filmación del video de “Bohemian Rhapsody”, John McCutcheon, como director asistente y Barry Dodd, como camarógrafo. La secuencia inicial consistió en darle vida a la carátula del album "Queen II” –editado en 1974-, el cual mostraba las cuatro caras de los miembros de la banda alumbrados con luz blanca contra un fondo negro. Ya desde el inicio del video, destacaba la importancia de la iluminación. Cuatro focos, conectados en cada uno de los rostros, potenciaban la calidad de la imagen: dos pares de cabezas, situadas de forma estratégica, comenzaban a cantar –casi a capella- en una sincronía que se unía con la siguiente secuencia del clip. Sobre la parte operática, Gowers agregaba: “En cuanto a la forma como hicimos el efecto del eco cuando Freddie canta “Magnifico”, tuvimos una segunda cámara mirando al monitor y obtuvimos “feedback”, como audio feedback, pero esta vez como “video feedback”. Por su parte, Barry Dodd recordaba: “En esa época los efectos técnicos no eran tan buenos como ahora y muchos de los efectos tuvimos que crearlo nosotros y usamos un lente multifacial y lo pusimos al frente de la cámara para alcanzar las múltiple imágenes que vemos en el video”. A través de primeros planos, el director oscilaba entre dos atmósferas: por un lado, la ya descrita estampa de los cuatro rostros y por otro lado, el escenario, con luces de colores al fondo y con los miembros del grupo en plena ejecución musical del tema. “Mirando hacia atrás, el video fue filmado en poco tiempo – empezamos filmando alrededor de las 7 u 8 de la noche y recuerdo haber estado tomando una copa en un pub a eso de las 10,30 pm! Terminamos como a las 10:30 pm, con la parte coral y la parte de rock’n roll, pero había un apuro en que fuera completado porque la idea era que fuese mostrado en Top Of The Pops, así que la editamos en 4 o 5 horas. La banda estuvo envuelta en las discusiones sobre el video y el resultado final fue una colaboración entre todos”, señalaba Gowers.
Por su parte, Brian May señalaba: “Recuerdo la primera vez que Bruce nos mostró el video y nos reimos tremendamente pensando que era muy divertido, pero en verdad, el video parecía darle vida a la canción. Lo amamos desde la primera vez que lo vimos terminado”. Asimismo, Roger Taylor indicó: “Vendimos la idea de que QUEEN era en esencia una banda en vivo. La idea fue filmarlo como si fuese en vivo”. Con esta grabación había nacido el video clip.
ESTRENO A dos semanas de su lanzamiento, el disco “Bohemian Rhapsody” ya había vendido 150,000 copias y ello constituía un buen augurio para la gira que QUEEN emprendería por Gran Bretaña, la cual empezó exitosamente el viernes 14 de Noviembre en el Liverpool Empire, y con llenos totales en sus siguientes presentaciones. Fue así como el día jueves 20 de Noviembre de 1975 el programa “Top Of The Pops” estrenó el film promocional de “Bohemian Rhapsody”, y cuyo video empezaba con unas llamas de fuego y con algunas tomas distintas al video clip oficial. Tener un video promocional en vez de aparecer en persona fue una idea muy novedosa y un punto decisivo en la historia de la música pop en la TV. Si entendemos video clip como imágenes sobre música para promocionar un disco, “Bohemian Rhapsody” fue el que abrió el campo, y el éxito de este original modo de promoción alentó a grupos y casas discográficas a copiar la idea. “La gente solía tener clips antes", dijo John Deacon, "pero todos eran filmados en film. 'Bohemian Rhapsody' fue filmado en video en casi cuatro horas". Brian May agregó: "Todos pensaron que el film fue una gran producción. Pero fue realmente fácil de realizar”. Tras mostrarse en 'Top Of The Pops', el sábado 22 de Noviembre de 1975, “Bohemian Rhapsody” trepaba al puesto Nº 9 en los charts británicos y algo más grande estaría aún por venir.
EXITO La acogida del público fue apabullante, y como resultado de ello, el sábado 29 de Noviembre de 1975, el tema llegó al 1º lugar en la Lista de Singles en el Reino Unido, permaneciendo 9 semanas consecutivas en esa privilegiada posición y llegando a ser Disco de Platino por haber vendido 1’300,000 de copias solamente en Gran Bretaña. Bruce Gowers rememoraba: “Todos decían que la canción no obtendría ninguna difusión radial porque era tan larga. Una vez que el single estuvo en los charts, QUEEN se rehusó a ir a Top Of The Pops, así que tuvieron que difundir el video –tan pronto como ellos pasaron el video, Bohemian Rhapsody fue directamente al Nº 1, lo cual le dio al video mucho mas exposición. No teníamos idea que el video empezaría una nueva marca. Y después que el video fue mostrado, mi teléfono nunca paró de sonar, ¡cambió mi vida completamente!”. Entre los videos posteriormente dirigidos por Bruce Gowers están: “You’re My Best Friend”, “Somebody To Love” & “Tie Your Mother Down” (QUEEN), “Jack & Diane” (John Cougar), “Stayin’ Alive” (Bee Gees), “Da Ya Think I’m Sexy?” (Rod Stewart) y “Rock With You” (Michael Jackson).
Con este video, se dio inicio al boom en el negocio de los films promocionales. Si antes el video iba en apoyo de la canción, ahora con sus juegos de imágenes, se convertía en un equivalente de la canción, que una vez transmitida por la pantalla, hace imposible evitar relacionar la canción con las imágenes del clip. En adelante, las bandas debían tener un buen video que acompañe sus canciones. Se iniciaba así la era del videoclip. Años mas tarde, el 1º de agosto de 1981 a las 12:01 a.m., MTV salió oficialmente al aire en Estados Unidos, y el auge del video se extendería hasta nuestros días, tal como hoy se le conoce, con la gran importancia que tiene en el mundo de la música.
HECHOS POSTERIORES
El 30 de Marzo de 1987, el video de “Bohemian Rhapsody” fue lanzado en Gran Bretaña en el formato VHS como Video Single, conjuntamente con el video del tema “Crazy Little Thing Called Love” (1979), bajo el sello VHS Gold Rushes. El 24 de Noviembre de 1991, Freddie Mercury, compositor de “Bohemian Rhapsody”, falleció víctima del SIDA, 24 horas después de anunciar mediante un comunicado que padecía de dicho mal. Dos semanas después, el 9 de diciembre, “Bohemian Rhapsody” fue relanzada en el Reino Unido, como doble single junto con el tema “These Are The Days Of Our Lives”, con la finalidad de generar fondos para la lucha contra el SIDA y el 21 de diciembre de 1991, el tema entró de frente al Nº 1 en los charts británicos, regresando a ese lugar privilegiado luego de 16 años y permaneciendo cinco semanas consecutivas en dicha posición. Demás está decir que a raiz de ello, el video clip original de “Bohemian Rhapsody” volvió a difundirse con más fuerza en la TV británica y en todo el mundo.
En 1992 en USA, a raíz de la inclusión del tema “Bohemian Rhapsody” en el film “Wayne’s World” en sus 10 primeros minutos, se editó como doble single junto con “The Show Must Go On”. Debido al éxito del film y a la hilarante escena donde se escucha la canción, el tema llegó al Nº 2 en USA, según Billboard y se editó el video original, agregándose escenas de la película y el 9 de setiembre de 1992, en los MTV Music Video Awards, “Bohemian Rhapsody” recibió un premio como Mejor Video Proveniente de un film. Asimismo, el video clip de “Bohemian Rhapsody” fue incluido en los videos “GREATEST FLIX”, “GREATEST HITS” y “CLASSIC QUEEN” –Versión 1992- y en el DVD “GREATEST VIDEO HITS”. En dicho DVD, en el segundo disco hay una sección llamada “Inside The Rhapsody”, que incluye un segmento titulado “Making The Video” y en donde figura en forma oculta un video alternativo de “Bohemian Rhapsody”, que es el video estrenado en noviembre de 1975 en “Top Of The Pops”, y también figura en el DVD “THE MAKING OF A NIGHT AT THE OPERA”. En el 2004, el canal VH1 de Inglaterra elaboró una lista con los 100 más grandes Videos Pop, y “Bohemian Rhapsody” ocupó la 4º posición, solo superada por A-Ha (Take On Me) Nº 3, Peter Gabriel (Sledgehammer) Nº 2 y Michael Jackson (Thriller) Nº 1. Y el 4 Diciembre del 2004 fue transmitido en UK por el canal BBC3, el documental “The Story Of Bohemian Rhapsody”, en donde se mostraba la historia completa y detallada de esta inmortal canción. Finalmente, en octubre 2007, fue elegido como el Mejor Video Musical en UK en un survey entre alrededor de 1,051 adultos encuestados por O2. Un 30% la eligió como su favorita, superando a “Thriller” de Michael Jackson, que quedó segundo, Justin Timberlake con “Cry Me A River”, que fue tercero. La encuesta fue llevada a cabo por O2 para marcar su auspicio para la categoría de Mejor Video en el Q Music Awards, que se llevó a cabo en Londres.
Hoy en la actualidad, existe toda una industria del video, el cual continúa en un ascenso imparable. Pero, lo que nunca debe olvidarse es que todo esto que existe ahora, tuvo su origen hace 49 años con un video, quizás de simple realización para lo que se ve en la actualidad, pero muy innovador para su época. Un video creado por el cuarteto inglés QUEEN y perteneciente a una extraordinaria canción que hizo historia y cuya vigencia permanece intacta y que hasta hoy sigue dando muchísimo que hablar: “Bohemian Rhapsody”.
1985. Luego
del lanzamiento del álbum “… FAMOUS LAST WORDS” en 1982 y el alejamiento de
Roger Hodgson de Supertramp al año siguiente, después de la gira mundial
realizada, había inquietud por saber qué iba a pasar con el grupo: si seguirían
o no, si buscarían un reemplazo a Hodgson o si continuarían como cuarteto. Y
luego del debut solista de Hodgson con el álbum “IN THE EYE OF THE STORM” en
1984, había gran expectativa por saber cómo sería el siguiente trabajo musical
de Supertramp, ya sin la presencia de uno de sus principales vocalistas y
compositores.
BROTHER WHERE YOU BOUND (1985).-
Este nuevo álbum significaba el inicio de una
nueva etapa musical, en la que Rick Davies asumió el liderazgo dentro de la
banda, encargándose tanto de la composición y la interpretación de todas las
canciones. Antes de la creación del nuevo álbum, el dilema para Rick Davies era
decidir qué camino musical seguiría la banda. Y tras el acuerdo verbal entre
Davies y Hodgson, en el cual Davies se quedaba con el nombre de la banda y
Hodgson con sus canciones, la vía más segura para Davies era continuar adelante
como SUPERTRAMP, en vez de dispersarse o seguir también con una carrera como solista.
Total, el nombre del grupo lo tenía y la voluntad de los cuatro miembros restantes
era de seguir como banda. Y de esta forma, se creó el octavo álbum de la banda,
“BROTHER WHERE YOU BOUND”.
El álbum fue grabado entre finales de 1984 y
1985 en Ocean Way, Hollywood, California y en The Backyard Studio, Encino,
California. Fue lanzado el 14 de mayo
de 1985, y fue producido por David Kershenbaum y Supertramp. Incluyó
seis nuevas canciones, todas compuestas y cantadas por Rick Davies, y el
tracklisting fue el siguiente:
Lado 1
Cannonball
Still In Love
No Inbetween
Better Days
Lado 2
Brother Where You Bound
Ever Open Door
Recuerdo mucho que aquí en nuestro medio, en
1985 se escuchó en algunas radios locales el tema “Cannonball”. En lo personal,
tanto ese tema como “Better Days” fueron las únicas canciones que escuché de
ese álbum y sinceramente no me generó interés en ese momento. Hasta que en este
2024 tuve la oportunidad de escucharlo completo y de manera detallada y francamente
me gustó bastante.
En cuanto al contenido musical del álbum, realmente
conservó un muy buen nivel y bastante elaborado. Conservaba el estilo musical
de SUPERTRAMP, pero dentro de lo que eran las composiciones de Davies dentro de
la banda y sus influencias musicales. El
álbum comienza con “Cannonball”, el tema elegido como single principal del álbum,
bastante rítmico y hasta cierto punto, bailable, pero con toques instrumentales
elegantes y sobrios. Y su video clip, bastante bueno, se vio en algunos
programas musicales de TV. En una entrevista, Davies señaló: “Lo hice
simplemente para ver si podía hacerlo”.
El siguiente tema era “Still In Love”, un blues bastante bueno y típico
de Davies en Supertramp, que hace recordar un poco a “Ain’t Nobody But Me”.
Luego viene la que considero mi canción favorita del álbum, “No Inbetween”, una
muy buena melodía impecablemente interpretada por Davies. Y cierra el lado A,
la canción “Better Days”, otra de mis favoritas, con un muy buen ritmo y un
estilo bien moderno. E incluyó un extenso
final con las voces de los por entonces cuatro aspirantes a la Presidencia de
los Estados Unidos en las elecciones presidenciales de 1984: varias citas de
Geraldine Ferraro y Walter Mondale suenan en el canal de audio izquierdo, mientras
que las de George H.W. Bush y Ronald Reagan suenan en el canal derecho,
mezcladas con un extenso solo de saxofón de John Helliwell.
El lado B arranca con
una magnífica pieza musical, la obra maestra de Rick Davies, “Brother Where You
Bound”, de 16 minutos y 30 segundos de duración. Originalmente, un demo del
tema fue grabado antes de la salida de Hodgson de la banda, durante las
sesiones del “… FAMOUS LAST WORDS”, para una potencial inclusión en el álbum,
pero al final el grupo sintió que era rock progresivo demasiado denso que no
encajaba en aquel álbum. En el momento de la grabación de ese demo, la canción
sólo duraba diez minutos. El tema incluyó la colaboración de Scott Gorham de Thin Lizzy -por
entonces cuñado de Bob Siebenberg- en la guitarra rítmica, y los solos de
guitarra fueron grabados por David Gilmour, guitarrista de Pink Floyd. La
introducción incluye la lectura de un extracto de la novela “1984” de George
Orwell, mientras que la letra reflejaba elementos de la Guerra Fría. Y en una
entrevista en el 2002, Davies manifestó como Gilmour participó en la grabación
del tema: “Recuerdo decir a los chicos: ‘Necesitamos encontrar a alguien que
pueda tocar un poco como Gilmour’, y creo que fue alguien en A & M -puede
ser Jordan Harris u otro, unos de esos tíos- y dijo: ‘Bueno, yo conozco a
David, quizás le gustaría venir y hacerlo’, y le mandé una demo y decidió que
le gustaría hacerlo y fue muy razonable. Vino, trajo su maquinaria y directo al
estudio. Era un estudio casero, mi estudio, y lo hicimos”. Y como cierre
del album, termina con el muy buen tema “Ever Open Door”.
El album llegó al
número 20 en UK y número 21 en USA, según Billboard. Además fue número 2 en Suiza,
3 en España y Francia, 4 en Alemania y Holanda, 6 en Noruega, 7 en Suecia, 11
en Canadá, 13 en Austria, 17 en Nueva Zelanda, 19 en Italia y 22 en Australia.
Sin duda, fue un inicio bastante auspicioso para esta nueva etapa musical en la
trayectoria de SUPERTRAMP. Es cierto, se extrañaba la voz y el estilo melódico
de Roger Hodgson, pero Davies tenía con qué sacar adelante a la banda. Pero
sinceramente, y aquí voy a dar una opinion muy personal, luego de escuchar los álbumes
“BROTHER WHERE YOU BOUND” y “IN THE EYE OF THE STORM”, podían verse las dos mitades
musicales que hicieron grande a SUPERTRAMP separadas y ya no juntas. Y era lo
que se tenía de allí en adelante, y había que acostumbrarse a esa nueva
realidad, y disfrutarlo por separado. A este álbum, siguió una gira de la
banda, pero ya sin Hodgson, y cumpliendo con el acuerdo verbal entre Davies y
Hodgson, el grupo no interpretó ninguna de las canciones de Hodgson. La gira
comenzó por USA y Canadá el 23 de setiembre de 1985 y duró hasta el 23 de
noviembre. Y en 1986, continuó la gira por Europa, desde el 12 de Enero hasta
el 19 de Marzo de 1986.
FREE
AS A BIRD (1987).-
Luego de finalizada la gira
promocional del album “BROTHER WHERE YOU BOUND”, y ya con una nueva identidad
musical, la banda se propuso la idea de crear y lanzar un album que según Rick
Davies, “los colocara en los 80’s”.
Y para lograr eso, se incorporó elementos pop y dance, y apartándose del
rock progresivo de sus anteriores álbumes. En una entrevista, Davies señaló: “Free
As A Bird fue un experimento para tratar de se moderno y construirlo con ordenadores
y máquinas de ritmo, y que la gente viniese de uno en uno, lo cual te hacía
perder el espíritu de grupo un poco”. Y en las notas del recopilatorio “RETROSPECTACLE”,
Davies dijo: “Cada vez que íbamos, tratábamos de darle algo un poco
diferente. Free As A Bird fue mucho más basado en máquinas que cualquier cosa
que habíamos hecho antes. Eso fue bueno y malo, pero tuvo algunas interesantes
canciones allí”.
El álbum fue grabado
entre los Ocean Way Recording Studios de Hollywood y el estudio personal de
Rick Davies en Encino (California), y para este álbum, el estilo de trabajo
mantenido por la banda hasta ese momento, se rompió para dar lugar a un trabajo
más independiente de cada uno de los miembros del grupo. Se trabajaba por separado,
y se construía las canciones desde un playback de base rítmica y luego cse
citaba al baterista, Bob Siebemberg, para que incorporara la parte de batería.
Esta nueva y distinta forma generó un resultado diferente, aunque no siempre
positivo para el grupo, porque significaba que se presentaban por separado, día
tras día y sin siquiera verse, afectando un poco la compenetración de los
miembros del grupo. Al respecto, Davies indicó que simplemente le gustó como
experiencia nueva, pero que no volvería a repetirlo. Y una vez más, Davies
continuó como líder y único compositor del grupom y fue el primer álbum en incluir
la contribución de Mark Hart, guitarrista de Crowded House, quien tocó por primera
vez con la banda en la gira del “BROTHER WHERE YOU BOUND”, y quien compartió
con Davies la interpretación de “Where I Stand” y los coros en la parte final de "Free As A Bird".
El álbum fue lanzado el
23 de Octubre de 1987 y fue producido por Rick Davies, Tom Lord-Alge y
Supertramp, llegando al número 101 en USA, según Billboard, y al número 93 en
UK. Sería la peor posición para un álbum de SUPERTRAMP en USA desde lanzamiento
de su primer álbum. Además fue número 14 en Suiza, 16 en España, 23 en
Alemania, 24 en Francia, 28 en Suecia, 30 en Australia, 32 en Holanda u 34 en
Canadá. Y el tracklisting fue el siguiente:
Lado 1
It’s Alright
No The Moment
It Doesn’t Matter
Where I Stand
Free As A Bird
Lado 2
I’m Beggin’ You
You Never Can Tell With Friends
Thing For You
An Awful Thing To Waste
En cuanto al contenido
musical de este álbum, hay varias cosas que deseo señalar. En primer lugar, es
un album con un estilo típicamente ochentero y un sonido moderno y acorde con la
época. Claro, esto no quiere decir que sea malo. Es más, el album me gustó, me
pareció agradable de escuchar, pero es el que menos me gusta de la discografía
de SUPERTRAMP. Uno lo escucha y definitivamente uno puede afirmar categóricamente
que es un disco de la década del 80. En sí, es variado, y hay muy buenas
canciones, pero en otras canciones predomina el sonido electrónico y de manera
protagónica. El lado A arranca con “It’s Alright”, y como en el anterior album,
comenzaba con ritmos bailables. Recuerdo que en ese año 87, pude escuchar este
tema y ver su video en un programa musical de TV -creo que era “Hits” en
Canal 9-, y sinceramente me desconcertó por su estilo dance, que no era lo
que en ese momento esperaba de una de mis bandas favoritas como SUPERTRAMP.
Después de esa occasion, no la volví a escuchar más, ni me interesó escuchar
algo de ese nuevo álbum. Hasta este año 2024 cuando lo escuché completo y de
manera detallada. Y 37 años después, puedo afirmar que si bien es cierto, no es
el ritmo que hubiera preferido escuchar de SUPERTRAMP, pero el tema es
agradable de escuchar -si estuviera en una fiesta y soltaran esa cancion, de
inmediato me zambulliría a la pista de baile- y me hace acordar un poco a
ese estilo rítmico de Shakatak. Luego viene “It’s Not The Moment”, que me parece
bueno y el sonido del saxofón le da relace a la cancion. Es más, por su ritmo
parece como si fuera un tema utilizado como cortina musical de cualquier serie
de los 80’s en sus créditos iniciales o finales. Y a continuación, viene la que
considero y de lejos, como mi cancion favorita de este album, “It Doesn’t
Matter”, que es la que más se acerca a este estilo clásico de la banda, con una
instrumentación maravillosa, muy buenos arreglos y los coros típicos de esa
etapa de los 70’s. Y después sigue “Where I Stand”, en la que Davies comparte
la interpretación con Mark Hart, un tema con un ritmo pop bastante contagiante.
Y culmina el lado con el tema que da título al album “Free As A Bird”, otra de
mis favoritas. Muy bonito tema melódico cantado por Davies, con el feeling que
lo caracteriza, y que en su parte final incluye un coro al estilo gospel y una
muy buena participación de Mark Hart en el coro final.
El lado B comienza con
el que en mi opinion muy personal, es uno de los dos lunares de este album, “I’m
Begging You”. Si “It’s Alright” tenía un ritmo bailable aceptable, aquí
simplemente Rick Davies hizo uso de todos sus experimentos en el sintetizador y
con ritmos discotequeros. Pero también repito lo que señalé en el párrafo
anterior. En un ejercicio de tolerancia absoluta y mente bastante abierta, el
tema no es desagradable para escuchar. Cumple su finalidad, que la gente lo
baile al escucharlo, y su ritmo es hasta cierto punto contagiante. Pero me
cuesta aceptar que esa cancion haya sido creada por Supertramp. Muchos fans se
engancharon con la música de la banda por su maravillosa música y sus
impecables arreglos y complejas estructuras musicales, no porque tocaran músico
discotequera. Realmente pienso que este tema es el “Another One Bites Te Dust”
de SUPERTRAMP. Y al final, fue un gran error del grupo por querer seguir la
tendencia marcada en la segunda mitad de los 80’s, algo que jamás habían hecho.
Y además fue número 1 en el Hot Dance Music/Club Play de Billboard. Luego siguió
“You Never Can Tell With Friends”, otro buen tema con cierta reminiscencia del
Supertramp de inicios de los 80’s. A continuación, sigue “Thing For You”, una
muy Buena cancion con un ritmo melódico y cadencioso bastante suave y elegante.
Si el album terminaba allí, hubiera sido perfecto y un buen cierre. Pero no fue
así, y el tema que termina el album “An Awful Thing To Waste” es la cancion que
menos me gusta de la banda, y es más, realmente no me gusta para nada. Y
curiosamente, el tema arranca con Davies cantando una melodía en el piano, y al
comienzo me imagine algo similar al estilo de “Crime Of The Century”, pero la
ilusión duró apenas un minuto, porque después viene algo similar a “I’m Begging
You”, pero de manera aumentada y con 7 minutos y 49 segundos de duración, y como
sonaba en esa época las discotecas en Europa. Francamente la hubieran puesto
como lado B de “I’m Begging You”, para estar más acorde con esa propuesta
musical del grupo.
Luego del lanzamiento
del album, en 1988 la banda emprendió una gira promocional, el “World Migration
Tour”, que duró desde el 9 de Enero hasta el 19 de Abril. Es más, los primeros
dos conciertos fueron en Brasil, en Sao Paulo y Rio de Janeiro, siendo la
primera y única vez que SUPERTRAMP se present en tierras sudamericanas. Y en
ese tour, Davies utilize por primera vez a otro vocalista, Mark Hart, para interpreter
tres canciones de Hodgson, “Breakfast In America”, “The Logical Song” y “School”,
algo que no se hizo en la anterior gira, cumpliendo con el acuerdo verbal entre
Davies y Hodgson. Pero, parece que al final se hizo caso omiso a ese acuerdo y
se incluyeron esos tres temas de la autoría de Hodgson. Luego de esa gira,
Davies decidió que la banda se tomase un largo descanso sabático, y en una
entrevista manifestó: “Habíamos salido de gira y grabado hasta 1988 y luego simplemente
decidimos que debíamos tener un descanso adecuado. Realmente no había un límite
de tiempo y fuimos a hacer nuestras propias cosas”. Al finalizar la gira, el bajista
Dougie Thompson se retiró del grupo, alegando que “no era ético interpretar
canciones de Roger Hodgson en los conciertos”, en referencia al hecho de haberse
incluido las canciones de Hodgson en el setlist de esa gira y a la ruptura de
un pacto verbal entre Davies y Hodgson. La banda no regresaría hasta 1997 con
nuevas incorporaciones a su formación, pero ya sin dos de los miembros de esa
clásica formación que duró desde 1973 a 1983. Y quedaba esperar si algunas
cosas cambiarían o no para su próxima producción músical.