GEORGE HARRISON: UN MISTICO SEÑOR

Hoy, 29 de noviembre se cumplen ya 23 años, desde que nos dejó el gran GEORGE HARRISON, el “Quiet Beatle”. Aún recuerdo el día que me enteré de la triste noticia. Ya se sabía que que el buen George tenía cáncer y que su estado había empeorado y que entrando a noviembre se podía esperar lo peor. Esa mañana del jueves 29 de noviembre del 2001 estaba tomando desayuno. Aún no me había casado y vivía en La Calera en una casa de familia, en la cual viví como cuatro años y medio. Tenía la radio prendida en Radio Zeta, y soltaron un tema de George y luego anunciaron la noticia de su fallecimiento. Me dio muchísima pena porque era uno de los Beatles a quien más admiraba, pero por otro lado, no me tomó de sorpresa –como me sucedió con la muerte de Freddie Mercury o la de Maurice Gibb-, porque un poco como que se esperaba ya el desenlace. Era el segundo Beatle en partir, y sólo nos quedaban Paul y Ringo. A modo de tributo en este blog, deseo dedicar este post a la memoria de George Harrison. No voy a elaborar una biografía detallada de George sino más bien deseo compartir mi experiencia sobre cómo llegó la música de George Harrison a mi vida y cómo me enganché a ella y señalar algunos aspectos importantes de su vida. Y como ya he venido haciendo, he querido actualizar este post y publicarlo con fecha de hoy.

La primera vez que escuché a George Harrison fue en 1975 con el tema “Dark Horse” en Radio Miraflores, el cual tuvo buena difusión radial en ese año. Sinceramente en ese momento la canción me gustó sin fascinarme mucho. En ese primer momento desconocía totalmente la existencia de los Beatles y que George había sido uno de sus miembros. En ese mismo año, también se escuchaba en la radio a Paul McCartney & Wings con “Listen To What The Man Said”, a John Lennon con “Stand By Me” y a Ringo Starr con “Only You”. Todas esas canciones fueron difundidas ampliamente en radio Miraflores y para ser franco, me gustaron mucho, y en uno de esos programas, tomé conocimiento por primera vez que en la década anterior había existido un grupo llamado The Beatles y que había sido conformado por esos cuatro cantantes y músicos: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Recuerdo que lo primero que pensé fue, “si esos cuatro han tenido buenas canciones en este año, deber haber sido interesante lo que deben haber hecho los cuatro juntos”. En los siguientes años, fui conociendo a los Beatles, pero por algunas canciones en particular que se escuchaba en la radio en programas musicales del recuerdo, como por ejemplo, “Yesterday”, “Help”, “Let It Be”, “Hey Jude”, “She Loves You”, “A Hard Day’s Night”, y de repente algunos otros temas más. Pero era un soberano ignorante de la discografía de los Beatles y sus obras maestras. Y la imagen que tenía de ellos era la de la primera etapa, la época del “Yeah, Yeah, Yeah”. En los siguientes años, a nivel solista del único que escuché en la radio fue de Paul McCartney. Del resto, nada. Y en el caso particular de George Harrison, solo supe de la existencia de “My Sweet Lord”, y nada nuevo divisé en el camino. Pero las cosas cambiarían a partir del 8 de diciembre de 1980.

Cuando John Lennon fue absurdamente asesinado, debo confesar que mi conocimiento de la música de los Beatles era mínimo. Y a partir de ese momento, en las radios y en los programas musicales de TV, se dio una especie de resurgimiento de la música del cuarteto de Liverpool. Y gracias a un amigo de la universidad, quien era Beatlemaniaco, comencé a profundizar en su discografía y en todos los temas de sus álbumes. Y francamente quedé deslumbrado, y sobretodo, por la segunda etapa y los álbumes “SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND” y “ABBEY ROAD”. Y allí se convirtieron en uno de mis grupos favoritos de siempre. George era el tranquilo del grupo, el del medio, el que se paraba entre Paul y John para unirse a los coros y luego retrocedía, silencioso para seguir tocando la guitarra. Siempre mantuvo un perfil bajo y fue caracterizado como el "Beatle tranquilo" o el "Beatle Silencioso", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. Adicionalmente, otra cosa que también descubrí fue la importancia de George dentro del grupo. Sus composiciones dentro del grupo eran tan buenas como los temas del resto de la banda, y en lo personal, me gustaban mucho. En los 60’s, George se introdujo en la filosofía hindú y así comenzó a gestarse en él una tendencia que habría de ser muy importante para el grupo. Tanto que George sería el responsable de que a través de la música de los Beatles se abriera un nexo entre Oriente y Occidente. Puedo mencionar canciones como “Don’t Bother Me”. “I Need You”, “You Like Me Too Much”, “If I Needed Someone”, “Within You, Without You”, “Piggies”, “Something”, ”Here Comes The Sun” y su tema emblemático, “While My Guitar Gently Weeps”.

Asimismo, en forma paralela, comencé a descubrir también algunas canciones de su trayectoria como solista, la cuales también me fueron gustando. También descubrí que tras la disolución de los Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más aclamado por la crítica, “ALL THINGS MUST PASS”, el primer álbum triple de la historia musical. Este álbum significó una entrada triunfal para la carrera musical solista de George. Con todo eso, aguardaba con expectativa algún nuevo lanzamiento como solista de George.

En mayo de 1981, seis meses después de la muerte de Lennon, George como solista lanzó el single “All Those Years Ago”, en donde rendía tributo a John Lennon contando con la participación de Paul y Ringo en la canción, en el bajo y batería respectivamente. El resultado fue un extraordinario tema que devolvió a George a primeros planos de popularidad. Algo que recuerdo fue que en los años 81 y 82, los discos del año en muchas emisoras fueron “Woman” de John Lennon y “Ebony & Ivory” de Paul McCartney y Stevie Wonder, respectivamente. Muchos fans de esa época nos decíamos, “solo falta que el 83 el disco del año sea un tema de George”. Y aunque el 83 lanzó una nueva canción “Wake Up My Love”, del álbum “GONE TROPPO”, pero no pasó nada con ese tema, y falló ese pronóstico de los fans beatlemaniacos de un Nº 1 para George en 1983. Aunque en honor a la verdad, ese pronóstico se llegaría a cumplir cinco años después, en 1988.

En 1987 George reapareció en el mundo de la música, luego de cinco años de silencio, con el single “Got My Mind Set On You” y el retorno fue por la puerta grande. El tema se convirtió en un enorme hit en todo el mundo, llegando al Nº 2 en UK por 4 semanas, y al Nº 1 en varios charts europeos y sobretodo, fue Nº 1 en USA, según Billboard. Pero la cosa no quedó solo allí. Su álbum “CLOUD NINE”, lanzado en enero de 1988, fue sencillamente espectacular y con muy buenas canciones, como “Cloud Nine”, “That What It Takes”, “This Is Love”, “When We Was Fab”, “Devil’s Radio” y la hermosa balada “Someplace Else”. Producido por Jeff Lynne y George, el álbum fue aclamado por la crítica y colocó a George en el tope de la popularidad. Nuevamente un Beatle alcanzaba la cima en la década del 80.

A ello también debe agregarse que luego de terminar la grabación de “CLOUD NINE”, George estaba cenando con Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty y mencionó que necesitaba una nueva canción para el lado B del próximo single “This Is Love”. Al día siguiente, todos ellos se juntaron en la casa de Bob Dylan, donde escribieron el tema “Handle With Care”. Entonces la compañía de grabación mencionó que el tema era tan bueno que no podía desperdiciarse con un lado B y George sugirió que ellos tendrían que hacer otras nueve canciones de la misma manera: cinco tipos sentados alrededor de un círculo con guitarras acústicas. Nació así el proyecto de los Traveling Wilburys, que trajo como consecuencia el álbum llamado “TRAVELING WILBURYS VOL. 1”. Y en 1991 lanzaron un segundo álbum llamado “VOLUME 3”. En ese momento, a nivel solista, sin restarle méritos a la trayectoria de John Lennon o Paul McCartney, mi Beatle favorito ya era George Harrison.

George se definía como una persona introspectiva, un tipo tranquilo y relajado. Era un tranquilo padre de familia que no se preocupaba por impresionar, muy ocupado de las cosas intelectuales. En una entrevista para la revista “Musician” en 1987, George dijo sobre su aspecto: “Siempre he tenido sentido del humor. Siempre he sido marcado como melancólico o serio porque hice algunas cosas espirituales durante una fase de mi carrera y cantaba muchos temas acerca de Dios. Pero no puedes cantar este material riéndote. Si no eres una persona sonriente, concluyen que eres serio. Me divertía mucho siempre, cuando la gente pensaba que yo era muy serio. Tengo un lado muy serio de mí, pero aún dentro de eso, siempre veo el chiste también, Esa es la razón porque siempre me gustó Monthy Phyton”. Una faceta desarrollada por George fue la creación de la productora cinematográfica “Handmade Films”, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto del film “La Vida de Brian”, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran “Mona Lisa”, “Time Bandits”, “Shanghai Surprise” y “Withnail and I”. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en “La Vida de Brian”.

A nivel personal estuvo casado con la modelo Patricia Ann Boyd, a quien conoció en 1964 durante la filmación del film, “A Hard Day’s Night” y se casaron el 21 de enero de 1966. Se divorciaron en 1973 y en 1974 se unió a la mexicana Olivia Arias, secretaria de “Dark Horse” y con la que tuvo un solo hijo llamado Dhani en 1979 -quien es el fiel retrato de su padre-, y en la primera mitad de los 80’s se casaron y estuvieron juntos hasta su muerte. Tan parecido es Dhani a su padre que sirvió para que Paul McCartney en broma dijera al público en el “Concert for George”: "Olivia me dijo que en este escenario parece que George permaneció joven mientras todos nosotros envejecimos.", en referencia a Dhani.


Entre 1994 y 1996, emprendió junto a Paul McCartney y Ringo Starr el proyecto “ANTHOLOGY”, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba: “Free As A Bird” y “Real Love”. Asimismo, dicho proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con entrevistas a los tres miembros supervivientes y logro complacer el deseo de millones de fans en todo el mundo: escuchar nuevamente a George, Paul y Ringo juntos, aunque sea por una última vez. Y el resultado fue bastante bueno.

A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón. El cáncer reapareció en el 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo. George Harrison falleció en un hospital de Hollywood, Los Ángeles, el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y tras su muerte, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos”. Paul McCartney manifestó: “Estoy devastado y muy, muy triste. Era un tipo agradable y un hombre muy valiente, tenía un maravilloso sentido del humor. Realmente, era mi hermano menor''. El álbum póstumo de George Harrison, “BRAINWASHED”, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto Nº 18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el Nº 37 en las listas de éxitos británicas.

El 29 de noviembre de 2002, conmemorando el primer aniversario de su muerte, McCartney, Starr, Eric Clapton, Tom Petty and the Heartbreakers, Jeff Lynne, Billy Preston, Joe Brown, Jools Holland, Sam Brown, Olivia Harrison y Dhani Harrison participaron junto a otros músicos en el Concert for George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. En él, McCartney tocó "Something" acompañado de un ukelele, contando como anécdota que cuando solía visitar a Harrison en su casa después de cenar, George solía sacar un ukelele y tocar alguna canción. Asimismo, McCartney, Clapton y Starr se reunieron por primera vez en la canción "While My Guitar Gently Weeps" desde que fue grabada en 1968. Los beneficios del concierto fueron cedidos a la organización The Material World Charitable Foundation que Harrison fundó en 1973. Y el 14 de abril del 2009 fue homenajeado póstumamente con una estrella en el Hollywood Walk of Fame, ubicada en frente del Edificio de Capitol Records. Al evento asistieron su viuda Olivia, su hijo Dhani, su ex-compañero de banda Paul McCartney, Jeff Lynne, Tom Hanks, entre otros. 

Por último, en lo personal me queda la satisfacción de haber contribuido junto con mi gran amiga Dianita García con un especial dedicado a George Harrison por su cumpleaños en 1994 en Telestereo, y gracias a este especial, pude también conocer a uno de mis mejores amigos, Piero Dall’Orso, quien sin conocerme previamente, y gracias a que mi amigo Christian Rojas hizo posible el contacto con él, muy gentilmente me grabó dos temas instrumentales del album “WONDERWALL MUSIC” para utilizarlos como cortina musical para el especial que hicimos con Diana. Y definitivamente algo que nunca olvidaré fue ese emotivo momento en el concierto de Paul McCartney en Lima el 9 de Mayo del 2011, el 25 de Abril del 2014 y el 27 de Octubre del 2024, cuando le rindió homenaje a George cantando "Something" y con imágenes de George en la pantalla gigante. Han pasado 23 años de su partida física, pero GEORGE HARRISON permanece en el recuerdo de quienes lo admiramos y su legado musical continúa intacto entre sus innumerables fans en todo el mundo que lo han seguido desde hace cuatro décadas.

24 DE NOVIEMBRE: UN AÑO MAS SIN FREDDIE

Han transcurrido ya 33 años desde que la triste noticia de la partida de Freddie Mercury sacudiera nuestro interior, y hoy, la música de QUEEN continúa más vigente que nunca y el legado de Freddie Mercury permanece intacto. Su imagen sigue viva en nuestras mentes y corazones, y sin duda alguna, ya forma parte de esa privilegiada galería de artistas legendarios e inmortales, cuya contribución a la música ha sido sencillamente extraordinaria. Y sus composiciones continúan escuchándose incansablemente y ya son parte de la historia musical. Si no, ¿de qué forma podría explicarse el eterno éxito de “Bohemian Rhapsody”, la obra maestra de QUEEN y composición cumbre de Freddie? ¿O la plena vigencia de “We Are The Champions”, himno en diversas competencias deportivas? O hace ya varios años la súbita popularidad de “Don’t Stop Me Now” a raiz de su inclusión en el comercial de Rimac Seguros, o en Entel Perú? ¿O su imborrable presencia en la Clausura de los Olimpiadas Londres 2012? Por ello, he querido actualizar el post que publiqué hace catorce años y publicarlo con fecha de hoy.

Deseo transportarme al pasado hace 33 años y compartir con ustedes lo que fueron para mí esos días de noviembre de 1991. Dos semanas atrás, en la segunda semana de noviembre, ya habían comenzado a circular rumores en algunos diarios sobre el estado de salud de Freddie -que comenzaron a esparcirse desde 1990-, que en ese momento ya comenzaban a cobrar mucho más fuerza en los tabloides británicos. Por esos días, acababa de ser editado en Gran Bretaña el álbum recopilatorio "GREATEST HITS II", y lo que contribuía a generar dichas especulaciones eran dos hechos: 1) Que no se incluyese ningún tema nuevo en dicha recopilación; y 2) Que el single de adelanto de dicho álbum fuera precisamente "The Show Must Go On", como si fuese algo premonitorio.

Uno como fan como que se resistía a creer dichos rumores, pero habían ciertos hechos que sembraban razonables dudas: 1) La muy poca exposición pública de Freddie a raiz de la salida del extraordinario álbum “INNUENDO”, recayendo en Brian y Roger la labor de promocionar dicho álbum con entrevistas; 2) La negativa de QUEEN a salir de gira para promocionar el álbum “INNUENDO”, actitud asumida dos años atrás luego de la salida de “THE MIRACLE”; 3) La no aparición del grupo en el video clip de “Innuendo”, en donde se utilizaron imágenes estilizadas de los miembros de QUEEN provenientes de otros videos; 4) Su aspecto físico cada vez mas frágil y delgado, algo visible en "I'm Going Slightly Mad", “Headlong” y exageradamente notorio en "These Are The Days Of Our Lives"; y 5) Las letras de los temas del álbum “INNUENDO”, que tenían un insinuante -de acuerdo a la traducción del titulo del álbum- tufillo a despedida.

Pero todas esas especulaciones dejaron de serlas para convertirse en una triste y fatal realidad el día sábado 23 de noviembre de 1991, cuando Freddie Mercury confirmó lo que prensa londinense venía especulando hacía tiempo: anunció al mundo que padecía del mal del SIDA. Recuerdo que ese domingo 24 de noviembre de 1991 estaba reunido en la tarde con dos amigos fans de QUEEN, Raul Alvarez y Ricardo, y en eso, uno de ellos, Raulito -QEPD-, soltó una bomba. Contó que la noche anterior había visto en el noticiero "24 Horas" la noticia oficial y confirmada de que Freddie tenía SIDA y que lo había anunciado a través de un comunicado. Recuerdo que a todos nos cayó como una bomba de agua helada, pero por otro lado, fue una confirmación de continuas sospechas que a lo largo de dos años -desde 1989- uno venía acumulando pero que en el fondo se negaba a aceptarlo. Me acuerdo que ese día los tres quedamos en estar atentos a partir del día siguiente a TODO lo que saliera en la TV y en las radios para escuchar cualquier noticia referente a su estado de salud, y deseábamos al menos, que pudiese llegar con vida al año 1992 para las Olimpiadas en la ciudad de Barcelona. Así me acosté el domingo 24 ignorando lo que se vendría a partir del día siguiente.

Lunes 25 de noviembre. Me levanté temprano para ir a mi trabajo y estaba tomando desayuno con mi padre -QEPD-, y en eso mi viejo me comenta, "en la radio he estado escuchando la noticia sobre el cantante de tu grupo favorito". Yo le dije. "sí viejo, ya se confirmó ayer que tiene SIDA", y el me contestó de inmediato: "No, acaba de salir la noticia de que ha fallecido". En ese preciso instante, sentí que se me paralizaba el cuerpo y me quedé helado. Pregunté de nuevo, "Viejo. ¿estás seguro de eso?", y me contesta "Sí, y en estos momentos hay bastante consternación en Londres". En ese momento, disculpen la expresión, se me jodió la mañana, el día y la semana. Cuando mi viejo salió a trabajar, le di la noticia a mi hermano -prácticamente lo desperté- y luego me encerré en el escritorio y prendí la radio y confirmé la noticia. Cogí un CD -era INNUENDO- y puse "The Show Must Go On" y luego puse un cassette y comencé a escuchar el tema solista de Freddie, "There Must Be More To Life Than This" y en ese momento, las lágrimas brotaron de mis ojos sin cesar, porque en ese preciso instante, la fantasía de TODA mi vida se hacía añicos y terminaba para siempre: Ver algún día a QUEEN en concierto, a Freddie, Brian, Roger y John juntos en un escenario. Ya eso nunca más volvería a suceder y fue un desconsuelo grande para mí en ese momento. Era el definitivo final de un sueño, de una ilusión. Luego me fui a mi trabajo, y prácticamente ese día ni trabajé porque la mente la tenía en otra parte. Llamé a todos mis amigos fans de QUEEN de ese entonces, y todo el día estuvimos conectados, con la tristeza de por medio y en la noche nos vimos en casa de mi entrañable amigo Hernaldo Alva y vimos el programa “Disco Club”, donde Gerardo Manuel hizo el mismo día un especial de QUEEN a raiz de la noticia. Y terminando el día, en la noche me ví todos los noticieros y me sorprendió ver la noticia entre los titulares. Los siguientes días fueron de amplia cobertura en los noticieros locales, y también de aceptar la cruel realidad: ya no volveríamos a ver nunca más a Freddie sobre un escenario y a QUEEN como banda completa y en actividad.

Durante sus últimos meses, Freddie fue cuidado por sus amigos más cercanos, Jim Hutton, Joe Fanelli y Peter Freestone y el anuncio oficial de su muerte señaló: “Freddie Mercury murió pacíficamente esta noche en su residencia en 1 Logan Place, Kensington, London. Su muerte fue resultado de una neumonía ocasionada por el SIDA". Brian, Roger y John emitieron el siguiente comunicado: "Hemos perdido al mejor y más querido miembro de nuestra familia. Sentimos un dolor tremendo porque se ha ido, tristeza porque se encontraba en la cumbre de su creatividad, pero por encima de todo un gran orgullo por el modo valeroso en que vivió y murió. Nos ha sido concedido el privilegio de compartir nuestra vida con el. En cuanto nos sea posible, quisiéramos celebrar su vida al estilo al que nos tenía acostumbrados". Sus restos fueron cremados el miércoles 27 de noviembre en una ceremonia según el rito zoroastro.

Los años han pasado y como señalé, su música, lejos de haber decrecido, se ha universalizado y está más viva que nunca. Y sin duda alguna, a ello han contribuido principalmente dos hechos concretos que se dieron en la década del 2000 al 2009: 1) La puesta en escena del musical teatral "WE WILL ROCK YOU" que se estrenó en Londres en mayo del 2002 y que llevó la música de QUEEN a varios rincones del planeta, y sobretodo, a las nuevas generaciones, que de esa manera, descubrieron la música de QUEEN; y 2) El hecho que desde el año 2005 al 2008, Brian May y Roger Taylor se volvieran a juntar para salir de gira luego de 19 años, al lado del cantante PAUL RODGERS en la alianza denominada “QUEEN + PAUL RODGERS” y llegando a presentarse en Europa, Japón, USA y Sudamérica.

En lo personal, la música de QUEEN ha sido parte muy importante en mi vida y gracias a esta legendaria banda, como contraparte a la frustración de no haber visto a QUEEN en concierto, he recibido cosas muy positivas, entre las cuales, las mas importantes son: 1) Haber conocido a muchos de mis mejores amigos con quienes me une una gran y estrecha amistad que se ha ido fortaleciendo con los años; 2) Haber tenido el privilegio de haber sido parte de un programa de radio dedicado enteramente a QUEEN, gracias a mi gran amigo Huguito Salazar; 3) Haber tenido la enorme suerte y privilegio de haber recibido en cuatro oportunidades carta de respuesta de puño y letra del mismo Brian May en 1988, 1991, 1992 y 1993; y 4) Haber tenido la enorme dicha de haber visto en vivo a Brian May y Roger Taylor, la dupla sobreviviente de QUEEN, en Santiago de Chile y al al lado de mi amada esposa y dos de mis mejores amigos.


 

Finalmente, a 33 años de su desaparición física, Freddie Mercury permanece en el recuerdo perenne de los fans y sigue siendo admirado y reconocido en el mundo entero como un extraordinario cantante, un prolífico compositor, un pianista impecable y un showman en el escenario con un dominio de escena único, en suma, un artista completo.

¡QUEEN VIVE! ¡FREDDIE VIVE!! ¡DIOS SALVE A LA REINA!!!

INXS: UNA IMPECABLE BASE RITMICA

Hoy, 22 de Noviembre, se cumplen 27 años de la muerte de Michael Hutchence, vocalista principal de la banda australiana INXS, y por ese motivo, he querido actualizar el post que le dediqué hace doce años, actualizado y publicado con fecha de hoy, con el fin de recordar a esta buena banda. Siempre recuerdo las circunstancias en las cuales me enteré de esta fatal noticia. Estaba en casa de mi hermano Alex, en un almuerzo por su cumpleaños y llegó su cuñado y lo primero que comentó al llegar fue “Se ha matado Michael Hutchence, de INXS”. Y todos nos quedamos sorprendidos porque ese año 97 el grupo había lanzado un nuevo álbum y un single exitoso con “Elegantly Wasted” y habían vuelto con buenos bríos, y parecía que se embarcarían en una gira por Australia. Horas después, me puse a chequear en la radio y confirmé la triste noticia. Como ya es usual en este blog, no pretendo hacer una biografía de Michael Hutchence ni de INXS, y solo pienso enfocarlo desde mi experiencia personal.

Formada en 1977 por los hermanos Farriss, la banda estaba integrada por Andrew Farris en la guitarra y teclados, Jon Farris en la batería, Tim Farris en la guitarra principal, Garry Gary Beers en el bajo, Kirk Pengilly en el saxo y guitarra y en la voz principal, Michael Hutchence. Y uno de los signos distintivos de INXS fue su impecable base rítmica, su sonido bien peculiar y el magnetismo que generaba la interpretación de su vocalista. La primera que supe de ellos fue en 1983, cuando en el programa “Club 9” -que conducía Gerardo Manuel, después de “Disco Club”-, pude ver el video clip de “Don’t Change”. Sinceramente me encantó el tema, el cual me pareció muy bueno y se veía a una banda bien integrada y me gustó mucho el video clip, en donde la banda salía en un lugar amplio y al final, la banda se iba y el baterista se quedaba solo en el lugar hasta que concluía el tema. Y me acuerdo que el vocalista tenía una mezcla de Mick Jagger y Jim Morrison. Con el tiempo, esta canción se convirtió en mi canción favorita de INXS y hasta ahora, encabeza mis preferencias entre las canciones de esta agrupación. Luego de ese tema, en la radio, al año siguiente en 1984, escuché otro nuevo tema de ellos, “Original Sin”, bastante rítmico y con un sonido fresco y moderno y mostraba una evolución del estilo de la banda.

Pero sería en 1985, cuando el grupo comenzó a hacerse mucho más conocido en nuestro medio, tanto en las emisoras de radio locales como en los programas musicales de TV, con el album “LISTEN LIKE THIEVES”, del cual se extrajeron muy buenos temas como “This Time”, “Listen Like Thieves”, “Kiss The Dirt (Falling Down The Mountain)” y sobre todo, el temaza “What You Need”. Cómo bailé este tema en las fiestas y en las discotecas en el año 86. Y me encantaba el riff de la guitarra que salía en la parte final del tema, era soberbio. Hasta allí, INXS había alcanzado el éxito. Pero faltaba más todavía por descubrir.

Para Octubre de 1987, lanzaron el álbum “KICK” y se fueron para arriba. Comenzando con el primer single, “Need You Tonight”, que fue un éxito en todo el mundo y con un video muy bien realizado, que le hizo merecedor del MTV Video Music Awards como Video del Año. Muy buena canción que te invitaba a bailar en la pista. Pero no fue la única de ese álbum y destacaron nítidamente las canciones “New Sensation”. “Mistify”, “Never Tear Us Apart” y la frenética “Devil Inside”. ¡Cómo me gustó esta canción en su año! Tenía un sonido bien sensual, que te seducía sutilmente. Y aquí en nuestro medio, el tema se hizo mucho más conocido cuando fue la canción con la que comenzaba la novela “Malicia”. INXS había logrado el mega éxito comercial y el reconocimiento de la crítica. 

En 1990, siguieron por la brecha del éxito con el album “X”, de cual se extrajo el tema “Suicide Blonde”, con un muy buen video, y los temas “Dissapear”, “By My Side” y “Bitter Tears”. Y para coronar este éxito alcanzado en los últimos años, en el 91 lanzaron un album en vivo llamado “LIVE BABY LIVE”, que tuvo bastante éxito. En los siguientes años, en los primeros años de la década del 90, como que bajó un poco su popularidad y sus álbumes “WELCOME TO WHEREVER YOU ARE” (1992) y “FULL MOON, DIRTY HEARTS” (1993) no redituaron el éxito de sus antecesores, -aunque me gustó mucho el tema “Not Enough Time”- y la banda decidió darse un buen descanso hasta 1997. 

En ese año 1997, retornaron con mucho éxito con el álbum “ELEGANTLY WASTED” y con el single del mismo nombre, el cual tuvo bastante difusión en MTV. Se proyectaba una nueva gira por Australia, tras haber realizado una gira mundial, pero todos los planes se vinieron abajo. En la mañana del 22 de Noviembre de 1997, Michael Hutchence fue encontrado muerto y la versión oficial señalaba que se había ahorcado con su cinturón colgándose de la puerta de la habitación 524 del Ritz Carlton Hotel en Sydney donde el cantante, junto con INXS, se habían alojado en días previos de una gira por los 20 años de la banda. Otras apoyaban la hipótesis de que fue un suicidio involuntario debido a una técnica autoerótica de propiciar orgasmos durante la masturbación por asfixia. Pero también se comentaba que Hutchence se encontraba muy deprimido porque no podía ver a su hija, producto de su relación con Paula Yates, y sumado a la cantidad de alcohol y drogas ingeridas, podrían haber precipitado a Michael a tomar esta fatal decisión.

Luego de la muerte de Hutchence, la banda no hizo ninguna presentación pública por un año. Luego hizo algunas apariciones con cantantes invitados como Jimmy Barnes, Terence Trent D'Arby y Jon Stevens; y finalmente Stevens se unió formalmente a la banda para un tour mundial y una sesión de grabación en el 2002. Y precisamente esa gira mundial fue la que los trajo a nuestro país el martes 21 de mayo del 2002 en el Jockey Club. Y algo que me llamó la atención fue estaban los cinco miembros originales, lo cual significaba que el verdadero sonido de INXS, su base rítmica iba a estar presente en ese concierto. Recuerdo que no iba a ir al concierto, y el mismo día martes 21, a eso de las 8:00 pm, me llamó mi hermano Alex al celular de mi esposa –en ese momento aún no estábamos casados y estaba en la casa donde vivo actualmente y con mis cosas del trabajo para luego regresar a donde vivía. Y mi hermano me dijo que tenía una entrada para ver a INXS y si quería ir. Yo en ese momento estaba con mi amada esposa y acabábamos de llegar a su casa y quería estar un rato con ella, pero ella al enterarse, me dijo, “anda y vete ahorita”, y con su hijo David, prácticamente me empujaron a salir volando de allí para llegar a la casa de mi hermano. Y me acuerdo que fuimos también con dos tíos de mi cuñada, muy buena onda ambos, Coco y Annie, a quienes les gustaba la música rock de la buena, y comentábamos cómo sería el nuevo cantante y cuál sería su postura, si cantar como Hutchence, o cantar en un estilo distinto. Y optó por lo primero, y debo decir que disfruté muchísimo el concierto. Muy bueno, de verdad. Y una de las partes más emotivas fue cuando en pantalla gigante aparecieron imágenes de Michael Hutchence y con su voz cantando “Never Tears Us Apart”, y sus compañeros de banda tocando el tema con él, y la frase final “We love you Michael, wherever you are”. A muchos se nos hizo un nudo en la garganta. Y el grupo tocó todos sus temas y me divertí duro, recordando aquellas épocas ochenteras. Pero no tocaban mi canción favorita “Don’t Change”, a lo largo del concierto. Cuando el grupo regresó para el encore, cerraron con “Suicide Blonde” y un tema más que no recuerdo y se fueron. Parecía el final del concierto y comenzamos a bajar por las escaleras y cuando ya estábamos a punto de salir, veo que la banda regresa al escenario. Y el vocalista dice algo y comienzan las notas del último tema en el teclado. En ese mismo instante me quedé paralizado. Era el inicio de “Don’t Change” y ya mi hermano Alex y los tíos Coco y Annie ya querían irse. Yo en ese momento les dije, “Carajo, yo de aquí no me muevo hasta que termine mi canción favorita”. Y disfruté como nunca esta extraordinaria canción y para mí había sido el broche de oro a un muy buen concierto. Salí recargado luego de vivir una de mis canciones favoritas de todos los tiempos.

FInalmente, se supo que Steven dejó la banda y en el 2005, los miembros de INXS participaron en un programa tipo reality show, y audicionaron alrededor del mundo con el fin de seleccionar al nuevo cantante de INXS y todo ello culminó con la selección del nuevo vocalista principal, el canadiense, J. D. Fortune, y lanzaron un nuevo álbum, el cual, para ser sincero, no lo llegué a escuchar.




Han pasado ya 27 años de la muerte de Michael Hutchence, pero su imagen permanece siempre en el recuerdo de los fans de esta recordada banda. Se fue antes de tiempo, pero se fue cuando estaba en plena actividad musical y con su voz en plena forma. Su partida dejó un enorme vacío en la banda, pero felizmente INXS no era el grupo de Michael Hutchence y sus cinco amigos. Era una agrupación bien afiatada y que poseía un sonido rítmico bien peculiar, y eso fue mérito de los otros miembros del grupo, quienes felizmente se han mantenido unidos a través de todos estos años.

SUPERTRAMP (1985 - 1987): UNA NUEVA ETAPA MUSICAL

 

1985. Luego del lanzamiento del álbum “… FAMOUS LAST WORDS” en 1982 y el alejamiento de Roger Hodgson de Supertramp al año siguiente, después de la gira mundial realizada, había inquietud por saber qué iba a pasar con el grupo: si seguirían o no, si buscarían un reemplazo a Hodgson o si continuarían como cuarteto. Y luego del debut solista de Hodgson con el álbum “IN THE EYE OF THE STORM” en 1984, había gran expectativa por saber cómo sería el siguiente trabajo musical de Supertramp, ya sin la presencia de uno de sus principales vocalistas y compositores. 

BROTHER WHERE YOU BOUND (1985).-

 

Este nuevo álbum significaba el inicio de una nueva etapa musical, en la que Rick Davies asumió el liderazgo dentro de la banda, encargándose tanto de la composición y la interpretación de todas las canciones. Antes de la creación del nuevo álbum, el dilema para Rick Davies era decidir qué camino musical seguiría la banda. Y tras el acuerdo verbal entre Davies y Hodgson, en el cual Davies se quedaba con el nombre de la banda y Hodgson con sus canciones, la vía más segura para Davies era continuar adelante como SUPERTRAMP, en vez de dispersarse o seguir también con una carrera como solista. Total, el nombre del grupo lo tenía y la voluntad de los cuatro miembros restantes era de seguir como banda. Y de esta forma, se creó el octavo álbum de la banda, “BROTHER WHERE YOU BOUND”. 

El álbum fue grabado entre finales de 1984 y 1985 en Ocean Way, Hollywood, California y en The Backyard Studio, Encino, California. Fue lanzado el 14 de mayo de 1985, y fue producido por David Kershenbaum y Supertramp. Incluyó seis nuevas canciones, todas compuestas y cantadas por Rick Davies, y el tracklisting fue el siguiente: 

Lado 1  Cannonball Still In Love    No Inbetween Better Days

Lado 2            Brother Where You Bound Ever Open Door

  

Recuerdo mucho que aquí en nuestro medio, en 1985 se escuchó en algunas radios locales el tema “Cannonball”. En lo personal, tanto ese tema como “Better Days” fueron las únicas canciones que escuché de ese álbum y sinceramente no me generó interés en ese momento. Hasta que en este 2024 tuve la oportunidad de escucharlo completo y de manera detallada y francamente me gustó bastante.

En cuanto al contenido musical del álbum, realmente conservó un muy buen nivel y bastante elaborado. Conservaba el estilo musical de SUPERTRAMP, pero dentro de lo que eran las composiciones de Davies dentro de la banda y sus influencias musicales.  El álbum comienza con “Cannonball”, el tema elegido como single principal del álbum, bastante rítmico y hasta cierto punto, bailable, pero con toques instrumentales elegantes y sobrios. Y su video clip, bastante bueno, se vio en algunos programas musicales de TV. En una entrevista, Davies señaló: “Lo hice simplemente para ver si podía hacerlo”.  El siguiente tema era “Still In Love”, un blues bastante bueno y típico de Davies en Supertramp, que hace recordar un poco a “Ain’t Nobody But Me”. Luego viene la que considero mi canción favorita del álbum, “No Inbetween”, una muy buena melodía impecablemente interpretada por Davies. Y cierra el lado A, la canción “Better Days”, otra de mis favoritas, con un muy buen ritmo y un estilo bien moderno. E incluyó un extenso final con las voces de los por entonces cuatro aspirantes a la Presidencia de los Estados Unidos en las elecciones presidenciales de 1984: varias citas de Geraldine Ferraro y Walter Mondale suenan en el canal de audio izquierdo, mientras que las de George H.W. Bush y Ronald Reagan suenan en el canal derecho, mezcladas con un extenso solo de saxofón de John Helliwell. 

El lado B arranca con una magnífica pieza musical, la obra maestra de Rick Davies, “Brother Where You Bound”, de 16 minutos y 30 segundos de duración. Originalmente, un demo del tema fue grabado antes de la salida de Hodgson de la banda, durante las sesiones del “… FAMOUS LAST WORDS”, para una potencial inclusión en el álbum, pero al final el grupo sintió que era rock progresivo demasiado denso que no encajaba en aquel álbum. En el momento de la grabación de ese demo, la canción sólo duraba diez minutos. El tema incluyó la colaboración de Scott Gorham de Thin Lizzy -por entonces cuñado de Bob Siebenberg- en la guitarra rítmica, y los solos de guitarra fueron grabados por David Gilmour, guitarrista de Pink Floyd. La introducción incluye la lectura de un extracto de la novela “1984” de George Orwell, mientras que la letra reflejaba elementos de la Guerra Fría. Y en una entrevista en el 2002, Davies manifestó como Gilmour participó en la grabación del tema: “Recuerdo decir a los chicos: ‘Necesitamos encontrar a alguien que pueda tocar un poco como Gilmour’, y creo que fue alguien en A & M -puede ser Jordan Harris u otro, unos de esos tíos- y dijo: ‘Bueno, yo conozco a David, quizás le gustaría venir y hacerlo’, y le mandé una demo y decidió que le gustaría hacerlo y fue muy razonable. Vino, trajo su maquinaria y directo al estudio. Era un estudio casero, mi estudio, y lo hicimos”. Y como cierre del album, termina con el muy buen tema “Ever Open Door”. 

El album llegó al número 20 en UK y número 21 en USA, según Billboard. Además fue número 2 en Suiza, 3 en España y Francia, 4 en Alemania y Holanda, 6 en Noruega, 7 en Suecia, 11 en Canadá, 13 en Austria, 17 en Nueva Zelanda, 19 en Italia y 22 en Australia. Sin duda, fue un inicio bastante auspicioso para esta nueva etapa musical en la trayectoria de SUPERTRAMP. Es cierto, se extrañaba la voz y el estilo melódico de Roger Hodgson, pero Davies tenía con qué sacar adelante a la banda. Pero sinceramente, y aquí voy a dar una opinion muy personal, luego de escuchar los álbumes “BROTHER WHERE YOU BOUND” y “IN THE EYE OF THE STORM”, podían verse las dos mitades musicales que hicieron grande a SUPERTRAMP separadas y ya no juntas. Y era lo que se tenía de allí en adelante, y había que acostumbrarse a esa nueva realidad, y disfrutarlo por separado. A este álbum, siguió una gira de la banda, pero ya sin Hodgson, y cumpliendo con el acuerdo verbal entre Davies y Hodgson, el grupo no interpretó ninguna de las canciones de Hodgson. La gira comenzó por USA y Canadá el 23 de setiembre de 1985 y duró hasta el 23 de noviembre. Y en 1986, continuó la gira por Europa, desde el 12 de Enero hasta el 19 de Marzo de 1986.

 

FREE AS A BIRD (1987).-

 

Luego de finalizada la gira promocional del album “BROTHER WHERE YOU BOUND”, y ya con una nueva identidad musical, la banda se propuso la idea de crear y lanzar un album que según Rick Davies, “los colocara en los 80’s”.  Y para lograr eso, se incorporó elementos pop y dance, y apartándose del rock progresivo de sus anteriores álbumes. En una entrevista, Davies señaló: “Free As A Bird fue un experimento para tratar de se moderno y construirlo con ordenadores y máquinas de ritmo, y que la gente viniese de uno en uno, lo cual te hacía perder el espíritu de grupo un poco”. Y en las notas del recopilatorio “RETROSPECTACLE”, Davies dijo: “Cada vez que íbamos, tratábamos de darle algo un poco diferente. Free As A Bird fue mucho más basado en máquinas que cualquier cosa que habíamos hecho antes. Eso fue bueno y malo, pero tuvo algunas interesantes canciones allí”.  

El álbum fue grabado entre los Ocean Way Recording Studios de Hollywood y el estudio personal de Rick Davies en Encino (California), y para este álbum, el estilo de trabajo mantenido por la banda hasta ese momento, se rompió para dar lugar a un trabajo más independiente de cada uno de los miembros del grupo. Se trabajaba por separado, y se construía las canciones desde un playback de base rítmica y luego cse citaba al baterista, Bob Siebemberg, para que incorporara la parte de batería. Esta nueva y distinta forma generó un resultado diferente, aunque no siempre positivo para el grupo, porque significaba que se presentaban por separado, día tras día y sin siquiera verse, afectando un poco la compenetración de los miembros del grupo. Al respecto, Davies indicó que simplemente le gustó como experiencia nueva, pero que no volvería a repetirlo. Y una vez más, Davies continuó como líder y único compositor del grupom y fue el primer álbum en incluir la contribución de Mark Hart, guitarrista de Crowded House, quien tocó por primera vez con la banda en la gira del “BROTHER WHERE YOU BOUND”, y quien compartió con Davies la interpretación de “Where I Stand” y los coros en la parte final de "Free As A Bird".

 El álbum fue lanzado el 23 de Octubre de 1987 y fue producido por Rick Davies, Tom Lord-Alge y Supertramp, llegando al número 101 en USA, según Billboard, y al número 93 en UK. Sería la peor posición para un álbum de SUPERTRAMP en USA desde lanzamiento de su primer álbum. Además fue número 14 en Suiza, 16 en España, 23 en Alemania, 24 en Francia, 28 en Suecia, 30 en Australia, 32 en Holanda u 34 en Canadá. Y el tracklisting fue el siguiente: 

 

Lado 1  It’s Alright No The Moment It Doesn’t Matter Where I Stand           Free As A Bird

Lado 2            I’m Beggin’ You You Never Can Tell With Friends Thing For You An Awful Thing To Waste

En cuanto al contenido musical de este álbum, hay varias cosas que deseo señalar. En primer lugar, es un album con un estilo típicamente ochentero y un sonido moderno y acorde con la época. Claro, esto no quiere decir que sea malo. Es más, el album me gustó, me pareció agradable de escuchar, pero es el que menos me gusta de la discografía de SUPERTRAMP. Uno lo escucha y definitivamente uno puede afirmar categóricamente que es un disco de la década del 80. En sí, es variado, y hay muy buenas canciones, pero en otras canciones predomina el sonido electrónico y de manera protagónica. El lado A arranca con “It’s Alright”, y como en el anterior album, comenzaba con ritmos bailables. Recuerdo que en ese año 87, pude escuchar este tema y ver su video en un programa musical de TV -creo que era “Hits” en Canal 9-, y sinceramente me desconcertó por su estilo dance, que no era lo que en ese momento esperaba de una de mis bandas favoritas como SUPERTRAMP. Después de esa occasion, no la volví a escuchar más, ni me interesó escuchar algo de ese nuevo álbum. Hasta este año 2024 cuando lo escuché completo y de manera detallada. Y 37 años después, puedo afirmar que si bien es cierto, no es el ritmo que hubiera preferido escuchar de SUPERTRAMP, pero el tema es agradable de escuchar -si estuviera en una fiesta y soltaran esa cancion, de inmediato me zambulliría a la pista de baile- y me hace acordar un poco a ese estilo rítmico de Shakatak. Luego viene “It’s Not The Moment”, que me parece bueno y el sonido del saxofón le da relace a la cancion. Es más, por su ritmo parece como si fuera un tema utilizado como cortina musical de cualquier serie de los 80’s en sus créditos iniciales o finales. Y a continuación, viene la que considero y de lejos, como mi cancion favorita de este album, “It Doesn’t Matter”, que es la que más se acerca a este estilo clásico de la banda, con una instrumentación maravillosa, muy buenos arreglos y los coros típicos de esa etapa de los 70’s. Y después sigue “Where I Stand”, en la que Davies comparte la interpretación con Mark Hart, un tema con un ritmo pop bastante contagiante. Y culmina el lado con el tema que da título al album “Free As A Bird”, otra de mis favoritas. Muy bonito tema melódico cantado por Davies, con el feeling que lo caracteriza, y que en su parte final incluye un coro al estilo gospel y una muy buena participación de Mark Hart en el coro final. 

El lado B comienza con el que en mi opinion muy personal, es uno de los dos lunares de este album, “I’m Begging You”. Si “It’s Alright” tenía un ritmo bailable aceptable, aquí simplemente Rick Davies hizo uso de todos sus experimentos en el sintetizador y con ritmos discotequeros. Pero también repito lo que señalé en el párrafo anterior. En un ejercicio de tolerancia absoluta y mente bastante abierta, el tema no es desagradable para escuchar. Cumple su finalidad, que la gente lo baile al escucharlo, y su ritmo es hasta cierto punto contagiante. Pero me cuesta aceptar que esa cancion haya sido creada por Supertramp. Muchos fans se engancharon con la música de la banda por su maravillosa música y sus impecables arreglos y complejas estructuras musicales, no porque tocaran músico discotequera. Realmente pienso que este tema es el “Another One Bites Te Dust” de SUPERTRAMP. Y al final, fue un gran error del grupo por querer seguir la tendencia marcada en la segunda mitad de los 80’s, algo que jamás habían hecho. Y además fue número 1 en el Hot Dance Music/Club Play de Billboard. Luego siguió “You Never Can Tell With Friends”, otro buen tema con cierta reminiscencia del Supertramp de inicios de los 80’s. A continuación, sigue “Thing For You”, una muy Buena cancion con un ritmo melódico y cadencioso bastante suave y elegante. Si el album terminaba allí, hubiera sido perfecto y un buen cierre. Pero no fue así, y el tema que termina el album “An Awful Thing To Waste” es la cancion que menos me gusta de la banda, y es más, realmente no me gusta para nada. Y curiosamente, el tema arranca con Davies cantando una melodía en el piano, y al comienzo me imagine algo similar al estilo de “Crime Of The Century”, pero la ilusión duró apenas un minuto, porque después viene algo similar a “I’m Begging You”, pero de manera aumentada y con 7 minutos y 49 segundos de duración, y como sonaba en esa época las discotecas en Europa. Francamente la hubieran puesto como lado B de “I’m Begging You”, para estar más acorde con esa propuesta musical del grupo. 

Luego del lanzamiento del album, en 1988 la banda emprendió una gira promocional, el “World Migration Tour”, que duró desde el 9 de Enero hasta el 19 de Abril. Es más, los primeros dos conciertos fueron en Brasil, en Sao Paulo y Rio de Janeiro, siendo la primera y única vez que SUPERTRAMP se present en tierras sudamericanas. Y en ese tour, Davies utilize por primera vez a otro vocalista, Mark Hart, para interpreter tres canciones de Hodgson, “Breakfast In America”, “The Logical Song” y “School”, algo que no se hizo en la anterior gira, cumpliendo con el acuerdo verbal entre Davies y Hodgson. Pero, parece que al final se hizo caso omiso a ese acuerdo y se incluyeron esos tres temas de la autoría de Hodgson. Luego de esa gira, Davies decidió que la banda se tomase un largo descanso sabático, y en una entrevista manifestó: “Habíamos salido de gira y grabado hasta 1988 y luego simplemente decidimos que debíamos tener un descanso adecuado. Realmente no había un límite de tiempo y fuimos a hacer nuestras propias cosas”. Al finalizar la gira, el bajista Dougie Thompson se retiró del grupo, alegando que “no era ético interpretar canciones de Roger Hodgson en los conciertos”, en referencia al hecho de haberse incluido las canciones de Hodgson en el setlist de esa gira y a la ruptura de un pacto verbal entre Davies y Hodgson. La banda no regresaría hasta 1997 con nuevas incorporaciones a su formación, pero ya sin dos de los miembros de esa clásica formación que duró desde 1973 a 1983. Y quedaba esperar si algunas cosas cambiarían o no para su próxima producción músical.