GETTIN' SMILE: EL EMBRION DE QUEEN

Y hemos llegado al último post del año en lo concierniente a las producciones solistas de los miembros de QUEEN. Y si nos detenemos un poquito más, con este post estamos prácticamente cerrando este rubro en lo que concierne a QUEEN, ya que hemos escrito sobre todos los albums solistas: los 3 de Brian, los 2 de Freddie, los 4 de Roger y los 3 de The Cross. Salvo que en los siguientes meses salga alguna nueva producción de Brian o Roger, aquí con este post concluye las notas solistas. Y en esta oportunidad, lo haremos con un EP perteneciente a SMILE, el trío que se formó antes de QUEEN y que de una u otra manera, podemos considerar como el embrión de QUEEN. No pretendo en este post detallar la historia de SMILE, la cual ya ustedes deben haber visto en diversos documentales de QUEEN. A modo de resumen nomás, sabemos que SMILE fue el grupo formado por Brian, Roger y Tim Staffell. En 1969 y en 1970 el grupo grabó algunos demos en Londres y Brian no recuerda que ellos grabaran suficientes tracks para lanzar un album, pero las grabaciones encontraron su camino en Mercury Records, y así fue lanzado el album “GETTIN’ SMILE” en Japón el 23 de Setiembre de 1982. Fue vendido como un vinilo en mono y estuvo disponible en ese momento como un item importado. El track list de este album contuvo los siguientes temas:

Doin' Alright
Blag
April Lady
Polar Bear
Earth
Step on Me

Posteriormente, fue editado en Holanda un CD llamado “GHOST OF A SMILE” en 1997, a través de Pseudonym Records y todos los tracks fueron nuevamente remasterizados y adicionalmente contenía como bonus, dos versiones de la colaboración entre Eddie Howell y Freddie Mercury, "The Man From Manhattan", donde Brian toca también la guitarra. Pero volviendo a los 6 temas que conforman este album, el origen de ello lo encontramos en un acuerdo de grabación que el trío tuvo con Mercury Records de USA para grabar 3 temas: "Earth" (Staffell), "Step On Me" (May) y "Doin' All Right" (May/Staffell), las cuales fueron grabadas en el mes de junio de 1969 en los estudios Trident, en Soho. Esta sesión fue producida por John Anthony. Aunque esta grabación promocional nunca fue editada comercialmente, sin embargo, en setiembre del mismo año, Mercury Records les encargó grabar tres canciones más: "April Lady" (Stanley Lucas), "Blag", un instrumental de Brian, y "Polar Bear", una "canción gentil acerca de un oso polar”, escrita por Brian, en los estudios De Lane Lea. Esta sesión fue producida por Fritz Flyer, y de nuevo, la grabación no fue editada en su momento. Y quedó todo encarpetado, hasta el año 1982.

Analizando este album, tema por tema, vemos que la primera canción es familiar para el queenero. “Doin’ All Right”, que la vemos en el primer album de QUEEN. Es cierto que la versión de Smile es más cruda y menos elaborada, pero allí ya pueden verse algunos elementos que distinguirían al tema, como su compleja estructura, sus arreglos armónicos y su sensibilidad heavy-rock. En cuanto a "Blag", Tim Staffell señaló: "Fue un instrumental escrito por Roger. Era un riff que él había estado guardando por años y eventualmente lo establecimos como una pieza. Pienso que siempre funcionó muy bien en gigs. Fue un vehículo para nosotros para golpear duro. Había partes de armonías vocales en el tema, que fue soporte de la parte rítmica. Era una explosión". La parte del inicio -"do-do-do"- era una referencia al tema "NSU" de Cream, mientras que en la parte del riff de Brian al inicio, podía verse algo de la base de lo que después fue "Liar" y el riff al final del tema, lo vemos posteriormente en "Brighton Rock".

El tercer tema, "April Lady" fue una balada escrita por un tal Stanley Lucas, quien había sido presentado a Smile por Freddie Mercury -amigo de Tim Staffell. Al respecto, Tim señalaba: "Respondimos a ese tema, porque queríamos ser visto como competentes. Tenía palabras sin mucho sentido, pero me gustaba". Cada miembro destaca en su parte: Tim en la voz y bajo, Brian en la guitarra acústica y la Red Special, y Roger en la batería y los coros. Y es la primera vez que podemos escuchar a Brian y Roger cantando juntos en una canción. El siguiente tema, "Polar Bear" fue escrita por Brian, quien canta en la canción junto con Tim. "Es una canción gentil acerca de un oso polar. Por eso el título!", decía Tim.

A continuación, la canción más importante de Smile, el que fuera elegido como single, "Earth". Al respecto, Tim agregó: "Comenzó a ser importante escribir nuestro propio material. Un verano, probablemente en 1968, hice un esfuerzo particular en escribir y salieron dos o tres canciones, una de ellas fue "Earth" y acabó siendo aceptada como la más fuerte de todo lo que habíamos hecho. No hubieron influencias musicales del todo en esa canción. La escribí porque era un poco aficionado a la ciencia fección. De verdad, todas las canciones que escribí aquel verano tenían letras basadas en ciencia ficción. Son la clase de cosas que serían consideradas como tonterías el día de hoy. La idea fue que nuestra estrella explotaba, la tierra era incinerada y lo que quedaba de la civilización humana estaba disperso a través del sistema solar sin un hogar". Y el último tema del album fue el lado B del single, "Step On Me", una de las primeras composiciones de Brian y Tim, cuyo origen estaba en el grupo 1984 en donde ambos formaban parte antes de Smile. "Es aún una buena canción", señalaba Tim. "La melodía y la mayor parte de las letras fueron escritas por Brian. Yo contribuí con algunas palabras".

Finalmente, es bueno señalar que aunque no tienen una cercanía, Tim Brian y Roger mantienen un casual contacto y el 22 de Diciembre de 1992, se produjo una reunión de Smile. La banda de Roger, The Cross, estaba tocando en el Marquee, y Brian estuvo como invitado y en un momento de la noche, fue presentado Tim Staffell, y el trío volvió a tocar en vivo luego de casi 23 años, su tema más representativo, "Earth", en un momento muy especial y nostálgico para el queenero tradicional. También tocaron el tema "If I Were A Carpenter", un clásico que fue parte de su repertorio en el año 1969.

Creo que sin duda alguna, el valor de este album radica en que vemos la base de lo que fue después QUEEN, como una especie de embrión, al cual, tras la disolución del trío y la entrada de Freddie, fue desarrollándose y con el aporte de armonías de Freddie, llegarían a crear la mágica música que tanto amamos los queeneros. Aquí concluye los posts referentes a los albums solistas. Pero a partir de enero del 2011, estaremos incluyendo una nueva sección en donde los posts se centrarán en canciones solistas, como solemos hacer con los hits de QUEEN, en la primera semana de cada mes. Y como ya ustedes pueden ver, aquí tenemos material para rato, y para unos buenos añitos más.

THE FREDDIE MERCURY ALBUM: UN REMEZCLADO RECOPILATORIO

1992. Se acercaba el primer aniversario de la muerte de Freddie Mercury, el 24 de noviembre, fecha muy especial para nosotros, los queeneros, y como alguien que vivió lo que sucedía en esos años, recuerdo que meses antes, tuve conocimiento por medio de los magazines del QUEEN Fan Club, al cual estaba suscrito, que para coincidir con el primer año de la muerte de Freddie, se planeaba lanzar un recopilatorio de sus temas solistas. Teniendo en cuenta que Freddie solo había lanzado dos albums como solistas, pero también varios singles que no habían sido incluidos en ninguno de estos dos albums, sinceramente tenía bastante expectativa sobre este lanzamiento, ya que si se hacía con buen criterio y seleccionando bien los temas, se podía tener como resultado una recopilación bastante interesante y sobre todo, muy completa, que abarcara los mejores temas de Freddie en su etapa solista, tanto singles como de repente, algunos album tracks, que merecían ser parte de una compilación. Y francamente, a medida que avanzaban los meses, mi expectativa iba en aumento.

Pero, mis impresiones comenzaron ligeramente a cambiar cuando supe de antemano, la relación de temas que conformarían esta recopilación. Eran 11 las canciones elegidas, de las cuales, 5 eran provenientes del album "MR. BAD GUY", y de los 6 temas restantes, 5 singles lanzados por Freddie y un lado B. Hasta allí, podría ser razonable porque seamos francos, el album "MR. BAD GUY" fue el único album solista enteramente de Freddie, ya que como sabemos, "BARCELONA" fue un trabajo en conjunto con Montserrat Caballe, y era hasta comprensible, que casi la mitad de temas del recopilatorio perteneciesen a ese album. Pero curiosamente, de los 5 temas elegidos, solo había sido incluido un single -"Living On My Own"-, de los 3 que se lanzaron de dicho album y en mi opinión, habían sido dejadas de lado enforma inexplicable los temas "I Was Born To Love You" -el single más exitoso de ese album- y "Made In Heaven". Y de los 4 temas incluidos, salvo la canción "Mr. Bad Guy", el resto de temas tenía el común denominador del sonido eurodisco que predominó en ese trabajo solista de Freddie. Y nuevamente en mi opinión muy personal, habían sido excluidas en forma absurda, mis dos temas favoritos del album: "There Must More To Life Than This" y "Love Me Like There's No Tomorrow". ¿Cuál fue la razón de ello? Hasta ahora no lo entiendo, pero esta era un oportunidad brillante de que estas dos joyitas vieran la luz más allá del "MR. BAD GUY". Y una última omisión fue la canción "How Can I Go On". Viendo entonces el set list, ya habían cinco omisiones que a mi criterio, le quitaba algo de fuerza a este proyecto recopilatorio y que me hacían dudar sobre si me lo compraba o no cuando saliera el CD. Del resto de temas, los 5 singles sí estaban bien incluidos -3 de ellos en su versión original- y el lado B, "Exercises In Free Love", no estaba demás su inclusión. Claro, entiendo y respeto mucho la opinión de aquellos que pueden sostener que esos 5 temas del "MR. BAD GUY" son lo que mejor representaba el espíritu musical de ese album y que era honesto y consecuente, incluirlos en una recopilación solista de Freddie. De acuerdo con esa opinión, pero pienso que tampoco era motivo para dejar de lado esos 5 temas que he mencionado y a lo mejor, hubieran podido editar como algo especial, una doble recopilación.

Finalmente, el 16 de Noviembre de 1992, se lanzó el recopilatorio llamado "THE FREDDIE MERCURY ALBUM", el cual representaba un lanzamiento, hasta cierto punto póstumo, pero tampoco del todo, porque no habían temas nuevos ni grabados por Freddie antes de morir, como tan estúpidamente se dijo en su momento. Hasta ahora me acuerdo de algunas notas en algunos diarios -que aún conservo-, o en algunos programas de radio, donde se decía tan alegremente que este album contenía lo último que había dejado grabado Freddie antes de morir. Y lo curioso es que este album también se lanzó en USA el 24 de Noviembre de 1992, pero bajo otro título, el cual fue denominado "THE GREAT PRETENDER" y en el sello Hollywood Records, cuya particularidad era que tenía una versión remezclada del tema "The Great Pretender" -a diferencia de la edición en UK, que tenía la versión original de dicho tema- y que en vez del tema "Barcelona", incluía otra versión remezclada del tema del "MR. BAD GUY", "My Love Is Dangerous". Pero, si antes tenía dudas para comprar el CD, al escuchar sus temas, esas dudas se convirtieron en una decisión firme. Mi gran amigo Huguito Salazar se había comprado el CD y un día me llamó a mi casa y me comentó que las versiones del "MR. BAD GUY" eran remezcladas y no estaban en su versión original y la remezcla era más tirada a lo bailable. Y llegué a escuchar esas versiones y francamente no me gustaron para nada. Preferí grabar en un cassette aquellos temas que me interesaron y punto. No me llenaba lo suficiente como para comprarme el CD, que en ese momento, tampoco era barato comprar un CD original y no había la piratería que tanto abunda el día de hoy. El set list de este album fue el siguiente:

"The Great Pretender" (Ram)
"Foolin' Around (Steve Brown Mix)" (Mercury)
"Time (Nile Rodgers 1992 Remix)" (Clark/Christie)
"Your Kind of Lover (Steve Brown Mix)" (Mercury)
"Exercises in Free Love" (Mercury/Moran) - 3:58
"In My Defence (Ron Nevison Mix)" (Clark/Daniels/Soames)
"Mr. Bad Guy (Brian Malouf Mix)" (Mercury)
"Let's Turn It On (Jeff Lord-Alge Mix)" (Mercury)
"Living on My Own (Julian Raymond Mix) (Mercury)
"Love Kills" (Mercury/Moroder)
"Barcelona" (Mercury/Moran)

El album llegó al Nº 1 en Italia, Nº 2 en Austria, Nº 3 en Alemania, Nº 4 en UK , Nº 8 en Suiza y Holanda, Nº 12 en Noruega, Nº 35 en Suecia y Nº 64 en Japón. Pero la edición USA no llegó siquiera a rankear en la Billboard. Esta recopilación sería la única que se haría de la etapa solista de Freddie bajo la forma de un solo CD, y ya en el año 200o, las expectativas de los fans quedarían colmadas con la caja completa de 12 discos que se lanzó y que fue sin duda, lo más completo de toda su trayectoria solista, en donde nada quedó fuera del tintero e incluía los dos temas de Larry Lurex. Y para los 60 años del nacimiento de Freddie, en setiembre del 2006 también se lanzó otro recopilatorio llamado "LOVER OF LIFE, SINGER OF SONGS - THE VERY BEST OF FREDDIE MERCURY SOLO".

Con los años, he aprendido a ser un poco más tolerante con este recopilatorio, que finalmente corresponde a la etapa solista de Freddie y no de QUEEN. Pienso que se pudo haber una selección de canciones con un criterio muchísimo mejor y sobre todo, mucho más completo, sin dejar de lado, algunas de las cinco canciones que he señalado, que tenían todo el derecho a formar parte de este lanzamiento. Trato de ponerme en el contexto de ese año en cuanto a las expectativas de los fans en ese año, y una cosa que era cierta es que en ese año, el album "MR. BAD GUY" era una pieza de colección, porque era difícil de conseguirlo. Tengo amigos que por más que buscaban y encargaban este album en el extranjero, no lo consiguieron y probablemente, la finalidad de este lanzamiento puede haber sido por un lado, incluir aquellos singles de Freddie que no estaban en album alguno, y ofrecerles a los fans, algo del espíritu altamente bailable de ese primer album de Freddie, para que al menos, algo tuvieran de ello. Sin embargo, han pasado ya 18 años, y pienso que al menos, en algo lograron su objetivo de brindar al fan de QUEEN y muy en particular, al fan de Freddie, algo de su esencia musical como solista y que fue absolutamente cubierto y completado 8 años después con esa vasta caja de Freddie.

STARFLEET PROJECT: UN MOMENTO ESPONTANEO

En 1983, luego del fracaso del "HOT SPACE", los miembros de QUEEN decidieron por primera vez separarse para abocarse a proyectos solistas en la primera mitad de 1983. De lo que hicieron Freddie y Roger ya hemos comentado en los posts correspondientes a sus trabajos solistas, y en lo que concierne a Brian May, no tenía previsto comenzar a preparar un primer trabajo solista. En el mes de abril de 1983, Brian estaba por Los Angeles y se contactó con sus amigos Eddie Van Halen, Fred Mandell -quien había tocado teclados con QUEEN en la última gira de 1982-, Allan Gratzer -baterista de REO Speedwagon- y Phil Chen -bajista de Rod Stewart- con la finalidad de distraerse, tocar juntos y pasarla bien, sin presiones o apuros de ningún tipo. No pasó por su cabeza ningún tipo de lanzamiento al mercado, ya que solo era el afán de un grupo de amigos de divertirse en un estudio y la mejor muestra de ello fue que ni siquiera tuvieron la intención de realizar algún tipo de mezcla.

De esas sesiones que se llevaron a cabo el 21 y 22 de abril de 1983 en los estudios Record Plant, se grabaron 3 temas: “Starfleet”, “Let Me Out” y “Bluesbreakers”, los cuales comentaré luego. Cuando culminaron esas sesiones, Brian pensó en guardarlas como un recuerdo de un momento de diversión entre amigos. Al respecto, Brian afirmó: "Pude haber puesto estas cintas en el fondo de un cajón y guardarlas como como un disco privado de una de las mejores experiencias de mi vida. Pero la poca gente a la que la mostré me urgieron a lanzarlo. Pero es una grabación "desnuda", sin mezclas". En efecto, gente cercana a él, le dijo que no hiciera eso y que debía compartirlo con la gente que lo sigue y lo admira, y lo convencieron de editarlo, pero Brian impuso su decisión de no hacerle ningún retoque a la grabación y la mezcla no tuvo arreglos de ningún tipo. Fue algo fresco, espontáneo y Brian lo calificó como el recuerdo grabado de un momento único, y de esta manera, fue lanzado el 24 de octubre de 1983 bajo la forma de un mini LP con el título “STAR FLEET PROJECT” por BRIAN MAY & FRIENDS y se convirtió en un item de colección para guitarristas en el mundo, y también para los fans de QUEEN y Brian. Aunque lamentablemente, en cuestión de charts, el album llegó apenas al Nº 34 en UK y al Nº 125 en USA, según Billboard.

A nivel personal, debo decir que gracias a la revista "Funky Hits" de mi gran amigo Robin Nieva, tuve conocimiento en ese mismo año 1983 de la existencia de este proyecto solista de Brian May, pero como era de esperar en esa época, ni siquiera llegó a nuestro medio. Recuerdo haber escuchado la canción "Starfleet" en Radio Doble Nueve, pero ya cuando el tema estaba terminando, y era imposible poder formarme una opinión al respecto. Así pasó el tiempo y fue en 1985, cuando conversando con unos amigo en la Universidad, le escuché a un amigo Jorgito Gutiérrez -el popular "Huevito"-, hablar de este album y cuando le pregunté si lo había escuchado, me contestó que tenía ese mini LP, De inmediato se me pararon las antenas y le pregunté si le podía dar un cassette para que me grabe el album y Jorgito aceptó grabármelo de muy buena manera. Al día siguiente le entregué el cassette y dos días después, lo tenía de vuelta en mis manos y como solía hacer con algo nuevo que llegaba a mis manos, me encerré a escucharlo y al final, me quedé encantado con lo que había escuchado. ¡Que buenos duelos de guitarra entre Brian y Eddie Van Halen! Definitivamente no era un album con fines comerciales, eso estaba clarísimo, pero para los que somos fans de Brian, era un experimento super interesante y que mostraba la destreza de Brian con su Red Special y el virtuosismo de Eddie Van Halen. Es bueno también señalar que en el tema "Starfleet", Roger contribuyó también en los coros.

Y como suelo hacer con cada album, procederé a dar mi opinión sobre estos tres temas que conforman este mini LP. El primer tema fue "Star Fleet" y me pareció super bueno, y la versión del album es mucho más completa que el single, que está editado a 3 minutos. El intro es bien rítmico y luego viene la fuerza de la guitarra de Brian con un sonido bien agradable. La idea de esta canción provino del hijo mayor de Brian, Jimmy y Brian señaló: "Star Fleet es el tema musical de una serie de TV de ciencia ficción que se difundía en Inglaterra para niños de todas las edades. Imágenes japonesas y soundtrack británico, incluyendo música de Paul Bliss. Los héroes piloteaban vehículos espaciales, que se ensamblaban dentro de un robot gigante para batallas terrestres. Habiendo sido introducido en la serie por mi pequeño hijo, me volví igualmente obsesivo con la serie, y me formó la idea de hacer una versión hard rock del tema principal". El siguiente tema fue "Let Me Out", y en mi opinión personal, es mi tema favorito del album. un blues espectacular que originalmente era un tema antiguo que Brian escribió para QUEEN, pero que nunca vio la luz, y en donde se escuchan muy buenos solos de guitarra de Brian y Eddie. La guitarra en su máxima expresión. Y el último tema, "Blues Breaker" (Dedicated to Eric Clapton), que era el único tema del lado B, un tema instrumental de más de 15 minutos, y que fuera dedicada al maestro Eric Clapton, influencia de Brian. Este tema, al igual que "Let Me Out", fue más espontáneo que "Star Fleet", "y mostraba a ambos guitarrista divirtiéndose duro en las sesiones y cada uno mostrando el sonido distintivo de su guitarra.

Por último, durante mucho tiempo, este trabajo de Brian estuvo bajo la forma de LP, Pero en 1992, y pensando en los fans que hace tiempo quería escuchar este mini LP en CD, se lanzó en CD en dos formas. La primera fue como parte del CD single del tema ""Back to the Light" , y se lanzaron dos ediciones. En la primera se incluyeron los temas "Star Fleet" y "Let Me Out", y en la segunda, se incluyó "Blues Breaker". Y en 1993 fue relanzado como parte del CD single del tema "Resurrection", en edición japonesa y en dos CDs, en donde los temas de este album figuraron en los tracks 6, 7 y 8 del CD. Y recuerdo que tuve la suerte de que un amigo escocés me mandara este CD doble japonés, a las pocas semanas de su lanzamiento.

Sin duda, este no fue propiamente un album solista de Brian May. Fue el resultado de una aventura musical, cuyo principal propósito era pasarla bien en el estudio entre un grupo de amigos. No es un album porque apenas tiene 3 temas, y tampoco es de Brian, porque el crédito figura atribuido a Brian May & Friends. Pero, lo que vio la luz fue un producto muy interesante y con mucha inspiración instrumental por la destreza de dos guitarristas que forman parte de la historia del rock. Y esto sucedió hace ya 25 años.

ELECTRIC FIRE: UN BUEN SONIDO ELECTRONICO

Luego del exitoso album “HAPPINESS?” de Roger en 1994, vino al año siguiente el lanzamiento del esperado album “MADE IN HEAVEN”, cuyo éxito duró hasta parte del año 1996. Para fines de 1997 salió la recopilación “QUEEN ROCKS” y cuando llegó 1998, se sabía la información que tanto Brian como Roger lanzarían sus nuevos trabajos solistas, cada uno por su lado. Ya había quedado atrás la aventura de THE CROSS y Roger volvía con un album luego de 4 años. Brian lanzó su album “ANOTHER WORLD” -el cual fue objeto de un post el año pasado- y para setiembre de 1998, Roger editó su cuarto album solista llamado “ELECTRIC FIRE”. Luego de un extraordinario album como lo fue el “HAPPINESS?”, la expectativa que tenía era enorme. Y recuerdo que apenas supe de su lanzamiento, con mi amigo Christian Rojas encargamos el CD de dicho album y quedamos en escucharlo en una reunión en su casa. Pasaron los días y finalmente le llegó el CD a Christian y ese fin de semana nos reunimos procedimos a escucharlo. Y luego de escucharlo, por un lado, me pareció un buen album, con buenas canciones y dentro del estilo característico que Roger desarrolla en sus trabajos solistas. Pero por otro lado, era inevitable la comparación con el “HAPPINESS?” y allí este album “ELECTRIC FIRE” salía perdiendo, porque no llegaba a la altura de su predecesora. Repito, no es un mal álbum, ni nada por el estilo, pero la valla dejada por el “HAPPINESS?” era bastante alta para superar. Si hubiera sido a la inversa, esto es, que el "ELECTRIC FIRE" se hubiese creado primero, hubiera sido una mejora en comparación con el "STRANGE FRONTIER" y sobre todo, el preludio a su obra maestra, "HAPPINESS?". Pero, cuando se lanza una obra maestra, normalmente se rompe el molde y si el siguiente album intenta seguir la misma línea -como sucedió en este caso-, no se vuelve a repetir el plato y siempre es ineludible hacer las comparaciones del caso. Y algo que me sacó del cuadro totalmente fue ver la carátula del album. Roger siempre se caracterizó por ser el miembro de QUEEN con mejor pinta y jale con el público femenino. En 1998 Roger ya tenía 49 años, pero en la carátula Roger aparece con una foto que no lo favorece en lo absoluto y la barba lo envejece más y parece alguien que pasó de lejos los 50 años. Y su mirada pareciera decir "Tamare, voy a cumplir 50". Recuerdo esa noche que escuchamos el CD en casa de Christian, varios amigos nos juntamos en esa ocasión y a todos le pregunté -tapando el nombre en el CD-, si reconocía al de la foto, y nadie -excepto Ivon- reconoció a Roger.

El album fue grabado en el Cosford Mill Studios (Surrey) y fue producido por Joshua J. Macrae y Roger Taylor. Fue lanzado en UK en setiembre de 1998, pero apenas llegó al Nº 53 en UK y permaneció solo una semana en los charts británicos. Y sus singles fueron “Pressure On”, que llegó a Nº 45 en UK y “Surrender” que llegó al Nº 38. Comparado con lo que había logrado en 1994, este representaba un fracaso comercial para Roger –algo que también le sucedió a Brian con su album “ANOTHER WORLD”. Roger realizó una nueva gira promocional por el Reino Unido, incluido el concierto “Live At The Cyberbarn”, transmitido por internet desde su casa en Surrey, el que batió el récord Guiness para un concierto en directo por internet, superando los 500.000 internautas. Todos los temas fueron escritos por Roger, a excepción de un tema escrito en coautoría con Nicholas Evans y la inclusión de cover del clásico de John Lennon, “Working Class Hero”.

Ahora, como ya es costumbre, toca hacer el análisis del album, tema por tema. El album arranca con el que a mi criterio es de lejos, el mejor tema, "Pressure On". Muy buen ritmo, buena letra y sobre todo, Roger cantando como lo sabe hacer: con feeling y en su típico estilo. Fácil hubiera podido estar incluido en el "HAPPINESS?". A continuación sigue empalmado, "Nation Of Haircuts", un tema con un comienzo electrónico pero que luego con un riff rockero, le pone su estilo característico, aunque en este tema, Roger comienza a hacer algo que desarrolla de manera más marcada en este album, canta con voz digitalizada en varios pasajes del tema.

Luego para calmar el ritmo rockero, viene la balada "Believe In Yourself", con letras introspectivas y dentro de la línea de algunas canciones de su anterior album. Muy bonito tema. Sigue la canción "Surrender", un simpático tema, que cuenta con la voz de Treana Morris y con un ritmo bien elaborado. Luego viene "People On Streets", con un intro medio árabe y donde Roger sigue con la voz digital en las estrofas de la canción. El siguiente tema, The Whisperers" es coescrito por Roger y Nicholas Evans, con un intro instrumental que hace recordar a "Touch The Sky", y que luego aumenta un poco su ritmo, a un nivel pausado, pero coherente.

Viene después "Is It Me", que comienza como una balada con feeling, pero que después cambia de ritmo con bastante sonido electrónico -como en "Nation Of Haircuts"-, pero con coros interesantes. Pero el ritmo cambia totalmente con el rockerazo tema "No More Fun" -que lo veo como una especie de antecesor a "Surf's Up, School's Out"-, con bastante rock and roll y harta adrenalina. Me gusta mucho esta canción. El ritmo vuelve a cambiar con la suave balada acústica "Tonight", una canción agradable de escuchar y sigue el mismo estilo con la canción "Where Are You Now" -al estilo de "Old Friends"-, como quizás aludiendo a Freddie o aquellas personas que quisiéramos saber donde se encuentran tras haberse ido. Me gusta mucho esl sonido del piano en este tema, Y posteriormente viene el cover del clásico de John Lennon, "Working Class Hero", un tema muy interpretado por Roger y cantado en su estilo y sin desvirtuar la canción, dándole quizás un sonido algo más moderno. Y para terminar el album, "London Town - C'Mon Down", una mezcla de ritmos, por momentos, medio bailables al estilo de "Cowboys And Indians", por otros momentos, con riffs rockeros y solos de guitarra con fondos a base de sintetizador, como pretendiendo dar un sonido de las calles de Londres y finalmente terminar con Roger gritando a voz en cuello "one night stand".

Ahora que he vuelto a escuchar el album en su totalidad y con detenimiento, realmente considero que no es un album de mediano nivel para abajo. Es bastante versátil y bien elaborado, como normalmente Roger suele hacer en sus producciones solistas. Solo que Roger quiso repetir la fórmula de su trabajo anterior, y dándole sonidos un poco más electrónicos y a veces, abusando de la voz digitalizada. Pero, en mi opinión, ello no enerva la calidad de este trabajo, que no deja de ser interesante. Y hasta el momento, este ha sido el último album en estudio lanzado por Roger, hace ya 12 años, y por eso, tiene su relevancia. Ya los fans sabemos que el año pasado lanzó un single llamado "The Unblinking Eye", un muy buen tema, que será objeto de un post más adelante, y que en su momento se anunció como un adelanto de su próximo album solista, pero hasta la fecha no hay noticias sobre un posible y próximo lanzamiento.

HAPPINESS?: LA OBRA MAESTRA DE ROGER TAYLOR

Este el post número 200 en el blog y es un motivo para sentirme satisfecho con el camino recorrido. Han pasado casi 15 meses desde la creación de "ROYAL TRILOGY" y hasta este instante el blog ya lleva 58,550 visitas y desde que puse la aplicación de Feedjit que me permite ver en tiempo real de que países provienen las visitas al blog, la hora y qué posts han visitado, pues mi satisfacción es mayor al ver que este modesto blogcito es leido en diferentes países del mundo, como Lituania, India y Japón, por mencionar solo unos cuantos nombres. Contar con sus visitas y sus siempre interesantes comentarios, me hace esmerarme cada vez má para que ustedes puedan pasar un momento grato al visitar el blog y leer los posts escritos. Y bueno, como sucedió en el post Número 100 cuando posteé sobre "A NIGHT AT THE OPERA", para esta ocasión he querido escribir un post que esté a la altura de este importante número 200, y he querido hacerlo sobre lo que en mi opinión es la obra maestra de Roger Taylor, y uno de mis albums favoritos hechos por un solista de QUEEN: "HAPPINESS?".

Luego de la disolución de THE CROSS, Roger comenzó a pensar en elaborar un nuevo album solista. Ya habían pasado varios años desde su buen album "STRANGE FRONTIER" en 1984 y lo último que habíamos escuchado de Roger había sido en THE CROSS, con resultados disparejos. Para comienzos de 1993, Roger empezó a trabajar en un nuevo album, pero a paso bastante lento. Recordemos que para ese año 93, el fan de QUEEN esperaba noticias sobre el comentado album póstumo con temas grabados con Freddie. Para mediados de ese 93, Roger inició contacto con un renombrado músico japonés llamado Yoshiki Hayashi, baterista y pianista de un grupo japonés llamado "X" y como resultado de ese acercamiento musical, nació una canción llamada "Foreign Sand", y se especuló sobre la posibilidad de que ambos pudieran grabar un album, pero nada de eso se concretó en 1993. Al entrar a 1994, en los magazines del QUEEN Fan Club, al cual estaba suscrito en ese momento, ya más bien se hablaba de un nuevo album solista de Roger, el cual iba a lanzarse a mediados de 1994, 10 años después de su anterior album. Y en ese album, iba a estar incluida el tema compuesto por Roger y Yoshiki y la edición japonesa del album una nueva versión del tema de The Cross, "Final Destination", esta vez por Roger y Yoshiki, en vez del tema "Dear Mr. Murdoch". En lo personal, voy a ser sincero, más interés tenía en ese momento en un regreso de Brian a Sudamérica tras su performance en el 92, o en esperar noticias sobre el próximo album póstumo de QUEEN, que en entusiasmarme en conseguir el nuevo album solista de Roger, el cual ya en algún momento lo conseguiría gracias a algún pen-pal europeo. Y asimismo, pensaba "por qué Roger se ha metido con este japonés?" y no generó en mí un interés inmediato. El album salió a la venta en UK el 20 de Junio y el 5 de setiembre en Europa. Pero por los magazines del QUEEN Fan Club supe que el primer single había sido un tema llamado "Nazis 1994", el cual llegó a padecer un cierto tipo de "censura" pero por miedo, ya que la canción no fue publicitada ni tocada en las radios británicas, ni en la TV británica, ni tampoco en las tiendas de discos porque se rehusaban a ponerlas en exhibición por temor a represalias de estos apestosos grupos neonazis. Los únicos dos lugares donde tuvo buena difusión radial fueron Holanda y Bélgica, aunque no se vendió el single en Holanda. Toda esta atmósfera comenzó a generarme interés en conseguirme ese album de Roger y para octubre de 1994 le pedí a una amiga francesa que me lo grabara en cassette. Y recuerdo que el viernes 28 de octubre de 1994 me llegó por correo un sobre con el cassette con el album "HAPPINESS?" grabado. Pero justo tuve que esperar y no escucharlo de inmediato, porque ese último fin de semana de octubre estuvo cargado de compromisos. El viernes 28 se casaba mi gran amigo del alma, Hectitor de la Fuente y con recepción incluida. Al día siguiente, otro gran amigo mío, de quien no sé nada en años de años, Lalito Ocaña, se casaba al mediodía en Huaura y la recepción era un Huacho, y en la noche, tenía el cumpleaños de otro buen amigo, Pachito. Llegué al domingo con deseos de no moverme de mi casa y descansar de lo más rico y fue la ocasión perfecta para sentarme a escuchar este album nuevo de Roger. No tenía la expectativa que tuve cuando escuché el "BACK TO THE LIGHT" de Brian, por ejemplo, pero ya lo tenía en mis manos y como solía hacer, me encerré en el escritorio para escucharlo, sin que nada ni nadie me molestase. Y tras escucharlo completo, debo confesar que me quedé embobado e impresionado con lo que había hecho Roger. Era una maravilla de album y en donde todas las canciones eran muy buenas. Y de lejos, era lo mejor que Roger había creado musicalmente hablando. Y mi emoción llegó al punto máximo cuando escuché "Foreign Sand". Era una canción fabulosa y bellísima, con arreglos maravillosos y con Roger cantando en notas altísimas como nunca lo había escuchado. No podía creer lo que mis oídos habían escuchado. Y como muestra del efecto que había causado en mí, ese día escuché este album dos veces más, y "Foreign Sand" la escuché 5 veces. Roger Taylor había demostrado lo que era capaz de crear y nos había regalado una maravilla de album. Todos los temas fueron compuestos por Roger, a excepción de "Foreign Sand" que fue coescrito por Roger y Yoshiki, El album fue producido por Roger y Joshua J. Macrae, el diseño fue hecho por Roger Taylor y Richard Gray y el album fue dedicado "to the tasmanian tiger - thylacinus cynocephalus, but most especially... for Freddie". Y el album llegó al Nº 22 en UK.

Ahora, como siempre suelo hacer, haré un análisis sobre este album, tema por tema. Y el primer tema, que se encargó de abrir este album fue precisamente "Nazis 1994", el tema vetado en UK y Europa por miedo. Desde el comienzo me gustó la canción, tanto por su ritmo, como por su letra directa, ácida y sin rodeos. Sinceramente había que tener los cojones bien puestos, para mandarse con una canción así. Y es que ante la desfachatez que tienen estos malditos malnacidos de los nazis de negar y decir que el holocausto nunca ocurrió, había que hacerle acordar a la gente lo que siempre sucedió. Y el video de la canción -el cual ví en Canal 9 en el programa argentino "Pepsi Rock & Pop"- se burla sin diplomacia del miserable de Hitler y toda su manada de borregos nazis que lo seguían. Repito, excelente comienzo para el album porque fue una formidable patada en el ass a los apestosos nazis. Y la siguiente canción, "Happiness" que le daba título al album, era sencillamente soberbia, tanto en melodía como en su muy profunda y excelente letra. Que buena composición, de verdad y la única crítica que podría haberle hecho es haber sido un poco corta de duración y que no haya durado más. A continuación vino "Revelations", otro tema impecable y a esas alturas ya me decía a mi mismo cuando escuchaba el album. hasta aquí ya es un muy buen album. Pero había mucho más por venir.

Y la canción que vino me sacudió cuando la escuché: "Touch The Sky", espectacular tema, cuyo intro es soberbio y alucinante, con las risas de los niños y luego el cambio de ritmo, al estilo característico de Roger en sus mejores momentos. Pero había más. Y la siguiente canción llenó mi alma y mi corazón y se ganó mi total respeto el músico Yoshiki: "Foreign Sand". una obra maestra, lo mejor del album, y fue como la "Rapsodia Bohemia" de Roger. Que tema tan bien estructurado y tan rico a nivel musical. Un intro soberbio y Roger cantando como nunca. El piano de Yoshiki le da una sensación sublime de paz y goce y su batería la da un realce y espectacularidad a la canción. Y su letra es hermosísima y faltando poco para el final de la canción, Roger eleva su voz a unas notas altas como nunca lo había hecho y lo hace con harta emoción y feeling que sinceramente contagia al oyente. Me estremece cada vez que escucho esta canción. Y para seguir con la magia, "Freedom Train", una canción con un buen ritmo y un final soberbio.

Para darle un toque de calma, vino "You Had To Be There", una muy agradable balada con el estribillo hablado que le da títuloa la canción. Y la canción que siguió es una de mis favoritas del album y que en mi criterio, mereció ser single: "The Key", con una muy buena base rítmica. "Everybody Hurts Sometimes" y "Loneliness..." continuaron con una letra bien directa y dentro del estilo de Roger de sus dos previos albums.

La siguiente canción, "Dear Mr. Murdoch" es soberbia y es una crítica ácida a los medios de comunicación senasacionalistas británicos, y en algunas ocasiones, Roger señaló que era su tema favorito del album. Y para finalizar el album, el broche de oro perfecto, la cereza encima de la torta: "Old Friends", una canción que tiene todo el corte y ritmo pausado de "These Are The Days Of Our Lives" y que cuenta con la participación de mi linda amiga Catherine Porter en los coros. El tema es un claro tributo a Freddie y eso es innegable y habiéndole dedicado el album, no podía ser de otra manera sino creando una hermosísima canción en homenaje a su gran amigo.

Con este album, Roger se graduó de genio con todos los honores. "HAPPINESS?" me parece una joya musical de principio a fin, es el mejor trabajo elaborado por Roger en su carrera solista, y sus letras son mucho más profundas. Junto con el "BACK TO THE LIGHT" de BRIAN, son los albums que mas me gustan en las facetas solistas. Es de lo mejor que ROGER ha hecho y fácilmente, algunos temas hubieran podido pasar como temas de QUEEN. Creo que después de este album, Roger no superó ese elevadísimo nivel con el "ELECTRIC FIRE" -el cual me gustó bastante también y que será objeto de un post el próximo mes. En este trabajo musical, se notó a un Roger Taylor mucho más maduro tanto como compositor y también como cantante -las notas altas que alcanza en "Foreign Sand" son espectaculares- y creo que ello también fue de mucha utilidad para cuando al año siguiente QUEEN terminó de grabar el "MADE IN HEAVEN". Todo esto constituye una muestra de la mas brillante inspiración de ROGER, y que en mi opinión, supera a sus 2 albums previos, FUN IN SPACE (1981) y STRANGE FRONTIER (1984) -que son de buena factura-, y que 16 años después, este album sigue siendo una verdadera delicia de escuchar para mí y nunca dejará de gustarme y sorprenderme.

BLUE ROCK: EL ULTIMO ACTO

Hoy 26 de Julio, está cumpliendo 61 años, ROGER TAYLOR. El año pasado le dedicamos un post por su cumpleaños y aquí tienen el link: http://royaltrilogy.blogspot.com/2009/07/felices-60-anos-roger-taylor.html , quien desee leer dicho post, nunca es tarde para hacerlo. Y queremos recordarlo en el blog con este post dedicado al 3º y último album de THE CROSS, "BLUE ROCK", con el que se puso punto final a la breve trayectoria de este grupo formado por Roger.

1991. QUEEN había lanzado el apoteósico album “INNUENDO”, el cual tuvo bastante éxito en UK y Europa. Pero al igual que lo sucedió con el lanzamiento del album “THE MIRACLE” en 1989, la banda decidió no realizar ninguna gira para promocionar dicho album y solamente Brian y Roger fueron los únicos que hicieron la labor de promocionar dcho album con entrevistas y notas, tanto en Europa como en USA. Adicionalmente, también en ese año comenzaron a emerger con fuerza los rumores sobre el estado de salud de Freddie Mercury. Fue en ese contexto, cuando los esfuerzos de Roger Taylor estaban concentrados en QUEEN y en el album “INNUENDO”, que los miembros de THE CROSS tuvieron la oportunidad de comenzar la preparación de su tercer album y tomar el control sobre este próximo proyecto, el cual fue grabado entre febrero y agosto de 1991 en el Real World Studios y fue producido por Mark Wallis. Y quien más contribuyó en este disco fue Spike Edney, con 3 canciones y colaboró en coautoría con cuatro temas más. Como los dos albums anteriores habían sido un fracaso en UK, tanto en ventas como en charts, finalmente la EMI Records rechazó lanzar un tercer album de la banda en UK y se le cerraron las puertas a THE CROSS en el Reino Unido. Sin embargo, como el grupo había tenido un moderado y pequeño éxito en Alemania, la filial de la EMI en Alemania, EMI Electrola decidió lanzar este tercer album llamado “BLUE ROCK” el 9 de setiembre de 1991 en Alemania y adicionalmente en Japón, y a través de copias de promoción en Italia –solo en vinilo- y Francia –solo en cassette. No obstante mantener el mismo estilo musical rockero del album anterior, como era previsible, el album siguió la línea decreciente en ventas de sus antecesores y tuvo un muy bajo nivel de ventas, convirtiéndose en otro fracaso más para la banda. De una u otra forma, esto contribuyó a la separación de la banda en 1993.

En lo personal, al igual que el album anterior, tuve conocimiento de la salida de este album por medio del QUEEN Fan Club, al cual estaba suscrito desde 1986, y tuve la suerte de que una amiga francesa me grabara en cassette dicho album. Como me había gustado bastante el segundo album, me generó interés en saber cómo sería ese tercer album y me dispuse a escucharlo con detenimiento. Y debo confesar que luego de terminar de oirlo, me gustó el album, pero menos que el anterior. Al menos no era como el aberrante pimer album, y eso ya era algo positivo. Y como ya es costumbre, haré un breve recorrido del album, tema por tema. Y como en el segundo album, el tema que abría el album era composición de todos los miembros de la banda, "Bad Attitude", y con un estilo bastante rockero. Luego vino el que fue elegido como single del album, tema de Roger, “New Dark Ages”, un tema bastante simpático para mi punto de vista, con un toque moderno y ligero y en estilo característico de Roger. Los siguientes dos temas fueron escritos por Spike Edney. “Dirty Mind”, un rock con fuerza, aunque algo monótono y "Baby It's Alright", una balada bastante agradable con el feeling que Roger siempre le pone. Y siguió un tema de Clayton Moss, rítmico y agradable, "Ain't Put Nothin' Down".

A continuación, otro tema de Roger, “The Also Rans”, un tema rítmico, suave y agradable de escuchar. De allí, un tema en coautoría de Moss, Edney, Noone y Macrae, “Millonaire”, dentro del estilo rockero con riffs similares a los del segundo album. Y el rock continúa con "Put it All Down to Love", composición de Spike y mantiene la línea musical predominante del album.

Y luego vino la que en mi opinión personal, es el mejor tema del album, “Hand Of Fools”, coautoría de Spike Edney y Peter Noone. Una muy buena canción con una impecable instrumentación y melodía y muy bien interpretado por Roger. Y para finalizar, otro tema en coautoría de Moss, Noone, Edney y Macrae, “Life Changes”, una buena manera de cerrar el album. Y hay incluso un tema que no figuró en el album, pero que fue lado B de “Life Changes”, llamado “Heartland” y que a mí me gustó bastante, composición de Peter Noone y cantado por Roger y Peter.

Finalmente, THE CROSS se separó en 1993, luego de tocar su último show. Roger siguió trabajando en el “MADE IN HEAVEN” de QUEEN, y lanzó dos albums solistas más y el único miembro de THE CROSS que estuvo estrechamente ligado a QUEEN fue Spike Edney, quien también formó parte de la alianza “QUEEN + PAUL RODGERS” en vivo, desde el 2005 al 2008. En cuanto a THE CROSS, al ser concebido por Roger como un grupo con el cual podía salir de giras y hacer albums cuando no estaba involucrado con QUEEN, desde el saque no tenía fines serios o pretendían hacer historia en el mundo de la música, arrasar en las ventas o apoderarse de los primeros lugares en los charts mundiales. Solo el afan de divertirse y tocar música. Pero, tras los dos albums solistas de Roger, los cuales tuvieron un cierto grado de aceptación por parte de los fans, en mi opinión muy personal, creo que lo que mató a THE CROSS fue su album debut, porque se esperaba algo mucho mejor y totalmente diferente al pobrísimo nivel que tuvo. Como que en ese album, Roger agotó todo su crédito para THE CROSS, y por más que en sus siguientes dos trabajos, dieran una vuelta de timón y se alinearan a un estilo de rock hasta cierto punto duro en algunos temas, ello no disuadió ni a los fans ni a la disquera y fueron derechito al abismo. Debe haber sido duro para Roger ver que la EMI en UK le cerraba las puertas a este album ”BLUE ROCK”, por las pobrísimas ventas de los dos albums previos. Al menos, dentro de todo, Roger pudo estar en actividad y de una forma u otra, todo ello sirvió también para mejorar y perfeccionar su estilo para su obra maestra “HAPPINESS?” en 1994 y sobre todo, para sus contribuciones en el album póstumo “MADE IN HEAVEN”. Pero en lo personal, considero que lo bueno fue que se pudieron descubrir algunas canciones interesantes a lo largo de estos tres albums de THE CROSS y comprobar que cuando Roger quería rockear, sabía cómo hacerlo.

Desde este blog, le deseamos a Roger todo tipo de felicidades en su día y que Dios le de muchos años más de vida y salud y que nos siga regalando su talento tanto para componer, como para cantar y tocar.

¡¡FELICES 61 AÑOS ROGER!!

MAD, BAD AND DANGEROUS TO KNOW: HUELLA ROCKERA

Luego de haber lanzado su primer album en 1988, el cual fracasó estrepitosamente, THE CROSS siguió realizando presentaciones en vivo, mientras el tiempo dedicado a QUEEN le permitiera a Roger Taylor. Para 1989, vino el album de QUEEN, “THE MIRACLE” y QUEEN decidió no realizar tour alguno para promocionar dicho album y ello posibilitó a Roger a unirse a THE CROSS para seguir haciendo shows en vivo y comenzar a la grabación de su siguiente album. Luego de la decepción que sentí tras escuchar el primer album “SHOVE IT”, sinceramente cuando supe por medio de los magazines del QUEEN Fan Club -al cual estaba suscrito desde 1986- del lanzamiento del segundo album de THE CROSS, denominado “MAD, BAD AND DANGEROUS TO KNOW”, mi primera e instantánea reacción fue “¿Y?”. No me iba a tomar la molestia de esforzarme para que algún pen pal de USA o Europa me mandara grabado en cassette dicho album y mucho menos, iba a gastar centavo alguno para comprarlo. En mi interior pensaba, “si el primer album fue un abierto coqueteo funky y con elementos de rap, ¿Qué vendría en el siguiente album? ¿Salsa?”. Pero, así como sucedió con QUEEN en el album “THE WORKS”, tras la tremenda patinada que tuvieron con “HOT SPACE”, THE CROSS quiso borrar la mala imagen dejada con su album debut. Y fue recién en el último trimestre de 1990 que un pen pal de USA entre varias cosas que me grabó en VHS, me incluyó el video clip de “Power To Love”, que era el single del 2º album de THE CROSS y me gustó el estilo rockero duro de dicha canción, con cierta remembering al tema de Roger, “The Loser In The End”. Ello, me hizo pensar que de repente el album podría ir por esa línea musical. Y para los primeros meses de 1991, este mismo amigo me mandó grabado en cassette el album “MAD, BAD AND DANGEROUS TO KNOW” y recuerdo cuando lo tuve en mis manos me dije, “Aquí muere definitivamente THE CROSS para mí o resurge”. Y me encerré en mi cuarto para escuchar dicho cassette y al terminar de hacerlo, me quedé muy gratamente sorprendido. Roger y la banda se habían lavado la cara con este album.

Grabado entre los meses de setiembre y noviembre de 1989 en Mountain Studios, en Mountreux, Suiza, fue producido por la banda y por Justin Shirley Smith y fue lanzado en UK y Europa el 26 de marzo de 1990. Con este album, a diferencia de lo que hicieron en el primero, la banda decidió abandonar las influencias bailables y funkys y crearon un album de rock directo y con fuerza. Y fue además el primer album de la banda en donde cada miembro contribuyó con temas de su autoría –a diferencia del primer album en el que todos los temas fueron escritos por Roger. Roger contribuyó solo con dos temas porque en esos momentos se hallaba muy ocupado promocionando el lanzamiento del album “THE MIRACLE” de QUEEN. E incluso, en uno de los tracks, uno de los miembros de la banda, Clayton Moss cantó en la voz principal. No obstante el cambio radical de estilo de la banda para este segundo album, el album tuvo un muy pobre nivel de ventas y ni el single ni elalbum rankearon en los charts británicos, razón por la cual, EMI Records decidió prescindir de THE CROSS y la banda se quedó sin sello discográfico en UK. En Alemania, ellos lanzaron un limitado box set –fueron hechos solo 50- que contenía un CD single, un video, stickers e información de prensa.

Analizando el album, tema por tema, debo decir que de arranque nomás con la primera canción se sintió el cambio de estilo en el grupo. “Top Of The World Ma” reflejaba rock and roll a todo meter y fue un tema compuesto por todos los miembros de la banda. A continuación, la que para mí fue una de las gratas sorpresas del album. Composición de Peter Noone, vino un tema llamado “Liar” –que no tenía nada que ver con el tema de QUEEN de 1973-, y me gustó muchísimo su estilo. Luego vino “Closer To You”, tema de Spike Edney y que mantenía un aceptable nivel y siguió “Breakdown”, otro buen tema de Noone. Y para no olvidarnos que estábamos ante un album netamente rockero, vino “Penetration Guru”, con harta fuerza. Y para cerrar el lado A, el single “Power To Love”, una canción con guiños a “The Loser In The End” y cuyo video era un bacanal total. Hasta allí, un lado A con full rock y mostrando a la banda como hubiéramos querido escucharla en su anterior album.

Y para reforzar esa opinion, comenzando el lado B, uno de mis temas favoritos del album “Sister Blue” y nuevamente bajo la autoría de Meter Noone, un tema muy rockero, rítmico, moderno y fresco. Y para los que tenían la version en CD, vino un cover del clásico tema de Jimi Hendrix, “Foxy Lady”, muy bien ejecutado. Posteriormente vinieron dos canciones que encajaban bien en el album, “Better Things” y Passion For Trash”. Y finalmente, para cerrar el album, dos composiciones de Roger, “Old Men (Lay Down)” y “Final Destination”. En lo personal, me gustó este último tema, el cual cerraba dignamente un album bastante interesante y con un común denominador bastante rockero.

Con este segundo album, THE CROSS demostró que podía crear cosas interesantes y dentro de una línea rockera. Y sobre todo, la banda demostró que no dependía únicamente de Roger Taylor, ni que tampoco se trataba de Roger y su banda de apoyo. Y como bien señalé líneas arriba, me sorprendieron gratamente las composiciones de Peter Noone, que fueron los temas que más me gustaron de este album. Lamentablemente, ello no vino acompañado de alguna presencia comercial en ventas o charts y ello marcó la pauta para lo que luego sería el tercer y último album del grupo en 1991. Pero en mi opinión personal, este segundo album de THE CROSS queda como una propuesta musical aceptable y cuyo estilo musical fue la antítesis de lo que fue el primer album "SHOVE IT", dejando bien en claro que lo suyo era el rock y no los experimentos bailables que me imagino que introdujeron en el primer album a manera de relajo y hasta en un plan joda.