TRAVELING WILBURYS, VOL. 1: UNA MARAVILLA MUSICAL

Hoy, 18 de Octubre, se cumplen 36 años del lanzamiento de uno de los mejores álbumes de la década del 80: “TRAVELING WILBURYS, VOL. 1”, que significó el debut de un supergrupo generado por el encuentro único de cinco leyendas de la historia de la música: George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne. Cinco músicos con historia y una trayectoria musical exitosa en su haber y que solamente en una fantasía o un sueño, uno podía imaginarse verlos juntos. Pero la gran amistad que los unía y las circunstancias se alinearon para brindarnos un momento irrepetible en la música y crear música de la buena, para goce y disfrute de quienes apreciamos la buena música. Recuerdo que en ese año 1988, estaba fresco el gran éxito que había tenido George Harrison en su regreso triunfal a la música con su fabuloso álbum “CLOUD NINE”, y se sabía que Jeff Lynne le había producido su álbum y se habían hecho bien amigos. Y recuerdo que un sábado de noviembre de 1988, estaba viendo un programa musical y en eso veo un video en donde comienza cantando George Harrison y era un tema que no había escuchado, y me pareció bastante bueno. Luego al rato, se ve la presencia de Tom Petty, Bob Dylan y Jeff Lynne y después, Roy Orbison canta la parte del coro del tema, y en ese momento me quedé totalmente impresionado de ver a tantos monstruos de la música juntos. Era algo increíble, y muchas preguntas me hacía a mí mismo, “¿Qué es esto?”, “¿Es un nuevo grupo?” , “¿Cómo así se han juntado?”, etc, etc, etc. Poco después, tuve conocimiento de esta unión de genios y del álbum que habían lanzado y sobre la marcha, hice todo lo necesario para conseguirme ese álbum, y tuve la suerte que un amigo me prestó un cassette grabado con dicho álbum, y realmente quedé totalmente impresionado y maravillado con esa joya de álbum. De lejos, era lo mejor de ese año 1988 y hasta uno de los mejores cinco álbumes de la década del 80. Y por supuesto, lo grabé de inmediato todo el álbum para escucharlo cuantas veces quisiera.

La pregunta de rigor es cómo así se llegó a esa hermosa realidad. El hecho es que en abril de 1988, George Harrison se encontraba en Los Angeles, California, y necesitaba grabar un tema como lado B de un single de 12” para ser lanzado en Europa. En ese momento, Jeff Lynne también se hallaba en Los Angeles produciendo algunos tracks para Roy Orbison, como para el primer álbum solista de Tom Petty. Mientras cenaba con Jeff y Roy, George les contó cuánto necesitaba grabar un nuevo track y quería hacerlo al día siguiente. Tanto Roy como Jeff se ofrecieron en ayudarlo. Como necesitaban un estudio de inmediato, George sugirió que llamasen a Bob Dylan, quien tenía un estudio en su casa. Luego de la cena, George se detuvo en la casa de Tom Petty para recoger su guitarra para la sesión del día siguiente y también lo invitó. Al día siguiente, en la casa de Malibú de Bob, ellos escribieron y grabaron la canción “Handle With Care” en cinco horas, con los cinco compartiendo las voces. Tras grabarlo, el tema fue considerado tan bueno como para ser destinado a ser un simple lado B, así que George sugirió la idea de formar un grupo y grabar otras nueve canciones más y así poder completar un álbum. El grupo se volvió a juntar por nueve días en Mayo, y grabaron la base de los tracks y las partes vocales en el estudio de Dave Stewart en Los Angeles. La mezcla se hizo en Inglaterra en el estudio que tenía George en su casa en Inglaterra, llamado Friar Park Studio, Henley-on-Thames o FPSHOT. 

Una de las características que le dio bastante originalidad al álbum fue que ninguno de los cinco apareció con su verdadero nombre en el álbum, ni en las notas dentro del álbum, ni en los créditos autorales. Figurando como los hermanos Wilbury, cada uno tuvo un seudónimo y los Wilbury fueron: Nelson (George Harrison), Otis (Jeff Lynne), Lucky (Bob Dylan), Lefty (Roy Orbison) y Charlie T. Jr. (Tom Petty). Una humorada bastante original y graciosa con la que estas cinco leyendas vivas de ese entonces, demostraban que hacían esto por divertirse y pasar un buen rato. Adicionalmente, contó con Jim Keltner en la batería, Jim Horn en el saxo y Ray Cooper en la percusión. El álbum fue producido por Otis y Nelson Wilbury, quienes eran Jeff Lynne y George Harrison en la vida real y todos los temas fueron escritos por los Traveling Wilburys. Como George tenía el mayor interés en la banda, él hizo que el grupo firma con Warner Bros. Records –sello de George-, e incorporó su propio sello Wilbury Records. El tracklisting quedó conformado de la siguiente manera:

Lado 1

"Handle with Care"

"Dirty World"

"Rattled"

"Last Night"

"Not Alone Any More"

Lado 2

"Congratulations"

"Heading for the Light"

"Margarita"

"Tweeter and the Monkey Man"

"End of the Line"

Aunque en los créditos figuraba que los temas habían sido escritos por los Traveling Wilburys, la verdad es que cada tema fue escrito principalmente por un miembro de la banda: George compuso "Handle with Care”, “Heading for the Light”, “End of the Line”; Bob Dylan escribió “Dirty World” –aunque todos contribuyeron en las divertidas líneas usadas para completar la línea “He loves your…”-, “Congratulations” y “Tweeter And The Monkey Man”; Tom Petty compuso “Last Night” y “Margarita”; y finalmente Jeff Lynne escribió “Rattled” y “Not Alone Anymore”. De esta forma, el álbum fue lanzado en USA el 18 de Octubre y el 24 de Octubre en USA y alcanzó un gran éxito en todo el mundo, vendiendo 2 millones de copias en USA y alcanzando Disco Triple Platino. El álbum llegó al N° 3 en USA, según Billboard,  y al N° 16 en UK. Además fue N° 1 en Australia, N° 2 en Nueva Zelanda, Noruega y Suecia, N° 3 en Austria, Canadá, N° 6 Suiza, N° 10 en Alemania, N° 33 en Holanda y N° 46 en Japón.

Era un debut exitoso para este grupo y cuando parecía que este álbum sería el punto de partida para una trayectoria exitosa, la fatalidad se interpuso en el camino de los Traveling Wilburys. El 6 de Diciembre de 1988, a no menos de dos meses del lanzamiento del álbum, el gran Roy Orbison falleció de un ataque al corazón, generando una gran pérdida para la música. Como un tributo a Roy, en el video clip de “End Of Line”, que fue filmado después de su muerte, en la parte del tema en donde se escucha la voz de Roy, se muestra una guitarra ubicada en una silla mecedora junto con una foto de Roy, en un momento emotivo y lleno de nostalgia, recordando al amigo ausente. En 1990, el álbum obtuvo un Grammy como Mejor Performance Rock de Dúo o Grupo y tuvo una nominación para “Album del Año”. 

Luego de la muerte de Orbison, los cuatro miembros restantes grabaron un segundo y último álbum en estudio, intencionalmente llamado “TRAVELING WILBURYS VOL. 3”, lanzado el 30 de Noviembre de 1990, y no tuvo el mismo éxito de su antecesor.  Pero quedó en el recuerdo ese primer gran álbum que hace un cuarto de siglo apareció en el firmamento musical y que fue creado por cinco grandes de la música que se juntaron, sin otras pretensiones que las de pasarla bien y crear buena música. Y por ello, no quise que esta fecha pasara desapercibida en el blog, dedicándole un post a este gran álbum, que 36 años después, sigue formando parte de mis preferencias musicales. Y para culminar este post, los dejo con el documental titulado “The True History of the Traveling Wilburys”, que figuró en el DVD “The Traveling Wilburys Collection”, como testimonio de un momento que quedará grabado por siempre en la historia de la música.  

17 DE OCTUBRE DE 1998: LOS BEE GEES EN ARGENTINA

Un 17 de Octubre de 1998, hace 26 años, los BEE GEES se presentaban por primera vez en un escenario en Sudamérica. Como se sabe, en 1997, el trío ofreció un concierto el 14 de Noviembre en el MGM Grand, en la Vegas, del cual salió un album, video y DVD, con el título "ONE NIGHT ONLY". La razón de dicho título fue porque en ese momento, la idea era que sería el último concierto del grupo, en donde hacía un recorrido por todas sus épocas, debido a que Barry tenía problemas serios de salud, relacionados con la artritis, que le hacía imposible actuar sobre un escenario durante más de dos horas. Pero tal fue la respuesta de la audiencia a dicho concierto, que ello obligó a rediseñar las cosas, y a pesar del dolor, Barry decidió continuar y aprovechar este nuevo interés por los Bee Gees. Pero definitivamente, por esos motivos de salud, no se podía llevar a cabo una larga y extensa gira mundial -que es lo que hubiera sido ideal-, y la única solución posible era limitar al máximo la cantidad de conciertos y hacerlos de manera muy espaciada. Y ello generó la idea del tour denominado "ONE NIGHT ONLY", en el cual los Gibb se presentarían en cada continente, pero a través de un solo show en un país determinado. Definitivamente, para los fans de todo el mundo no era la opción soñada de una gran gira mundial, pero era mejor que nada. De esta forma, un año después, en 1998, la gira arrancó en Europa con dos conciertos: el 29 de Agosto en el RDS Arena, en Dublín, Irlanda, y el 5 de Setiembre en el Wembley Stadium, en Inglaterra. Y el siguiente paso sería Sudamérica.

Recuerdo mucho en esa época, por el cable ya se sabía de esta idea y muchos nos preguntábamos qué país sería el elegido aquí en Sudamérica: Argentina o Brasil. Cualquiera de los dos habría sido una opción más que positiva y en lo personal, me inclinaba más por Brasil. Pero al final de lo que deben haber sido las negociaciones, el país afortunado y privilegiado de recibir a los Bee Gees en su tierra fue Argentina, y el concierto se llevaría a cabo en el conocido Estadio La Bombonera, en Buenos Aires, el 17 de Octubre de 1998. Sabiendo ya esta noticia, estoy seguro que muchos fans de los Bee Gees de diferentes países sudamericanos, como Brasil, Chile o el mismo Uruguay, deben haber cruzado las fronteras para no perderse esta única oportunidad de ver a los Bee Gees por primera vez en tierras sudamericanas. En lo que a mí respecta, en ese momento, por motivos económicos, era imposible pensar en hacerse todo un viaje para ir a verlos. Pero, lo bueno fue que en el canal de cable Telefé de Argentina, le dieron cobertura a este concierto y para beneplácito de los fans, anunciaron que el concierto iba a ser transmitido al día siguiente, el domingo 18, a las 7 pm. Por supuesto, que no iba a perderme esta oportunidad de ver ese concierto completo y no editado.

No pretendo hacer un recorrido detallado y exhaustivo del concierto, pero realmente fue espectacular y emocionante ver a los Gibb tocando en suelo sudamericano. El set list fue prácticamente el mismo del concierto de Las Vegas del año anterior, aunque con la incorporación de su mayor hit en los 80's: "You Win Again". Recuerdo que me fascinó el intro del concierto, en donde con las luces apagadas, se iba mostrando en la pantalla gigante ubicada en la parte de arriba y al centro, imágenes de todos los álbumes del trío y con un fondo musical que iba creciendo en intensidad, y cuando llegan al último album "Still Waters", se prenden las luces y los tres hermanos Gibb estaban ya en el escenario. Fue simplemente fabuloso y el arranque fue con "You Should Be Dancing". para luego empalmar con "Alone". la fiesta ya había comenzado y lo que vino a continuación en el concierto fue una mezcla de nostalgia, emociones y maravillosa música que formó parte de nuestras vidas. El público argentino estuvo enganchadazo, coreando a cada rato los típicos cánticos similares a un partido de fútbol. Y algo que me también me encantó fue la gran sencillez de los tres hermanos y su entrega hacia con el público. Fue memorable la ovación larga que Robin recibió tras cantar "Massachussetts" y sobre todo, "I Started A Joke", ante la cual, hasta con cierta timidez, Robin sonreía y agradecía al público. Fueron dos horas mágicas, que tuve la dicha y felicidad de verlas un día después del show y siempre recordaré mientras viva ese inolvidable concierto.

Después de este concierto, la gira seguiría el 28 de Noviembre en el Heartfelt Arena, en Pretoria, en Sudáfrica, y de allí culminaría el 20 de Marzo en el Western Springs Stadium, en Auckland, Nueva Zelanda, y el 27 de Marzo en el Olympic Park, en Sidney, Australia. Pero en el fan sudamericano, quedó siempre grabado este momento en el cual, pudimos por única vez a los hermanos Gibb en nuestro continente. Lamentablemente, esto ya no volvería a repetirse y la muerte de Maurice en el 2003 y la de Robin en el 2012, terminaron de sepultar cualquier esperanza de un retorno del trío a Sudamérica. Pero mientras tanto, hoy, recordamos los 26 años de un show único e irrepetible de los Bee Gees y para ello, compartimos algunos temas de ese memorable concierto en el presente post. 

 

JUSTIN HAYWARD: UN PROLIFICO COMPOSITOR

Hoy, 14 de Octubre, es un día especial para los que amamos la mágica música de los Moody Blues, porque está cumpliendo 78 años, el gran JUSTIN HAYWARD, vocalista y guitarrista de los Moodys, y además un extraordinario y prolífico compositor.  Y la ocasión es propicia para actualizar el post que le dediqué hace algunos años aquí en el blog, como realmente se lo merece este gran músico, el cual –me atrevo a decir- es uno de los más subvalorados en el mundo del rock. Además, en lo personal, es mi otro músico favorito de siempre, y siempre lo he admirado por su gran calidad como compositor y su gran sencillez y calidad humana como persona. Dentro de la vasta y prolongada trayectoria musical del grupo, Justin ha contribuido con maravillosas composiciones, además de tener también muy buen material como solista. Es más, solamente con un tema tan extraordinario como “Nights In White Satin”, Justin ya tiene ganado un sitial en la historia de la música, por tan hermosa melodía y sobre todo, por tan bella e inspirada letra. Con esa canción, Justin se graduó con todos los honores como compositor, pero lo mejor es que la obra musical de Justin va más allá de ello. Como siempre, este post no pretende ser 100 % biográfico ni estadístico -ya que ello implicaría dividir este post en dos o tres partes-, sino enfocarlo desde mi experiencia personal con alguna información básica e interesante, y más centrado en Justin que en los Moody Blues –los cuales ya tienen su post-, poniendo énfasis en su brillante carrera musical como solista -algo que también me atrevo a decir que es totalmente desconocido por el 95 % de quienes estén leyendo este post-, para que al menos, puedan conocer y descubrir un poco de su música.

A modo de información, Justin nació un 14 de Octubre de 1946, en Swindon, Wiltshire, UK. A la edad de 7 años, tomó algunas clases de piano y a los 9 aprendió a tocar el ukelele, pero al escuchar a Buddy Holly, ello contribuyó con su deseo de tener una guitarra, lo cual logró a los 10 años con la ayuda de sus padres. Cuando estaba en la escuela, Justin tocaba en clubes juveniles y pubs alrededor de Swindon, comenzando a fines de los 50’s con su grupo The Woodpeckers, luego con The Satellites, The Rebels Rock Group y finalmente, The Whispers y All Things Bright. A los 15 años, pudo adquirir una guitarra Gibson y un amplificador Vox, mientras tocaba con grupos locales en clubes y salones de baile, y tocando mayormente canciones de Buddy Holly. En una entrevista señaló: "Desde que escuché a Buddy Holly, me enfoqué en saber lo que quería. El es mi héroe de siempre". Entre sus influencias están Johnnie Ray, Elvis, Bobby Darin y Cliff Richard & The Shadows. En 1965, Justin contestó un aviso en “The Melody Maker” y fue parte del trío “The Wilde Three”, compuesto por Marty Wilde -padre de Kim Wilde- y su esposa Joyce. Fue Marty quien lo empujó a que escribiera sus propias canciones. En 1966, hace 50 años, luego de contestar otro aviso en “Melody Maker” –esta vez puesto por Eric Burdon-, Justin fue contactado por Mike Pinder de The Moody Blues, luego de que Burdon le pasara a Pinder la carta y los demos de Justin. Días después, en Setiembre de 1966, Justin ya reemplazaba al saliente vocalista y guitarrista del grupo, Denny Laine. Poco después entraría John Lodge como bajista y de esta forma, quedaría definitivamente conformado el quinteto y pasaron de ser un grupo que tocaba solamente temas con un sonido R & B, a una banda de rock progresivo e innovador.  Sin duda, la llegada de Justin y John le cambiaron la dirección musical del grupo, y junto con el uso del Mellotron, le dieron un sonido propio y exitoso. Al respecto, Justin dijo: “Mike y el Mellotron hicieron que mis canciones funcionaran”. Luego vendría el clásico “Nights In White Satin” y el álbum “DAYS OF FUTURE PASSED” en 1967, y el resto es historia.

Como mencionara en el post que dediqué a los MOODY BLUES, la razón por la cual me fascina tanto esta banda es porque todos sus miembros cantaban, componían y tocaban, y tenían la misma importancia dentro de la banda. No era el caso de una banda con un rock star y sus amigos o su grupo de apoyo. Y la importancia de Justin era grande, no sólo porque aportó temas muy bellos en cada álbum, sino que además contribuía con el sonido distintivo de la guitarra y también con los coros de apoyo en los temas, como elemento característico del sonido musical de los MOODY BLUES. En la primera etapa de los Moodys con Mike Pinder, Justin contribuyó con piezas claves en cada album, destacando: "Nights In White Satin" y "Tuesday Afternoon” del album “DAYS OF FUTURE PASSED”; “Voices In The Sky” y “The Actor” en “IN SEARCH OF THE LOST CHORD”;  "Lovely To See You”, “Never Comes The Day” y “Are You Sitting Comfortably” en “ON THE TRESHOLD OF A DREAM”; “Gipsy” y "Watching and Waiting” en “TO OUR CHILDREN’S CHILDREN’S CHILDREN”; “Question" en “A QUESTION OF BALANCE”, "The Story In Your Eyes” en “EVERY GOOD BOY DESERVES FAVOUR”; y “New Horizons” en “SEVENTH SOJOURN”.

Cuando la banda decidió tomarse un descanso sabático de seis años, tanto en lo que se refería a giras y sesiones de grabación, Justin se unió con John para crear el hermoso álbum llamado “BLUE JAYS” en 1975, por el cual salieron de gira por Inglaterra. Asimismo, en 1977, lanzó su primer y único álbum solista llamado “SONGWRITER”, sobre el que hablaremos después. Cuando el grupo regresó en 1978 con el álbum ”OCTAVE”, Justin pasó a adquirir mucho más protagonismo dentro de la banda, junto con John, y en dicho álbum contribuyó con los temas “Driftwood”, “Had To Fall In Love” y “The Day We Meet Again”. A partir de los 80’s, compuso el hit “The Voice”, “In My World” y “Meanwhile” en el “LONG DISTANCE VOYAGER”; y “Blue World” y “It's Cold Outside Of Your Heart” en “THE PRESENT”. A partir del album “THE OTHER SIDE OF LIFE” en 1986, Justin y John pasaron a constituir la fuerza conductora del grupo y sus composiciones, tanto invidividuales como conjuntas, predominaban en cada album, y destacó “Your Wildest Dreams” y “The Other Side Of Life” en “THE OTHER SIDE OF LIFE”; y “I Know You’re Out There Somewhere”, “No More Lies” y “Vintage Wine” en “SUR LA MER”. En la década del 90, destacaron sus temas “Say It With Love” del álbum “KEYS OF THE KINGDOM”; y “English Sunset”, "The Swallow" y “Foolish Love” en “STRANGE TIMES”. 

En el plano personal, Justin está casado con Ann Marie Guirron –a quien dedicó el tema “Marie”- desde el 19 de Diciembre de 1969, lo cual significa que van a cumplir 52 años de casados. Tienen una hija llamada Doremi Celeste, nacida en 1972. La pareja vive en el sur de Francia. Justin siempre ha manifestado lo importante que representa su familia para él, la cual es su roca, y es muy unido a su familia. Su comida favorita es el puré de papas mezclado con col, y su carro favorito es el Mercedes. Entre sus hobbies está el hacer ejercicio, cocinar, ver fútbol y montar a caballo. Le encanta estar en Gran Bretaña, Barbados y Francia y su ciudad favorita es Oxford. Su escritor favorito es Nigel Barley y su film favorito es “Dr. Strangelove” de Stanley Kubrick.  Su color favorito es el azul y amarillo. Y su tema favorito con los Moodies es “I Know You’re Out There Somewhere” y a nivel solista, su canción favorita es “Broken Dream”, una belleza de canción. Además, Justin confiesa que lo que más le atrae de las mujeres son sus ojos y sus piernas y que lo que más le atrajo a su esposa de él fueron sus ojos.

 

A nivel solista, Justin ha tenido una carrera musical bastante buena y muy pareja. Después del proyecto de “BLUE JAYS”, en 1977 tuvo su primer álbum solista llamado “SONGWRITER”, el cual es una joya de principio a fin, donde mantiene esa esencia musical con la que brilla en los Moody Blues, en donde destacan bellezas musicales como “Stage Door”, "Songwriter 1 & 2", “Country Girl”, “Raised On Love”, “One Lonely Room” y “Nostradamus”. En 1978 participó en el álbum de Jeff Wayne, “WAR OF THE WORLDS”, y contribuyó con la extraordinaria canción “Forever Autumn”, que fue un gran hit en toda Europa. En los 80’s tuvo los albums “NIGHT FLIGHT” en 1980, “MOVING MOUNTAIN” en 1985, y “CLASSIC BLUE” con Mike Batt en 1989. 

En 1996 cuando lanzó el brillante álbum “THE VIEW FROM THE HILL”, que fue grabado principalmente en Italia y Justin describió este álbum de la siguiente manera: “Hacer música maravillosa, en un lugar hermoso, con tus mejores amigos, es el sueño de todo músico. ¡Nosotros lo logramos! Este álbum es una celebración de hermandad musical y alegría como nunca antes lo había experimentado”. De este álbum, destacan la joya “Broken Dream”, “”It’s Not Too Late”, “I Heard It”, “Troubador”, "Something To Believe", "Shame" y “Children Of Paradise”. En verdad, todo el album es una delicia musical y con la mano en el pecho, recomiendo a ojos cerrados a todos ustedes, escuchar esta maravilla de album, porque es una experiencia relajante al comprobar lo que Justin es capaz de crear musicalmente. En una entrevista en 1995, Justin manifestó: "La diferencia entre los Moody Blues y 'The View From The Hill' es que mientras escribo para los Moodys, estoy escuchando cosas que otras tres personas quisieran expresar, y cuando escribo para mí mismo, es sólo acerca de lo que quiero decir, justo exactamente lo que hay en mi corazón".

En el año 2013, 17 años después de su último álbum en estudio, Justin lanzó el 26 de Febrero su nuevo álbum “SPIRITS OF THE WESTERN SKY”, de muy buen nivel y mostrando como siempre, su enorme calidad como compositor, en donde destacan los temas “In Your Blue Eyes”, “The Western Sky”, “The Easter Sun”, “Lazy Afternoon” y unas muy agradables versiones country de sus temas “Broken Dream”, “It’s Cold Outside Your Heart” y “What You Heart Persists”. Este álbum trajo consigo una corta gira de Justin como solista por la costa este de USA en el mes de Agosto del 2013, y estuvo acompañado del tecladista Alan Hewitt y la corista Julie Ragins, ambos músicos de apoyo en las giras de los Moody Blues. El último show de la gira en Atlanta fue grabado para un futuro lanzamiento en DVD, el cual finalmente fue lanzado el 19 de Agosto del 2014 con el título de "SPIRITS ... LIVE - AT THE BUCKHEAD THEATRE, ATLANTA". en DVD, Blu-ray y CD. En el 2014 también realizó una corta gira por USA en Mayo y Junio, y en el 2015 entre Julio y Setiembre, volvió a hacer una gira por UK y USA. Justin considera que es importante para él seguir con una carrera solista por la razón que con los Moody Blues han estado bastante de giras por USA en los últimos 20 años, radios shows y cosas como esas, pero muy pocos álbumes en estudio. Al respecto, Justin dijo en una entrevista en 1995: "Porque grabamos con poca frecuencia, tengo canciones para tocar. Escribir canciones fue todo lo que hice en mi juventud. Es mi principal actividad y no puedo dejarlo ir. No puedo dejar morir a las canciones". 

En el DVD “AN AUDIENCE WITH JUSTIN HAYWARD” del 2004, Justin señaló que por encima de todo, él se consideraba como un compositor y dijo: “Es como una droga. Soy como un adicto a ella (…). No puedo imaginarme estar sin componer, sin tener esa expresión. No sería una completa persona sin ello. Es la verdad. Es un mundo de imaginación que me libera”. Y en 1967, Justin dijo que encontraba que sus canciones formaban una especie de biografía o diario de su vida, ya que ellas eran acerca de gente que él había conocido o gente que solo había conocido en su imaginación, lugares que él solo había visto por un momento y lugares que el había vivido en toda su vida. Su esperanza era que a través de su música, él hubiera ayudado a hacer del mundo un lugar mejor. Y sobre su forma de componer, en otra entrevista, Justin declaró: "Hay uno, dos o tres métodos. Uno es tanteando con un instrumento. No soy exigente ni quisquilloso, utilizo con frecuencia mi guitarra o a veces un piano y lo recorro para llegar a un buen sonido. Si uso la guitarra, es solo la guitarra. Si toco el sintetizador o teclados, pondré un sonido de batería de sintetizador para el ritmo y simplemente lo tocaré. Yo toco todo el día por diversión. Así que tocaré y de repente, una emoción es evocada y aparece luego dentro de un fragmento de una canción, donde puedo ver cosas como en una pantalla, e imágenes vienen dentro de esa pantalla, colores, gente en la canción, imágenes. Otra forma es, si tengo una frase, o sólo escribo algunas frases que la gente dice. A veces ¡, solo un fragmento de una canción me inspira para escribir una canción alrededor de ello". Cuando en en el 2013, le preguntaron como se describía en una frase, Justin contestó: "Un guitarrista que canta un poco y que escribe canciones".

Por otro lado, Justin también ha recibido diversos premios y reconocimientos por su labor como compositor. En 1974 recibió un premio de la American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP), en 1985 junto con los Moody recibieron un Ivor Novello por su importante contribución a la música. En 1988 recibió otro Ivor Novelo como Compositor del Año por “I Know You're Out There Somewhere”. En el 2000 recibió un “Golden Note Award” de la ASCAP por los logros de toda una vida y por ese mismo motivo, recibió en el 2004 un “Gold Badge” de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors (BASCA). Y en Mayo del 2013, nuevamente fue galardonado con otro Ivor Novello por “Outstandng Achievement” por sus prominentes logros de toda una vida. Y quien le entregó este premio en la ceremonia fue Marty Wilde, su amigo y héroe, quien le dio su primer trabajo en su grupo. Un merecido reconocimiento a un grande como Justin Hayward. Finalmente, en el año 2016, se cumplió medio siglo de su llegada a los MOODY BLUES, y en Setiembre realizó una gira solista por UK y lanzó el DVD "LIVE IN CONCERT AT THE CAPITOL THEATRE", de su show en Clearwater, Florida, en Octubre del 2014. Y el 14.10.2016, lanzó el recopilatorio "ALL THE WAY", de su carrera solista, e incluyó un tema nuevo, titulado "The Wind Of Heaven", que coescribió con David Minasian, para el film del mismo nombre. Y como ya es costumbre, el tema es una verdadera belleza musical. Finalmemnte, a inicios de este 2022, Justin grabó una nueva canción, en colaboración con Alberto Parodi en Italia, titulada "Living For Love". Sobre la inspiración para este tema, Justin señaló: "Soy de una generación que como adolescentes si éramos afortunados, vivíamos solo por amor; con la música más maravillosa, libertad y optimismo. Realmente no lo entendíamos en el momento, pero tengo que celebrar aquellos días ahora, mientras estamos aquí y recordamos". Y el lanzamiento de este single precedió a una corta gira de Justin por UK desde el 11 hasta el 23 de Setiembre.

Hoy, con 78 años, JUSTIN HAYWARD continúa en actividad de manera solista, realizando giras de manera inacabable por UK y Europa. Con su álbum solista que lanzó a inicios del 2013, Justin ha demostrado que sus cualidades como compositor permanecen intactas y tiene todavía mucho más por seguir dando en la música. Gran cantante y guitarrista, es uno de los músicos más subvalorados en el mundo de la música y además, ha demostrado ser una persona sencilla, centrada, de hablar calmado y pausado, siempre amable con sus fans, y que toda su carrera ha tenido los pies bien puestos en la tierra y nunca ha estado expuesto a escándalos –igual que todos los Moodies- ni estar envuelto en chismes para impulsar su carrera –algo tan común el día de hoy. Es un hombre de familia que va a cumplir 54 años de casado, siempre ha manifestado profesar un gran amor por su esposa Marie, y con la pinta que tiene, por la cual debe haber sido objeto de deseo por las fans femeninas, quizás otros –como Mick Jagger o Rod Stewart- ya se hubiera levantado a medio USA. Desde este modesto blog, he querido recordarlo en este día y por qué no, generar que muchos de los que lean este post, conozcan un poquito más sobre este gran músico. Y le deseamos todo tipo de felicidades en su día al lado de su familia y los Moodies, que Dios le dé muchísimos años más de vida y que nos siga regalando su enorme talento para componer y también, más canciones maravillosas que tocan la fibra de muchos. 

¡¡FELICES 78 AÑOS, JUSTIN HAYWARD!!

CRIME OF THE CENTURY: UN MARAVILLOSO CRIMEN MUSICAL

 

El pasado 17 setiembre se cumplieron 50 años del lanzamiento del álbum “CRIME OF THE CENTURY” de SUPERTRAMP, la cual es considerada su obra maestra y su mejor trabajo musical. Este majestuoso álbum marcó un salto cualitativo para la banda, tanto a nivel musical obteniendo el gran reconocimiento por parte de los críticos como también de los fans, como también a nivel comercial, en los diferentes charts en el mundial. Al respecto, en el post que publiqué en el mes de julio sobre este álbum y también sobre el “CRISIS? WHAT CRISIS?”, incluí bastantes detalles sobre las circunstancias previas, su grabación, su lanzamiento y su éxito en los charts. Y para no ser repetitivo, brindo el link de dicho post: (https://royaltrilogy.blogspot.com/2024/07/supertramp-1974-1975-exito-y.html). Mi idea en este post es enfocarme en las maravillosas ocho canciones que forman parte de esta auténtica joya musical, que aunque debido a un acuerdo contractual eran acreditadas a Rick Davies y Roger Hodgson, realmente fueron escritas de manera individual. Al respecto, el productor Ken Scott comentó que ambos “eran muy, muy diferentes personalidades. Esas diferentes personalidades hicieron que la música sonara de la manera que lo hizo”. “Asylum”, “Bloody Well Right” y “Rudy” fueron escritas por Davies, y “Dreamer”, “Hide In Your Shell” y “If Everyone Was Listening” fueron compuestas por Hodgson, mientras que tanto “School” como “Crime Of The Century” fueron colaboraciones conjuntas entre ambos.

Este magistral álbum comienza con “School”, y ya con ese tema, la banda dio un enorme salto cualitativo con respecto a sus dos trabajos musicales anteriores. Realmente marcó una excelencia tanto en su estructura musical, en su instrumentación, en su melodía y en su letra. Desde el inicio del tema con ese intro de armónica, abre un abanico de versatilidad musical. En lo personal, es mi canción favorita de siempre de SUPERTRAMP. Fue creada por Roger Hodgson, quien la describió como “mi canción básicamente”, pero también admitió que Davies compuso tanto el solo de piano y buena parte de las letras. En una entrevista en el 2010 para Acoustic Storm, Hodgson confirmó que la canción estuvo basada en su experiencia en un internado y dijo sobre los gritos de las niñas: “Todo, especialmente ese grito del que estás hablando justo antes que la banda venga, realmente representa mucho … es decir, tú sabes, el colegio es un lugar maravilloso. Obviamente, es un patio de juegos de una escuela pero ese grito realmente representa mucho más”. En cuanto su letra, representa una crítica a la educación y al sistema de valores impuesto por la sociedad británica, reflexionando sobre la presión ejercida sobre los jóvenes para que se conformen con las normas y expectativas establecidas. Al inicio se describe a un niño yendo a su escuela y se le recuerda la importación de seguir las reglas, y al final, se plantea una perspectiva alternativa, animando al oyente a cuestionar y luchar contra estas normas, e indicando que la elección de conformarse o rebelarse depende de cada uno. Realmente, enfatiza en la individualidad y cuán importante es que cada uno forje su propio camino en la vida.

El segundo tema es “Bloody Well Right”, compuesto y cantado por Rick Davies, y su letra comparte con “School” el cuestionamiento al sistema educativo, y eso puede verse en el verso ‘So you think your schooling is phoney’ –en español sería “Así que piensas que tu educación es falsa”. En la canción se aborda la desilusión con el sistema educativo británico y las estructuras de poder, sugiriendo que el éxito en la sociedad depende frecuentemente más de la riqueza y las conexiones familiares que del mérito o la educación. El estribillo 'Right, you're bloody well right' suena como una aceptación sarcástica a las quejas de alguien que está frustrado con el sistema, mientras que la línea 'Me, I don't care anyway' refleja cierto desapego o resignación ante estas injusticias. Realmente puede interpretarse como un llamado a la introspección y a elevar las preocupaciones personales a un nivel más filosófico o espiritual, en lugar de solamente quejarse. Luego sigue la muy hermosa canción “Hide In Your Shell”, escrita por Hodgson, quien remarcó: “Tenía 23 cuando escribí Hide In Your Shell. Estaba confundido acerca de la vida y como mucha gente está a esa edad, estaba muy tímido y trataba de esconder mis inseguridades. Siempre he sido capaz de expresar mis sentimientos más internos, más abiertamente en una canción y Hide In Your Shell vino a mí en un momento cuando me sentía muy solo –tanto en la vida como dentro de la banda-, con nadie que compartiera mis anhelos espirituales. Es una canción que le habla a ese lugar dentro de todos nosotros que se siente solo o incomprendido, ese lugar donde solo queremos escondernos del mundo, que anhela conectarse pero no se siente seguro para pedir ayuda”. Y para finalizar el lado A, viene el tema “Asylum”, compuesto por Rick Davies. En lo personal, considero esta canción como la más oscura del álbum, cuya letra aborda la complejidad de la salud mental y la percepción de la locura desde la perspectiva personal y emocional de su protagonista, Jimmy Cream, y explorando la delgada línea entre la cordura y la locura y cómo la sociedad llega a malinterpretar comportamientos no ajustados a las normas establecidas. Jimmy se describe a sí mismo como alguien cuyo cerebro siempre ‘está ganando’, pero a su vez, insiste en que no necesita ser enviado a un asilo, ya que actúa de esa forma solo por diversión y no porque esté loco.

  

El lado B comienza con la que es probablemente, la canción más conocida del álbum, “Dreamer”, que fue escrita por Hodgson en su piano Wurlitzer en la casa de su madre cuando tenía 19 años. En ese momento, él grabó un demo de la canción usando partes vocales, un Wurlitzer y golpeando cajas de cartón para percusión. Al respecto, Hodgson recordaba: “Estaba emocionado –era la primera vez que puse las manos en un Wurlitzer. Estaba sentado en el teclado en la casa de mi madre y fue algo que solo salió volando de mí. Canté palabras y las palabras que salieron estuvieron muy cerca a lo que está en la canción final. Estaba golpeando cajas de cartón y tonos claros y creé este mágico demo. Supertramp cortó su propia grabación de la canción en imitación de este primer demo”. En otra entrevista, manifestó que la banda tuvo dificultad para recrear la canción cuando la grabaron. Y en cuanto a la letra, parece ser dirigida a una persona calificada como soñadora, alguien desconectado de la realidad y vive en su propio mundo de sueños e ilusiones, como si estuviera atrapado en su propia mente e incapaz de afrontar la realidad. Además refleja la infinita libertad encontrada en los sueños y la imaginación, la cual a su vez, contrasta con la realidad. Aborda también la idea de escapismo, donde el soñador se refugia en sus sueños para huir de las dificultades de la vida diaria. 

A continuación, sigue una de las joyas del álbum, “Rudy”, compuesta por Davies. En una entrevista, Hodgson indicó que el personaje de Rudy era visto como un poco autobiográfico de la vida de Davies en ese momento. El sonido del tren fue grabado en la estación London Paddington, mientras que los ruidos de la multitud en la canción fueron tomados del Leicester Square. Y en cuanto a la letra, narra la historia de un hombre que está en un tren hacia ninguna parte, como si estuviera sin rumbo ni propósito. Rudy es un personaje que no se siente sofisticado ni bien educado, que desperdició muchas horas de su vida sin hallar un sentido. Asimismo, también se aborda la falta de amor en su vida, que lo dejó en un estado de desesperanza y reflexiona profundamente sobre la soledad, la necesidad de amor y la importancia de tomar el control de nuestro destino antes que sea demasiado tarde. Luego continúa "If Everyone Was Listening", escrita por Hodgson, y realmente es una muy hermosa canción, que transmite un enorme sentimiento y tiene un solo de clarinete que llega al alma. Y la letra habla de que no saber lo que está sucediendo en la mente de cada uno es solo una forma de no tener el control, y que el temor no viene de la ausencia del conocimiento del proceso mental de otra persona, sino más bien de confrontar el hecho que no tenemos control sobre nada. Y finalmente, el tema que cierra este gran álbum, es precisamente el que le da título al álbum, “Crime Of The Century”. Y en una entrevista, Hodgson dijo: “Hubo mucha gente que vino y me dijo que aquella canción les tocó más profundamente que cualquier otra. Esa canción surgió cuando estábamos viviendo en Southcombe y comiendo, durmiendo y respirando ideas para el álbum. La canción rebotó entre Rick y yo durante varias semanas hasta que al final tomó forma”. Sin embargo, Hodgson atribuyó la autoría de la canción a Davies en exclusiva en entrevistas posteriores. Sobre esta canción, voy a dar mi opinión muy personal. Sin considerarla una extraordinaria canción –“Bloody Well Right” y “Rudy” me parecen muy superiores-, pero es bastante buena y creo que su ubicación en el álbum es precisa y perfecta y cumple a creces ese cometido: ser el tema que pone punto final a una maravilla musical, y definitivamente, contribuye plenamente con esa finalidad ese muy buen solo de piano en la parte final del tema. Y además, con esta canción SUPERTRAMP terminaba sus conciertos, tanto en la etapa con Roger Hodgson, como en la etapa posterior hasta el 2010. Estoy convencido que si este tema iba en otra ubicación en el álbum, no hubiera sido lo mismo. Está donde tenía que estar.

Ha transcurrido ya medio siglo de la aparición de esta obra maestra musical y definitivamente continúa siendo el mejor trabajo musical de SUPERTRAMP, el más completo, el más prolífico, con ocho canciones en un nivel superlativo que llegan a la excelencia. Posteriormente ha habido muy buenos álbumes en su larga trayectoria, pero con el “CRIME OF THE CENTURY” se llegó al mayor pico de creatividad musical de la banda, tanto en la composición de las canciones, en su interpretación, en sus arreglos musicales, en sus magníficas instrumentaciones y sobre todo, en su versatilidad musical. Y definitivamente fue la consagración definitiva tanto para una gran banda como lo fue SUPERTRAMP, como también para Rick Davies y Roger Hodgson como geniales compositores musicales.