THE CARS: RECORDANDO A BENJAMIN ORR

Hoy, 3 de Octubre se cumplen 24 años de la muerte de BENJAMIN ORR, bajista y una de las voces de la recordada agrupación norteamericana THE CARS, y con motivo de esta fecha, he querido actualizar el post que le dediqué hace algunos años a THE CARS, uno de mis grupos favoritos de siempre, y publicarlo con fecho de hoy, enfocándolo como siempre desde mi experiencia personal y cómo llegó su música a mi vida y cómo fue su popularidad aquí en nuestro medio. 

La primera vez que escuché y a su vez ví algo de THE CARS fue en “Disco Club”, y fue con el tema “Let’s Go”, en 1980. Y me gustó ese ritmo fresco y el estilo con que era interpretado este tema por el bajista Benjamín Orr. Poco después ví el video de la canción “Just What I Needed” y me gustó muchísimo esta canción, nuevamente interpretado por su rubio bajista. Ambos temas no eran de ese año 80, sino de 1978 y 1979 respectivamente, y ello generó en mí interés en escuchar algo nuevo de esta banda. Y en ese año, Gerardo Manuel estrenó en su programa “Disco Club”, la canción “Touch And Go”, que me pareció interesante, pero no me gustaba tanto como los dos temas previos. A estas alturas, me parecía un buen grupo, pero no para considerarlo entre mis favoritos. Pero mi opinión comenzó a cambiar en 1982 cuando escuché por Radio Doble Nueve el tema “Shake It Up”, con un ritmo super pegajoso, que combinaba el sentimiento rockero de la banda de sus primeros albums con los sintetizadores y batería electrónica para crear así un ritmo bailable muy agradable. Esta canción rompió aquí en las radios y era infaltable en las discotecas y recuerdo que tuve la suerte que un amigo de mi hermano Alex le prestó el disco 45 importado y sonaba espectacularmente en los parlantes del equipo 3 en 1 que teníamos en la casa. Y cuando ví el video en “Disco Club”, me encantó porque realzaba la canción y por las modelos que salían al final del video y su video fue bien difundido en ese programa. Con este tema y su siguiente single “Since You’re Gone”, me comencé a interesar un poco más en esta banda y allí supe que eran provenientes de Boston, Massachusetts y se formaron en la segunda mitad de los 70’s y que estaba liderada por Ric Ocasek, quien era el vocalista principal y compositor de todos los hits de la banda, Benjamín Orr, bajista y vocalista de algunos éxitos, el guitarrista Elliot Easton, el tecladista Greg Hawkes y el baterista David Robinson. Pero la cosa cambiaría dos años después.

En 1984 lanzaron el album “HEARTBEAT CITY” y ese fue el pico más alto de la popularidad de la banda en todo el mundo, e incluso también en nuestro medio. Los temas “You Might Think”, “Magic”, “Hello Again” y sobre todo, “Drive” tuvieron bastante difusión radial, así como sus videoclips en los programas musicales de TV, como “La Máquina del Rock”. Y la canción que fue un mega éxito en este album fue “Drive”, que una vez más, era cantada por Benjamín Orr. Una balada con harto feeling y que tampoco faltaba en las fiestas de ese entonces, y cuyo video fue muy bien realizado. Aquí la banda ingresó a mi galería de favoritos de siempre y escuché sus hits anteriores, los cuales estaban muy buenos. Y al año siguiente, en 1985, el grupo lanzó su esperada recopilación “GREATEST HITS”, y contenía todos los hits de la banda, y fue una compilación muy completa, del cual se incluyó un nuevo tema, el estupendo tema “Tonight She Comes”, que también gozó de gran éxito en nuestro medio. THE CARS había llegado a un tope en su carrera y a partir de allí, vendría un período de descanso que sirvió para que tanto Ric Ocasek como Benjamín Orr lanzasen proyectos solistas. De Ocasek se recuerda los temas “Emotion In Motion” y “True To You”, y de Benjamín Orr se escuchó la hermosa balada “Stay The Night”, incluida en el album “THE LACE”. En esos años se comenzó a especular sobre el futuro de la banda, si seguirían o si tomarían rumbos separados.

En 1987 la banda se volvió a reunir y lanzaron el album “DOOR TO DOOR” y del cual se extrajo la canción “You Are The Girl”, que en lo personal, es uno de mis favoritas de THE CARS y me encantó desde la primera vez que lo escuché. Esperé ese album con bastante expectativa y recuerdo que mi hermano se compró el cassette del “DOOR TO DOOR” y cuando lo escuché completo, me gustó mucho. Aquí en nuestro medio, “You Are The Girl” fue todo un hit en Radio Doble Nueve y algunas otras radios más. Y su video fue bastante ocurrente y jocoso. De este album, recuerdo mucho los temas “Strap Me In”, “Coming Up You”, “Everything You Say” y “Door To Door”. Pero lamentablemente no repitió el éxito de su antecesor y nuevamente volvieron a generarse especulaciones sobre el futuro del quinteto. Pero esta vez, las especulaciones sí fueron ciertas y en febrero de 1988 la banda anunció su separación. Así se terminaba la carrera de una de las bandas más queridas en los 80’s. Recuerdo que esta noticia la supe después cuando en 1989 me prestaron una edición especial de 1988 de la revista Rolling Stones y mientras la hojeaba, me detuve en una página que señalaba en un cuadro “The Cars crashed” y en el que se mencionaba su separación y me dio mucha pena porque era uno de mis grupos favoritos en ese momento.

Desde entonces, cada uno de los miembros del grupo se abocó a sus proyectos solistas. Ocasek continuó con su carrera solista, habiendo editado siete álbumes en estudio. Robinson se retiró de la música y pasaba la mayor parte de su tiempo con su restaurant y en el 2005, Elliot Easton y Greg Hawkes formaron “The New Cars” con Todd Rundgren, Prairie Prince y Kasim Sulton, donde tocaban una mezcla de clásicos de The Cars y canciones de Rundgren. Y en cuanto a Benjamín Orr, grabó nuevo material con el guitarrista John Kalishes para un album posterior a “THE LACE”, que no llegó a ser lanzado. Desde el 98 hasta su muerte en el 2000 estuvo en tres bandas, incluyendo su propia banda "ORR", The Voices of Classic Rock y Big People.

En cuanto a Benjamin Orr –de nombre Benjamin Orzechowski-, nació un 8 de setiembre de 1947 en Lakewood, Ohio, y tocaba varios instrumentos como la guitarra, el bajo, teclados y batería. Lamentablemente en abril del 2000, fue diagnosticado con cáncer de páncreas y hospitalizado y luego continuó tocando en conciertos con la banda Big People en festivales de verano. Se reunió con sus compañeros de THE CARS por última vez en Atlanta, Georgia, para una entrevista que fue usada en un video y DVD de un concierto de THE CARS en Alemania en 1979, llamado “THE CARS LIVE”. Lamentablemente, en esa entrevista –de la cual extraemos la última parte y que puede encontrarse en Youtube- se le ve a Benjamín con la huella de la enfermedad, ya que lucía demasiado frágil, delgado y demacrado y con una semblante triste e intervino poco en la entrevista. Su última aparición fue el 28 de Agosto del 2000 en un concierto de Big People en Anchorage, Alaska. El 3 de Octubre del 2000, a la edad de 53 años, Benjamín Orr falleció en la casa de su novia, Julie Snider, en Atlanta, rodeado de sus amigos y miembros de Big People -grupo que aún toca algunos clásicos de THE CARS en tributo a Ben Orr. Por su parte, Ric Ocasek escribió y grabó la canción “Silver," su emotivo tributo musical a su viejo amigo Benjamín, que apareció en el album de Ocasek del 2005, “NEXTERDAY”.

A mediados del 2010, los cuatro miembros sobrevivientes de THE CARS insinuaron una posible reunión a través de su Facebook fan page, mediante una foto en la que salen Ric Ocasek, Elliot Easton, Greg Hawkes y David Robinson ensayando en un estudio en Boston, relajados y felices. No hubo ningún anuncio oficial ni nada por el estilo, pero se interpretó que la banda estaba haciendo saber de un posible retorno. Y el 10 de Mayo del 2011, THE CARS lanzó su nuevo álbum, "MOVE LIKE THIS", un muy buen trabajo musical con el acostumbrado y clásico estilo de siempre, aunque claro, se extrañaba la presencia de Benjamin Orr. El primer single fue "Sad Song" y también hubieron muy buenas canciones, y en mayo el grupo inició una nueva gira por USA y Canadá. Esa fue maravillosa noticia para todos los que admiramos a esta querida banda y también fue como una última oportunidad para todos sus fans de poder verlos en vivo y también una ocasión magnífica de rendirle tributo a al gran Benjamín Orr, quien fue el gran ausente. Y estoy absolutamente seguro que lo primero que deben haber dicho los fans al confirmarse esta reunión sería: “Just what I needed!”. Incluso, en las notas dentro del álbum, el grupo agradeció a Ben con las siguientes palabras: "Ben, your spirit was with us on this one!".

Finalmente, el 15 de Setiembre del 2019, RIC OCASEK nos dejó para siempre, a la edad de 70 años. No tengo la menor duda que debe haberse reencontrado con su viejo amigo Benjamin en el reino espiritual, después de 19 años. Con la partida de Ben y Ric, se fue una parte de nuestras vidas. Y THE CARS siempre tendrá un lugar especial en el corazón ochentero de los fans que gustamos y disfrutamos de su fresca y muy buena música, tanto por la figura del gran Ric Ocasek, como por la de su carismático y encantador bajista: Benjamín Orr. Hoy, a 24 años de la partida física de Benjamín Orr, sigue vivo en el recuerdo, y muy en particular, por aquellos temas en los cuales su voz es el signo distintivo de esas canciones: “Just What I Needed”, “Let’s Go”, y muy en especial, la inolvidable y maravillosa “Drive”. Que Dios lo siga teniendo en su gloria.

STING: UN GRAN MUSICO

Hoy, 2 de Octubre, está cumpliendo 73 años de edad, Gordon Mathew Sumner, más conocido en el mundo de la música como STING. Como siempre suelo señalar en cada post que escribo sobre algún artista o grupo en particular, lo que haré es enfocarlo desde mi experiencia personal como fan que vivió la carrera solista de Sting en su momento de vigencia, con alguno que otro dato de interés y con algunas opiniones sobre este gran artista musical. Pero a modo de información, es bueno señalar que Sting nació un 2 de octubre de 1951 en Wallsend, Newcastle, Inglaterra y a la edad de 14 años sintió un apego a la música jazz y se compró una guitarra con acordes de bajo. Para 1972 tocó en The Newcastle Big Band y por esa época le pusieron el apelativo de “Sting”, ya que le gustaba usar un polo amarillo y negro con el que parecía una abeja. Y en 1975 conoció a Stewart Copeland, con quien junto a Andy Summers y Henri Padovani –quien se iría poco después- formaron en 1977 el grupo The Police. Como trío duraron siete años, aunque oficialmente se separaron en 1986. Con The Police, Sting lo había conseguido todo, pero ya desde antes daba señales de querer emprender una carrera solista y apuntar hacia otros horizontes. En 1985 salió su álbum solista “THE DREAM OF THE BLUE TURTLES” -aunque no fuese su primer album solista, ya que en 1982 hizo el soundtrack del film “Brimstone And Treacle”, que además marcó su debut en el cine y de donde salió su primer single “Spread A Little Happiness”.  Y aquí me detengo y soy plenamente sincero.

Cuando Sting lanzó en 1985 el album antes señalado, uno todavía conservaba en la retina y en la memoria la trayectoria musical de The Police, quienes fueron uno de mis grupos favoritos en la primera mitad de los 80’s. Es más, después de la patinada de QUEEN con el “HOT SPACE” y tras el éxito arrasador del album “SYNCHRONICITY”, en ese año 1983, The Police pasó a ser mi grupo favorito -galardón que obtuvo en mis preferencias por todo ese año hasta 1984 cuando QUEEN lanzó “THE WORKS” y volvió a la cima de mis preferencias para no abandonarla jamás. Pero volviendo a Sting y The Police, ya en 1984 había escuchado en Radio Doble Nueve un tema solista de Sting, el cover del clásico “Tutti Frutti”, que era puro rock and roll. Y en ese año 85, sabiendo que Sting era el genio de The Police, uno esperaba escuchar más temas dentro del estilo del trío. Y por ese motivo -en forma equivocada de mi parte-, como que no me llegó a gustar ni su primer single “If You Love Somebody, Set Them Free” ni el álbum. Lo único que me llegó a gustar fue “Fortress Around Your Heart”, que tenía un aire a Police y “Russians”, que sí me parecía genial. Y además ni me tomé la molestia de escuchar el album.

Cuando The Police se separó definitivamente en 1986 tras lanzar el recopilatorio “EVERY BREATH YOU TAKE – THE SINGLES” y grabar una nueva versión de “Don’t Stand So Close To Me”, quedaba la esperanza de que el siguiente album de Sting conservase ese estilo que los fans de The Police queríamos escuchar. Y en el año 1987, Sting sacó su siguiente álbum “NOTHING LIKE THE SUN” y se alejó mucho más de lo que era The Police, consolidando un estilo propio y experimental. Y nuevamente en ese momento, le volví a dar la espalda y me gustó menos que el anterior álbum y solo me gustó el tema “Englishman In New York” y escuché solo tres temas y ni escuché el álbum en su totalidad.

Pero mi perspectiva y mi opinión sobre la carrera de Sting comenzó a cambiar en la década del 90. Primero con el album “THE SOUL CAGES” de 1991, pero principalmente con la maravilla de álbum de 1993 “TEN SUMMONER’s TALES”. Allí me di cuenta que había sido injusto en juzgar la carrera musical de Sting comparando con lo que había hecho con The Police y no haber analizado su música por el estilo que representaba de manera individual. Sobre el “TEN SUMMONER’S TALES”, a raiz que mi hermano Alex se compró ese CD, ya no tenía motivo para no ponerme a escuchar ese álbum completo. Y me habían gustado mucho los singles “If I Ever Lose My Faith In You” y sobre todo, “Fields Of Gold”, que me impactó apenas la escuché y gracias a esa canción, me animó a querer escuchar ese álbum. Y al hacerlo, quedé maravillado porque me gustaron todos los temas. Es bueno señalar que este álbum estaba inspirado en una tradicional obra literaria inglesa “The Canterbury Tales” y en una entrevista Sting afirmó: “Es un hecho que se te dibujará una sonrisa en tu rostro después de escuchar este disco. En mi álbum, dí un vistazo a las cosas más naturales de mi vida; la película de vaqueros en mi TV, los campos dorados de cebadas cerca a mi casa. En fin, traté de enfocar la historia dentro de ella, algo así como un narrador de cuentos, queriendo ser un buen peregrino en camino a Canterbury, ignorando todos los letreros de la ruta”.  Y ese fue el efecto que causó en mí y luego de ello, me interesé en escuchar sus álbumes anteriores, comenzando con “THE DREAM OF THE BLUE TURTLES” y me di cuenta que era muy bueno y luego tras escuchar el “NOTHING LIKE THE SUN”, me quedé impresionado con esa joya musical llamada “Fragile”, la cual no había escuchado en su momento. Otro gran álbum de Sting que me había perdido de escuchar en la década anterior -el cual dedicó a su madre, quien había fallecido en junio de ese año 1987- y de donde se extrajeron muy buenos temas como “They Dance Alone” y “Englishman In New York”, la cual me pareció elegante y muy refinado, musicalizando la característica de un tipo inglés con la vida neoyorkina. Y por último, cuando escuché el álbum “THE SOUL CAGES”, el cual dedicó a su padre, mis impresiones sobre la música de Sting cambiaron de un lado al otro y me convertí en un gran fan de su música.

Una de las experiencias más gratas que tuve oportunidad de vivir fue cuando en los años 93, 84, 95 y 96, con mi gran amiga Dianita García, elaborábamos juntos una serie de especiales en su programa “Memories”. Yo la apoyaba con los textos que ella leía en cada especial y entre ambos elegíamos los temas a incluir en la hora que duraba cada especial. Y cuando llegó el turno de hacer un especial de Sting en el año 1994, le pusimos harto corazón y quedamos satisfechos con lo que habíamos preparado. Pero nunca esperamos la enorme receptividad de ese especial. Cuando terminó el especial, Dianita me llamó y me dijo: “Hermano, dimos en el clavo. No sabes la cantidad de llamadas que ha habido y no he tenido descanso en el especial. Y son varios los que me están pidiendo que lo repitamos”. Fue satisfactorio cuando escuché eso y la reacción de sus oyentes duró toda esa semana porque llamaban y pedían más temas de Sting en “Memories”.

En cuanto a su vida personal, en 1976, Sting se casó con la actriz Frances Tomelty. La pareja se divorció en 1982 y tuvieron dos hijos, la actriz Fuchsia Catherine "Kate" Sumner (1982) y el cantante Joseph "Joe" Sumner (1976), quien siguiendo los pasos de su padre ahora está en la música y es miembro de la banda Fiction Plane. Poco después comenzó a vivir con la actriz y más tarde productora de cine, Trudie Styler, con quien se casó en 1992. Tienen cuatro hijos: la actriz Mickey Sumner, la cantante Coco Sumner, el modelo Jake Sumner y Giacomo Luke Sumner. Con Trudi, Sting ha hallado la tranquilidad que deseaba. Aunque Sting posee varias propiedades en el Reino Unido y en USA, actualmente tiene su hogar en la región de Toscana, en Italia y se estima que su fortuna es de 180 millones de Libras, como apareció en el “Sunday Times Rich List of 2011”. Para mantenerse en forma, corre diariamente 8 kilómetros, hace aeróbicos y practica yoga.  Sobre su estilo musical, en una oportunidad, Sting declaró: “Si alguien me dice que no he seguido la fórmula de The Police, contesto que a mí nadie me dicho cuál es la fórmula. Para mí, son más importantes mis campañas benéficas. Estoy identificado con ellas”. Ha participado en campañas ecologistas y en defensa de los indios amazónicos y de la preservación de la naturaleza y la selva amazónica.

Y algo que sin duda, quedará en el recuerdo de muchos peruanos, fue el gran concierto que Sting ofreció el 23 de febrero del 2010 en la Explanada del Estadio Monumental y que tuvo una duración de tres horas. Desafortunadamente por motivos financieros, no pude estar presente y ante la posibilidad, en ese momento, de la venida de Paul Mc Cartney, me guardé para el concierto de Paul. Pero me quedó por siempre esa espina clavada dentro de mí, al no haber podido ver a uno de mis favoritos. Pero, algo es algo, gracias a mi gran amiga Clarita Romero, pude escuchar por celular varios de los temas que interpretó como “If I Ever Lose My Faith In You”, “Fields Of Gold”, “Englishman In New York”, “Fragile”, “Russians” y los clásicos de The Police, “Roxane”, “Message In A Bottle”, “Every Breath You Take” y “King Of Pain”. Al menos pude escuchar la voz de Sting en vivo y en directo por celular. Y el 19 de noviembre del 2021, lanzó su último álbum en estudio, titulado "THE BRIDGE", con el single, "If It's Love", en el que mantuvo su esencia musical.

Por último, el mes pasado se anunció el regreso de Sting a Perú, con un concierto que se llevará a cabo el 26 de febrero del 2025. Y esta vez, sí tendré la oportunidad de estar allí, ya que de inmediato compré virtualmente mi entrada. Sin duda, 14 años después de su anterior concierto, al fín me pude sacar ese clavo, y cuento los días para ver en vivo a uno de los músicos que más admiro y disfrutar tanto sus canciones solistas como sus hits con The Police. Hoy, con 73 años a cuestas, Sting ha consolidado una brillante carrera solista, habiendo podido despegarse de la etiqueta de “ex cantante de grupo exitoso”, en base a una identidad musical propia que ha ido forjando. Desde 1985, cada álbum de Sting representaba una franca evolución musical y con innovaciones y experimentando con diversos estilos. Mega star con The Police, como solista ha logrado el reconocimiento unánime de la crítica por su gran concepción intelectual de la música y su gran talento para componer, pero sobre todo, por no haber tenido que depender de su glorioso pasado como miembro de The Police, logrando que su nombre destaque y triunfe, por mérito propio. Desde este blog, le deseamos todo tipo de felicidades en su vida y que nos siga regalando su talento por muchos años más.

¡¡FELICES 70 AÑOS, STING!! 

25 DE SETIEMBRE: RECORDANDO SIEMPRE A MI QUERIDO VIEJO

Hoy, 25 de Setiembre, mi padre hubiera cumplido 97 años de edad. Y por ello, quise actualizar el post que le dediqué en mi blog hace trece años y publicarlo con fecha de hoy. Además, no quería que esta fecha pasara desapercibida en mi blog sin evocar a mi padre, ALBERTO SAMUEL GUADALUPE WIESE, quien aunque no está físicamente entre nosotros, su recuerdo permanece duradero por siempre entre nosotros.

Mi viejo nació un domingo 25 de setiembre de 1927, en la provincia del Callao. Cuando aún estaba en la barriga de su madre -mi abuela Ida-, su padre Samuel, de nacionalidad ecuatoriana, falleció en circunstancias más que misteriosas –la versión “oficial” fue que se ahogó cuando viajaba de una provincia a otra-, y al nacer, desde el saque ya era huérfano de padre, y su madre tuvo que sacar sola adelante a su familia, lo cual le endureció bastante el carácter. Vivió parte de su niñez en la Calle Constitución, en una especie de quinta al lado de casi toda su familia materna, y años más tarde, se iría a vivir al edificio de la cuadra 14 de Arenales, hasta cuando se casó con mi madre, Sara Gioconda Tello Arrasco, un domingo 2 de abril de 1961. Cuando el que escribe vino al mundo, un domingo 3 de febrero de 1963 –una vez más, un día domingo vuelve a estar presente en una fecha importante en la vida de mi padre-, mi viejo tenía 35 años. Terminó en la universidad sus estudios de Ingeniería Química, pero su gran pasión fue el periodismo, que finalmente lo terminó reclutando en sus filas.

Fue un periodista de la vieja guardia y pasó por numerosos medios de comunicación, tanto en prensa, radio y hasta TV. En prensa, se inició en “La Prensa” en la década del 50, y trajinó por diarios como “Expreso”, “Correo”, "Ultima Hora", “Visión Peruana”, y hasta llegó a ser Director del diario “Actualidad” en 1986, y en un gesto que reflejó con creces su ética profesional, renunció a dicho cargo cuando los dueños de dicho diario, le cambiaron la primera plana de la edición del día siguiente, sin siquiera comunicarle nada y pasando por encima de él, sorprendiéndolo al día siguiente cuando el diario ya estaba en los kioscos. Sin pensarlo dos veces, mi viejo presentó su carta de renuncia, expresando literalmente en su carta su decepción total con ese tipo de actitudes. En radio, estuvo en Radio Libertad con su entrañable amigo Víctor Manuel Avendaño en “La Voz de Libertad”. Y en TV, estuvo en la Jefatura de Redacción del Noticiero del Canal 2, "90 Segundos" -en sus momentos de esplendor-, y también en el noticiero del Canal 7 junto con su gran amigo, y hermano del alma, Lucho Jiménez -el “Tío Lucho” para quien lo conocíamos. Además del periodismo, también fue Relacionista Público y trabajó en diversos lugares, como el Ministerio de Industria y Turismo, el INIE –Instituto Nacional de Investigaciones Energéticas-, el Ministerio de Energía y Minas, y como dirigente gremial participó en congresos internacionales de periodistas y representó al país en certámenes internacionales. Fue también asesor en la administración pública y privada y finalmente en 1989 entró como Asesor y Jefe de la Oficina de Prensa de la Municipalidad de Miraflores, en la gestión del alcalde Alberto Andrade -quien era amigo suyo-, y estuvo allí hasta el final de sus días, en 1993. Y si hubo unanimidad en algo, después de su partida, fue que todos los medios al informar la noticia, señalaron que se había ido "un señor del periodismo".

Mi viejo me llevó por primera vez al Estadio Nacional a un partido de la U cuando yo tenía 6 años, y recuerdo que fue ante el KDT y la U goleó 3-0 ese partido. Mi padre era chalaco de nacimiento, pero crema de corazón desde que era niño cuando veía jugar a su ídolo Lolo Fernández y eso intentó inculcar en su primer hijo, y vaya que lo logró. Como en esa época vivíamos en Jr. Huancayo 177, a media cuadra de la Av. Wilson, estábamos relativamente cerca al estadio, y fuimos con cierta frecuencia y así me hice hincha crema desde mi niñez. Algo que no logró con mi hermano Alex, ya que desde niño se hizo hincha del Sporting Cristal.

En casa mi viejo era una persona seria, estricta y a veces rigurosa, pero eso era parte de una época en que no había las amplias libertades que hay en nuestros días. Debo admitir que durante mi niñez, adolescencia y juventud, fui muchísimo más pegado a mi madre, y mi padre era más una figura de autoridad y respeto, pero tampoco era alguien lejano o distante. Era quien me daba las propinas cada fin de semana o a quien había que pedirle permiso para salir a tal o cual lugar. Tenía su geniecito, pero no era rencoroso ni albergaba en su espíritu resentimientos ni odios. Era de corazón noble, solidario, sensible, afectuoso y sobretodo justo. Me acuerdo que cuando llevaba algo a la casa para comer o beber, SIEMPRE llevaba cinco porciones: para mi padre, mi madre, mi hermano Alex, yo y nuestra empleada, Antonia -leal puneña que me vio nacer y nos acompañó durante mucho tiempo y que en Enero del 2014 nos dejó para siempre. No para nosotros cuatro solamente, siempre incluía cinco pedazos de todo aquello que llevaba a casa. Tanto en su familia como en la familia de mi mamá, fue alguien muy querido y apreciado, porque era bien neutral y no se compraba problemas ajenos. Recuerdo que me decía, que si dos familiares estaban peleados, él no lo estaba con ninguno de los dos y no se hacía problema ni tomaba partido ni por uno ni por otro. Mis primos siempre lo querían como el “Tío Alberto” y los primos de su generación del ala materna –no tuvo parientes del ala paterna acá ya que su familia paterna provenía de Ecuador y nadie vivía acá-, lo llamaban por su apelativo que desde niño le decían, “Cato”. Una vez me dijo que cuando era bien niño, era pequeñito, y su abuela –la famosa “mamita” Georgina Drago- le decía “Pocato”, por “pequeño”, hasta que se quedó en “Cato” y así lo recuerda TODA mi familia paterna.

Por su profesión misma de periodista, fue una persona bien bohemia y le gustaba reunirse con sus colegas, después de las jornadas de trabajo, algo que a veces a mi vieja no le hacía mucha gracia y tampoco a mí cuando era niño y adolescente, pero después con los años llegué a comprenderlo. Debido a su múltiple paso por diversos medios de comunicación, ello generó que tuviese una gran cantidad de amigos y relaciones que a la hora de contactar con un medio, las puertas se le abrían con facilidad. Era una persona bastante sencilla, con él no iban los snobismos ni las pituquerías ridículas. El se sentía identificado con el hombre común de la calle, de clase media que a base de esfuerzo y trabajo, labraba su camino para sacar adelante a su familia. Nadie le regaló nada en la vida. Tenía amplia cultura y como siempre debía estar informado de todo lo que acontecía en el mundo por su profesión, era alguien con quien podías conversar de todo, desde política, hasta de futbol o cine. Pero por encima de todo, fue un profesional honesto, honrado e incorruptible, dueño de una ética intachable. Algo que una vez nos dijo a mi hermano y a mí fue que el día que nos dejara no nos iba a dejar riquezas ni fortunas, pero sí dos cosas puntuales: una profesión y un apellido limpio. Y vaya que lo logró.

En la década del 80, en mis años universitarios, por la edad, mi prioridad eran mis amigos, las fiestas y las salidas nocturnas y mi familia quedaba relegada. Ya cuando mi madre nos dejó en setiembre de 1987, sin duda eso generó un acercamiento con mi padre y una mayor integración. En lo personal, me queda la satisfacción que su último cumpleaños en 1992, que cayó viernes y lo celebramos el sábado con algunos familiares y amigos, nos divertimos bastante en el otrora Restaurant "Bertolotto", y en épocas de toque de queda, nos quedamos con mi prima Chabelita hasta las 5 de la mañana, siendo un día inolvidable que siempre recordaremos.

En 1993 enfermó, originalmente con una esofagitis, y tras hacerse exámenes y análisis, resultó que tenía una posible metástasis, que fue confirmado en abril de 1993 cuando fuimos donde mi tío Hector Vizcardo –QEPD-, quien era Gastroenterólogo en la Clínica San Borja y tras hacerle más exámenes, al final confirmó los temores: metástasis hepática derivada de un cáncer al estómago. A la semana siguiente, por medio de la familia de la entonces enamorada de mi hermano Alex, Blamy, supimos de un médico naturista, Dr. Casanova y fuimos hasta Huachipa a la consulta. Y luego de que el doctor vio los resultados de sus exámenes, dijo que necesitaba quedarse internado y que necesariamente un familiar debía quedarse con él. En ese momento, mi hermano Alex trabajaba y yo estaba sin trabajo fijo, así que elegí quedarme y un 21 de abril nos fuimos a Huachipa y estuve con él hasta el martes 4 de mayo, cuando nos dejó para siempre. En verdad, su fase ya era terminal y no había nada que hacer, pero al menos se fue en paz y esos últimos 14 días de su vida fueron tranquilos y no se fue sufriendo, sino se apagó lentamente. Quizás en una clínica hubiera durado un poco más, pero a un precio quizás más doloroso para él.

Hace 29 años que nos dejó, pero su recuerdo siempre permanece imborrable en nuestras mentes y corazones. Desde que nos dejó, he podido avanzar en mi vida y sortear dificultades y superar momentos bastante duros, tanto sentimentales, económicos como laborales, y a Dios gracias, hoy me siento una persona agradecida con lo que Dios y la vida me ha dado. SE que si viviera, se sentiría feliz por mi y por mi hermano Alex. Y SE que hubiese adorado a mi esposa Silvana, no me cabe la menor duda de ello, y de hecho, debe haberse encontrado con ella en el reino espiritual. Es más, ahora que me ha tocó perder a mi amada esposa Silvana el 4 de Noviembre del 2020, entiendo y SE lo que debe haber sentido mi viejo cuando perdió a mi madre. SE que también hubiera estado feliz de ver que pude cumplir mi sueño de ver a la dupla sobreviviente de QUEEN en Chile, ya que él entendía mi pasión por QUEEN, ya que él sentía eso mismo por Carlos Gardel y sus tangos, y por la música criolla. Y también estoy seguro que le hubiera fascinado este blog personal y sería un asiduo lector y mi principal crítico también. Si algo heredé de mi padre fue mi pasión para escribir que proviene de su vena periodística y sobretodo, sin errores ortográficos, algo que se me inculcó desde niño. Me acuerdo cuando en el 93 estuve en el programa de radio “Cinco Noches” al lado de mi gran amigo Huguito Salazar, mi viejo me grababa cada miércoles los programas, y muchos meses después, cuando él ya se había ido, supe por una de las chicas que trabajaron con él en la Municipalidad de Miraflores, que mi viejo le contaba con orgullo a las personas con las que trabajaba, que su hijo estaba en la radio los miércoles. Y además, como todos los diarios pasaban por su escritorio, TODA noticia vinculada a QUEEN, era recortada por él y separada y me la llevaba a casa sin falta. Y también SE que estaría feliz de mi experiencia en Stereo Lima.com.

Su espíritu alegre, su caracter amiguero, su sencillez, sensibilidad y trato cordial con todos, su dedicado y entregado profesionalismo, y sobretodo, su intachable honradez y honestidad moral fueron su sello distintivo. Por eso es que quise desde este modesto blog, evocar a mi querido viejo y agradecerle por todo lo que me dio en la vida, por los valores que me inculcó y que me sirvieron tanto para ser un hombre de bien en la vida. Y desearle que donde quiera que se encuentre en el Reino de los cielos –estoy seguro que estará en una Zona Super VIP, al lado de mi madre-, pase un mágico cumpleaños y que desde arriba vea que sus hijos lo recuerdan siempre y siguen diariamente su ejemplo de vida, hasta el día en que llegue el anhelado reencuentro en el reino de Dios. Y concluyo este post con este tema que le gustaba tanto: "Only You" de The Platters.

¡FELIZ DIA MI QUERIDO VIEJO!!

SUPERTRAMP (1980-1982): EL FINAL DE UNA ERA

 

1980. Se iniciaba una nueva década para SUPERTRAMP tras haber cerrado exitosa y apoteósicamente la década del 70 con el álbum “BREAKFAST IN AMERICA” y una muy exitosa gira mundial desde marzo a diciembre de 1979. Todo ello generaba una enorme expectativa por lo que sería el siguiente trabajo musical de la banda. Además, la banda estaba siendo presionada por la disquera para grabar un álbum sucesor a su predecesor, y que también repitiera el mismo éxito. En una entrevista, Roger Hodgson señaló que el grupo tenía varias razones para decidir la grabación de un álbum en vivo, entre ellas, estaba el deseo de introducir las canciones de sus trabajos anteriores al “BREAKFAST IN AMERICA” para sus fans en USA, y también el sentimiento de que varios de sus temas sonaban mejor en vivo. Pero realmente, el principal motivo era ‘ganar tiempo’, mientras necesitaban salir de la rutina del estudio para decidir cuál sería la dirección musical en su próximo álbum. De una u otra forma, la edición, lanzamiento y promoción de un álbum en vivo representaba un buen respiro para el grupo para ‘llenar ese vacío’ y también no tomar una decisión apurada y apresurada solamente para complacer a la disquera. De esta forma, el siguiente álbum en estudio del grupo no estaría finalizado como mínimo hasta 1981.

PARIS (1980).-

 

Tras tomarse la decisión de lanzar un álbum en vivo, utilizando el estudio móvil del grupo, llegaron a grabar varios conciertos en Canadá y Europa. Cuando Peter Henderson y Russel Pope presentaron a la banda cintas sin etiquetar con las primeras mezclas de las grabaciones y los miembros del grupo votaron sus canciones favoritas a ser incluidas, y la mayoría de esos votos coincidieron con el concierto grabado el 29 de noviembre de 1979 en el Pavillion de París, en Francia. Originalmente, su título original iba a ser “ROADWORKS”, pero finalmente eligieron como título “PARIS”. Es bueno indicar que la lista de temas escogidos incluyó casi todo el álbum “CRIME OF THE CENTURY” -con la excepción de “”If Everyone Was Listening”-, tres canciones del “CRISIS? WHAT CRISIS?”, dos del “EVEN IN THE QUIETEST MOMENTS”, tres del “BREAKFAST IN AMERICA” y “You Started Laughing” -lado B del single “Lady”. Sorpresivamente, no fue incluida en el álbum el gran hit “Give A Little Bit”, y al respecto, Hodgson indicó: “nos quedamos boquiabiertos cuando escuchamos de nuevo las cintas en directo para encontrar lo malas que eran las versiones. No había una sola versión que quisiésemos poner en el álbum”. Y otros temas interpretados en la gira pero excluidas del álbum fueron “Goodbye Stranger”, “Even In The Quietest Moments”, “Downstream”, “Child Of Vision” y “Another Man’s Woman”, aunque posteriormente fueron incluidas en el disco extra de la reedición del “BREAKFAST IN AMERICA” en el 2010.

 

El tracklisting fue el siguiente:

  

Lado 1   School            Ain’t Nobody But Me  The Logical Song Bloody Well Right	Lado 2             Breakfast In America You Started Laughing Hide In Your Shell From Now On
Lado 3   Dreamer Rudy   A Soapbox Opera Asylum	Lado 4             Take the Long Way Home Fool’s Overture Two Of Us Crime Of the Century

 

El álbum fue lanzado el 26 de setiembre de 1980 y producido por Peter Henderson y Russel Pope, llegando al número 8 en USA, según Billboard, logrando ser Disco de Oro y número 7 en UK. Además fue número 1 en Nueva Zelanda, número 2 en Dinamarca, número 3 en Canadá, número 5 en Alemania, número 6 en Noruega, número 7 en Austria y número 12 en Suecia. Y el single “Dreamer” llegó al primer lugar en Canada, siendo su segundo número 1 en dicho país, y al número 15 en USA. De esta manera, SUPERTRAMP comenzaba con pie derecho en la década del 80 y se preparaba para lo que sería su próximo álbum, que marcaría un momento significativo en la historia musical de la banda. 

“… FAMOUS LAST WORDS …” (1982).-

 

Durante 1981 y 1982, no hubo noticias de la banda, e incluso se especulaba de su separación. Pero todos esos rumores quedaron desvirtuados en octubre de 1982 cuando lanzaron “… FAMOUS LAST WORDS”, séptimo album de la banda. Y este sería el último trabajo musical del grupo grabado con Roger Hodgson, quien se alejaría de la banda en 1983 para emprender una carrera como solista. Pero la atmósfera dentro de la banda comenzaba a ser diferente y eso se reflejó en la creación de este álbum. Aunque realmente Davies y Hodgson componían sus canciones por separado durante buen tiempo, siempre ambos concibieron de manera conjunta la temática y la dirección de cada álbum. Pero este álbum llegó a ser una excepción a esta regla, debido a que como ambos vivían en diferentes lugares de California en los meses previos a la grabación, cada uno concibió su propia visión del álbum. Por un lado, Hodgson quería que el álbum continuara en la línea pop de su antecesor, “BREAKFAST IN AMERICA” -el álbum más exitoso a nivel comercial-, y por otro lado, Davies tenía en mente un álbum más cercano al rock progresivo, con la canción “Brother Where You Bound”, de 10 minutos de duración, como pieza principal. Al respecto, Bob Siebenberg indicó: “Al final, los dos cambiaron sus formatos y la imagen de cómo pensaban que debería ser el álbum. Se convirtió en una versión diluída de lo que comenzó a ser. Fue realmente ni lo uno ni lo otro”.  Y esta especie de distanciamiento se hizo evidente en la grabación y mezcla del álbum, que se llevó a cabo principalmente en Unicorn Studios, el hogar de Hodgson en Nevada City, California, debido a que no quería abandonar a su esposa, a su hija Heidi de dos años de edad, y a su hijo recién nacido, Andrew. Ante ello, Davies terminó grabando sus partes vocales en su estudio personal, en The Backyard Studios, en Encino, California, y otras sobregrabaciones se realizaron en el Bill Schnee Recording Studios de Los Ángeles. Fue grabado entre noviembre de 1981 hasta mediados de 1982. Al respecto, Hodgson comentó que se arrepentía de la grabación del álbum, el cual definió como “un último intento de hacer que las cosas sucediesen”. Y una vez más, los temas fueron acreditados como escritos por Davies y Hodgson, aunque realmente, quien interpretaba cada canción era su compositor. “Crazy”, “It’s Raining Again”, “Know Who You Are”, “C’est le Bon” y “Don’t Leave Me Now”  pertenecían a Hodgson, mientras que “Put On Your Old Brown Shoe”, “Bonnie”, “My Kind Of Lady” y “Waiting For So Long” eran de Davies.

 

Fue lanzado el 29 de Octubre de 1982 y producido por Peter Henderson, Russel Pope y Supertramp, llegando al número 5 en USA, según Billboard, y al número 6 en UK. Además fue número 1 Canadá, Francia, Alemania y Holanda, número 2 en Australia y Noruega, número 4 en Austria, número 5 en Nueva Zelanda y número 40 en Japón. Y el tracklisting fue el siguiente: 

 

Lado 1   Crazy Put On Your Old Brown Shoes         It’s Raining Again Bonnie Know Who You Are

Lado 2             My Kind Of Lady C’est Le Bon   Waiting So Long Don’t Leave Me Now

  

Su lanzamiento fue seguido de una gira mundial, en la cual Hodgson anunció que abandonaba el grupo. Por entonces, el músico comentó que su marcha estaba motivada por el deseo de pasar más tiempo dedicado a su familia y emprender una carrera en solitario, y que no había ningún problema personal o profesional entre él y Davies. Durante la época, Hodgson ya se había mudado con su familia al norte de California, donde construyó una casa y un estudio de grabación. 

En cuando al contenido musical del álbum, siguió manteniendo un muy buen nivel, y bastante equilibrado y elaborado, musicalmente hablando. Creo que intentó seguir en parte con la línea musical de su antecesor, pero a su vez, se siente bastante melancólico y con los estilos musicales de Davies y Hodgson claramente diferenciados, más aún, ya sabiendo la banda que ésta sería la última producción musical con los cinco miembros que formaron parte de la banda durante una década completa. Pero definitivamente, eso tampoco significó un detrimento o un bajón en su gran calidad musical. Y en cuanto al hit principal del álbum, “It’s Raining Again”, compuesto por Hodgson, en una entrevista señaló: “Escribí ‘It’s Raining Again’ en un día en que me estaba sintiendo triste por había perdido a un amigo. Estaba en Inglaterra mirando afuera de la ventana y había una lluvia torrencial y literalmente, la canción vino a mí. Empecé a tocar esos acordes en este órgano y solo comencé a cantar ‘It’s Raining Again’”. El otro tema que también fue single fue “My Kind Of Lady”, compuesta y cantada por Davies, quien armoniza consigo mismo cambiando entre su voz natural y un falsete vocal. Los pasajes en falsete fueron sobregrabados y mezclado con un phaser, y además, tuvo un video bastante original y nostálgico, en blanco y negro, con todos los miembros del grupo engominados y afeitados. Y curiosamente nunca fue tocada en vivo por la banda. Y en cuanto a mis canciones favoritas de este buen álbum, sinceramente me resulta muy difícil elegir, pero creo que mi favorita es “It’s Raining Again” y luego pondría en el podio a la gran “My Kid Of Lady” y “C’est le Bon”. Y como un plus, agregaría “Bonnie” y “Don’t Leave Me Now”. 

Finalmente, con este álbum, SUPERTRAMP cerraba una etapa musical de siete álbumes con Roger Hodgson. Y ello fue acompañado de una exitosa gira mundial por Europa y USA y Canadá, con un total de 63 conciertos, por Europa entre el 1° de junio y el 24 de julio de 1983, y luego por USA y Canadá, entre el 5 de agosto y el 25 de setiembre de 1983. A lo largo de los años, mucho se especuló sobre la razón por la cual Roger Hodgson abandonó Supertramp. En una entrevista en los años 90, Hodgson señaló que su familia fue la razón principal para abandonar el grupo. Asimismo, la labor de manager ejercida por la esposa de Rick Davies supuso un motivo de confrontación entre ambos músicos.  Si algo distinguía a Supertramp era el equilibrio entre dos estilos musicales tan diversos de Hodgson y Davies, tanto al cantar como al componer canciones. Y ambos perdieron al separarse: Supertramp perdió porque la voz y teclados de Hodgson, que representaban el sonido melódico y distintivo y característico de la banda. Y Hodgson también perdió porque se extrañaban en sus temas las contrapartes vocales de Davies, como por ejemplo en “School” y "Dreamer". Hodgson como solista interpretaba magistralmente sus temas, pero le faltaba ese plus para que la cosa sea perfecta. Y tras la decisión de Hodgson de apartarse de la banda, se dio un acuerdo verbal entre Davies y Hodgson mediante el cual Davies se quedaba con el nombre del grupo y Hodgson se quedaba con sus canciones. Era el final de una era en la banda y un probable nuevo comienzo estaría por venir.