GEORGE HARRISON: UN MISTICO SEÑOR

Hoy, 29 de noviembre se cumplen ya 22 años, desde que nos dejó el gran GEORGE HARRISON, el “Quiet Beatle”. Aún recuerdo el día que me enteré de la triste noticia. Ya se sabía que que el buen George tenía cáncer y que su estado había empeorado y que entrando a noviembre se podía esperar lo peor. Esa mañana del jueves 29 de noviembre del 2001 estaba tomando desayuno. Aún no me había casado y vivía en La Calera en una casa de familia, en la cual viví como cuatro años y medio. Tenía la radio prendida en Radio Zeta, y soltaron un tema de George y luego anunciaron la noticia de su fallecimiento. Me dio muchísima pena porque era uno de los Beatles a quien más admiraba, pero por otro lado, no me tomó de sorpresa –como me sucedió con la muerte de Freddie Mercury o la de Maurice Gibb-, porque un poco como que se esperaba ya el desenlace. Era el segundo Beatle en partir, y sólo nos quedaban Paul y Ringo. A modo de tributo en este blog, deseo dedicar este post a la memoria de George Harrison. No voy a elaborar una biografía detallada de George sino más bien deseo compartir mi experiencia sobre cómo llegó la música de George Harrison a mi vida y cómo me enganché a ella y señalar algunos aspectos importantes de su vida. Y como ya he venido haciendo, he querido actualizar este post y publicarlo con fecha de hoy.

La primera vez que escuché a George Harrison fue en 1975 con el tema “Dark Horse” en Radio Miraflores, el cual tuvo buena difusión radial en ese año. Sinceramente en ese momento la canción me gustó sin fascinarme mucho. En ese primer momento desconocía totalmente la existencia de los Beatles y que George había sido uno de sus miembros. En ese mismo año, también se escuchaba en la radio a Paul McCartney & Wings con “Listen To What The Man Said”, a John Lennon con “Stand By Me” y a Ringo Starr con “Only You”. Todas esas canciones fueron difundidas ampliamente en radio Miraflores y para ser franco, me gustaron mucho, y en uno de esos programas, tomé conocimiento por primera vez que en la década anterior había existido un grupo llamado The Beatles y que había sido conformado por esos cuatro cantantes y músicos: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Recuerdo que lo primero que pensé fue, “si esos cuatro han tenido buenas canciones en este año, deber haber sido interesante lo que deben haber hecho los cuatro juntos”. En los siguientes años, fui conociendo a los Beatles, pero por algunas canciones en particular que se escuchaba en la radio en programas musicales del recuerdo, como por ejemplo, “Yesterday”, “Help”, “Let It Be”, “Hey Jude”, “She Loves You”, “A Hard Day’s Night”, y de repente algunos otros temas más. Pero era un soberano ignorante de la discografía de los Beatles y sus obras maestras. Y la imagen que tenía de ellos era la de la primera etapa, la época del “Yeah, Yeah, Yeah”. En los siguientes años, a nivel solista del único que escuché en la radio fue de Paul McCartney. Del resto, nada. Y en el caso particular de George Harrison, solo supe de la existencia de “My Sweet Lord”, y nada nuevo divisé en el camino. Pero las cosas cambiarían a partir del 8 de diciembre de 1980.

Cuando John Lennon fue absurdamente asesinado, debo confesar que mi conocimiento de la música de los Beatles era mínimo. Y a partir de ese momento, en las radios y en los programas musicales de TV, se dio una especie de resurgimiento de la música del cuarteto de Liverpool. Y gracias a un amigo de la universidad, quien era Beatlemaniaco, comencé a profundizar en su discografía y en todos los temas de sus álbumes. Y francamente quedé deslumbrado, y sobretodo, por la segunda etapa y los álbumes “SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND” y “ABBEY ROAD”. Y allí se convirtieron en uno de mis grupos favoritos de siempre. George era el tranquilo del grupo, el del medio, el que se paraba entre Paul y John para unirse a los coros y luego retrocedía, silencioso para seguir tocando la guitarra. Siempre mantuvo un perfil bajo y fue caracterizado como el "Beatle tranquilo" o el "Beatle Silencioso", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. Adicionalmente, otra cosa que también descubrí fue la importancia de George dentro del grupo. Sus composiciones dentro del grupo eran tan buenas como los temas del resto de la banda, y en lo personal, me gustaban mucho. En los 60’s, George se introdujo en la filosofía hindú y así comenzó a gestarse en él una tendencia que habría de ser muy importante para el grupo. Tanto que George sería el responsable de que a través de la música de los Beatles se abriera un nexo entre Oriente y Occidente. Puedo mencionar canciones como “Don’t Bother Me”. “I Need You”, “You Like Me Too Much”, “If I Needed Someone”, “Within You, Without You”, “Piggies”, “Something”, ”Here Comes The Sun” y su tema emblemático, “While My Guitar Gently Weeps”.

Asimismo, en forma paralela, comencé a descubrir también algunas canciones de su trayectoria como solista, la cuales también me fueron gustando. También descubrí que tras la disolución de los Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más aclamado por la crítica, “ALL THINGS MUST PASS”, el primer álbum triple de la historia musical. Este álbum significó una entrada triunfal para la carrera musical solista de George. Con todo eso, aguardaba con expectativa algún nuevo lanzamiento como solista de George.

En mayo de 1981, seis meses después de la muerte de Lennon, George como solista lanzó el single “All Those Years Ago”, en donde rendía tributo a John Lennon contando con la participación de Paul y Ringo en la canción, en el bajo y batería respectivamente. El resultado fue un extraordinario tema que devolvió a George a primeros planos de popularidad. Algo que recuerdo fue que en los años 81 y 82, los discos del año en muchas emisoras fueron “Woman” de John Lennon y “Ebony & Ivory” de Paul McCartney y Stevie Wonder, respectivamente. Muchos fans de esa época nos decíamos, “solo falta que el 83 el disco del año sea un tema de George”. Y aunque el 83 lanzó una nueva canción “Wake Up My Love”, del álbum “GONE TROPPO”, pero no pasó nada con ese tema, y falló ese pronóstico de los fans beatlemaniacos de un Nº 1 para George en 1983. Aunque en honor a la verdad, ese pronóstico se llegaría a cumplir cinco años después, en 1988.

En 1987 George reapareció en el mundo de la música, luego de cinco años de silencio, con el single “Got My Mind Set On You” y el retorno fue por la puerta grande. El tema se convirtió en un enorme hit en todo el mundo, llegando al Nº 2 en UK por 4 semanas, y al Nº 1 en varios charts europeos y sobretodo, fue Nº 1 en USA, según Billboard. Pero la cosa no quedó solo allí. Su álbum “CLOUD NINE”, lanzado en enero de 1988, fue sencillamente espectacular y con muy buenas canciones, como “Cloud Nine”, “That What It Takes”, “This Is Love”, “When We Was Fab”, “Devil’s Radio” y la hermosa balada “Someplace Else”. Producido por Jeff Lynne y George, el álbum fue aclamado por la crítica y colocó a George en el tope de la popularidad. Nuevamente un Beatle alcanzaba la cima en la década del 80.

A ello también debe agregarse que luego de terminar la grabación de “CLOUD NINE”, George estaba cenando con Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty y mencionó que necesitaba una nueva canción para el lado B del próximo single “This Is Love”. Al día siguiente, todos ellos se juntaron en la casa de Bob Dylan, donde escribieron el tema “Handle With Care”. Entonces la compañía de grabación mencionó que el tema era tan bueno que no podía desperdiciarse con un lado B y George sugirió que ellos tendrían que hacer otras nueve canciones de la misma manera: cinco tipos sentados alrededor de un círculo con guitarras acústicas. Nació así el proyecto de los Traveling Wilburys, que trajo como consecuencia el álbum llamado “TRAVELING WILBURYS VOL. 1”. Y en 1991 lanzaron un segundo álbum llamado “VOLUME 3”. En ese momento, a nivel solista, sin restarle méritos a la trayectoria de John Lennon o Paul McCartney, mi Beatle favorito ya era George Harrison.

George se definía como una persona introspectiva, un tipo tranquilo y relajado. Era un tranquilo padre de familia que no se preocupaba por impresionar, muy ocupado de las cosas intelectuales. En una entrevista para la revista “Musician” en 1987, George dijo sobre su aspecto: “Siempre he tenido sentido del humor. Siempre he sido marcado como melancólico o serio porque hice algunas cosas espirituales durante una fase de mi carrera y cantaba muchos temas acerca de Dios. Pero no puedes cantar este material riéndote. Si no eres una persona sonriente, concluyen que eres serio. Me divertía mucho siempre, cuando la gente pensaba que yo era muy serio. Tengo un lado muy serio de mí, pero aún dentro de eso, siempre veo el chiste también, Esa es la razón porque siempre me gustó Monthy Phyton”. Una faceta desarrollada por George fue la creación de la productora cinematográfica “Handmade Films”, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto del film “La Vida de Brian”, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran “Mona Lisa”, “Time Bandits”, “Shanghai Surprise” y “Withnail and I”. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en “La Vida de Brian”.

A nivel personal estuvo casado con la modelo Patricia Ann Boyd, a quien conoció en 1964 durante la filmación del film, “A Hard Day’s Night” y se casaron el 21 de enero de 1966. Se divorciaron en 1973 y en 1974 se unió a la mexicana Olivia Arias, secretaria de “Dark Horse” y con la que tuvo un solo hijo llamado Dhani en 1979 -quien es el fiel retrato de su padre-, y en la primera mitad de los 80’s se casaron y estuvieron juntos hasta su muerte. Tan parecido es Dhani a su padre que sirvió para que Paul McCartney en broma dijera al público en el “Concert for George”: "Olivia me dijo que en este escenario parece que George permaneció joven mientras todos nosotros envejecimos.", en referencia a Dhani.


Entre 1994 y 1996, emprendió junto a Paul McCartney y Ringo Starr el proyecto “ANTHOLOGY”, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba: “Free As A Bird” y “Real Love”. Asimismo, dicho proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con entrevistas a los tres miembros supervivientes y logro complacer el deseo de millones de fans en todo el mundo: escuchar nuevamente a George, Paul y Ringo juntos, aunque sea por una última vez. Y el resultado fue bastante bueno.

A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón. El cáncer reapareció en el 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo. George Harrison falleció en un hospital de Hollywood, Los Ángeles, el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y tras su muerte, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos”. Paul McCartney manifestó: “Estoy devastado y muy, muy triste. Era un tipo agradable y un hombre muy valiente, tenía un maravilloso sentido del humor. Realmente, era mi hermano menor''. El álbum póstumo de George Harrison, “BRAINWASHED”, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto Nº 18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el Nº 37 en las listas de éxitos británicas.

El 29 de noviembre de 2002, conmemorando el primer aniversario de su muerte, McCartney, Starr, Eric Clapton, Tom Petty and the Heartbreakers, Jeff Lynne, Billy Preston, Joe Brown, Jools Holland, Sam Brown, Olivia Harrison y Dhani Harrison participaron junto a otros músicos en el Concert for George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. En él, McCartney tocó "Something" acompañado de un ukelele, contando como anécdota que cuando solía visitar a Harrison en su casa después de cenar, George solía sacar un ukelele y tocar alguna canción. Asimismo, McCartney, Clapton y Starr se reunieron por primera vez en la canción "While My Guitar Gently Weeps" desde que fue grabada en 1968. Los beneficios del concierto fueron cedidos a la organización The Material World Charitable Foundation que Harrison fundó en 1973. Y el 14 de abril del 2009 fue homenajeado póstumamente con una estrella en el Hollywood Walk of Fame, ubicada en frente del Edificio de Capitol Records. Al evento asistieron su viuda Olivia, su hijo Dhani, su ex-compañero de banda Paul McCartney, Jeff Lynne, Tom Hanks, entre otros. 

Por último, en lo personal me queda la satisfacción de haber contribuido junto con mi gran amiga Dianita García con un especial dedicado a George Harrison por su cumpleaños en 1994 en Telestereo, y gracias a este especial, pude también conocer a uno de mis mejores amigos, Piero Dall’Orso, quien sin conocerme previamente, y gracias a que mi amigo Christian Rojas hizo posible el contacto con él, muy gentilmente me grabó dos temas instrumentales del album “WONDERWALL MUSIC” para utilizarlos como cortina musical para el especial que hicimos con Diana. Y definitivamente algo que nunca olvidaré fue ese emotivo momento en el concierto de Paul McCartney en Lima el 9 de Mayo del 2011 y el 25 de Abril del 2014, cuando le rindió homenaje a George cantando "Something" y con imágenes de George en la pantalla gigante. Han pasado 22 años de su partida física, pero GEORGE HARRISON permanece en el recuerdo de quienes lo admiramos y su legado musical continúa intacto entre sus innumerables fans en todo el mundo que lo han seguido desde hace cuatro décadas.

24 DE NOVIEMBRE: UN AÑO MAS SIN FREDDIE

Han transcurrido ya 32 años desde que la triste noticia de la partida de Freddie Mercury sacudiera nuestro interior, y hoy, la música de QUEEN continúa más vigente que nunca y el legado de Freddie Mercury permanece intacto. Su imagen sigue viva en nuestras mentes y corazones, y sin duda alguna, ya forma parte de esa privilegiada galería de artistas legendarios e inmortales, cuya contribución a la música ha sido sencillamente extraordinaria. Y sus composiciones continúan escuchándose incansablemente y ya son parte de la historia musical. Si no, ¿de qué forma podría explicarse el eterno éxito de “Bohemian Rhapsody”, la obra maestra de QUEEN y composición cumbre de Freddie? ¿O la plena vigencia de “We Are The Champions”, himno en diversas competencias deportivas? O hace ya varios años la súbita popularidad de “Don’t Stop Me Now” a raiz de su inclusión en el comercial de Rimac Seguros, o en Entel Perú? ¿O su imborrable presencia en la Clausura de los Olimpiadas Londres 2012? Por ello, he querido actualizar el post que publiqué hace trece años y publicarlo con fecha de hoy.

Deseo transportarme al pasado hace 32 años y compartir con ustedes lo que fueron para mí esos días de noviembre de 1991. Dos semanas atrás, en la segunda semana de noviembre, ya habían comenzado a circular rumores en algunos diarios sobre el estado de salud de Freddie -que comenzaron a esparcirse desde 1990-, que en ese momento ya comenzaban a cobrar mucho más fuerza en los tabloides británicos. Por esos días, acababa de ser editado en Gran Bretaña el álbum recopilatorio "GREATEST HITS II", y lo que contribuía a generar dichas especulaciones eran dos hechos: 1) Que no se incluyese ningún tema nuevo en dicha recopilación; y 2) Que el single de adelanto de dicho álbum fuera precisamente "The Show Must Go On", como si fuese algo premonitorio.

Uno como fan como que se resistía a creer dichos rumores, pero habían ciertos hechos que sembraban razonables dudas: 1) La muy poca exposición pública de Freddie a raiz de la salida del extraordinario álbum “INNUENDO”, recayendo en Brian y Roger la labor de promocionar dicho álbum con entrevistas; 2) La negativa de QUEEN a salir de gira para promocionar el álbum “INNUENDO”, actitud asumida dos años atrás luego de la salida de “THE MIRACLE”; 3) La no aparición del grupo en el video clip de “Innuendo”, en donde se utilizaron imágenes estilizadas de los miembros de QUEEN provenientes de otros videos; 4) Su aspecto físico cada vez mas frágil y delgado, algo visible en "I'm Going Slightly Mad", “Headlong” y exageradamente notorio en "These Are The Days Of Our Lives"; y 5) Las letras de los temas del álbum “INNUENDO”, que tenían un insinuante -de acuerdo a la traducción del titulo del álbum- tufillo a despedida.

Pero todas esas especulaciones dejaron de serlas para convertirse en una triste y fatal realidad el día sábado 23 de noviembre de 1991, cuando Freddie Mercury confirmó lo que prensa londinense venía especulando hacía tiempo: anunció al mundo que padecía del mal del SIDA. Recuerdo que ese domingo 24 de noviembre de 1991 estaba reunido en la tarde con dos amigos fans de QUEEN, Raul Alvarez y Ricardo, y en eso, uno de ellos, Raulito -QEPD-, soltó una bomba. Contó que la noche anterior había visto en el noticiero "24 Horas" la noticia oficial y confirmada de que Freddie tenía SIDA y que lo había anunciado a través de un comunicado. Recuerdo que a todos nos cayó como una bomba de agua helada, pero por otro lado, fue una confirmación de continuas sospechas que a lo largo de dos años -desde 1989- uno venía acumulando pero que en el fondo se negaba a aceptarlo. Me acuerdo que ese día los tres quedamos en estar atentos a partir del día siguiente a TODO lo que saliera en la TV y en las radios para escuchar cualquier noticia referente a su estado de salud, y deseábamos al menos, que pudiese llegar con vida al año 1992 para las Olimpiadas en la ciudad de Barcelona. Así me acosté el domingo 24 ignorando lo que se vendría a partir del día siguiente.

Lunes 25 de noviembre. Me levanté temprano para ir a mi trabajo y estaba tomando desayuno con mi padre -QEPD-, y en eso mi viejo me comenta, "en la radio he estado escuchando la noticia sobre el cantante de tu grupo favorito". Yo le dije. "sí viejo, ya se confirmó ayer que tiene SIDA", y el me contestó de inmediato: "No, acaba de salir la noticia de que ha fallecido". En ese preciso instante, sentí que se me paralizaba el cuerpo y me quedé helado. Pregunté de nuevo, "Viejo. ¿estás seguro de eso?", y me contesta "Sí, y en estos momentos hay bastante consternación en Londres". En ese momento, disculpen la expresión, se me jodió la mañana, el día y la semana. Cuando mi viejo salió a trabajar, le di la noticia a mi hermano -prácticamente lo desperté- y luego me encerré en el escritorio y prendí la radio y confirmé la noticia. Cogí un CD -era INNUENDO- y puse "The Show Must Go On" y luego puse un cassette y comencé a escuchar el tema solista de Freddie, "There Must Be More To Life Than This" y en ese momento, las lágrimas brotaron de mis ojos sin cesar, porque en ese preciso instante, la fantasía de TODA mi vida se hacía añicos y terminaba para siempre: Ver algún día a QUEEN en concierto, a Freddie, Brian, Roger y John juntos en un escenario. Ya eso nunca más volvería a suceder y fue un desconsuelo grande para mí en ese momento. Era el definitivo final de un sueño, de una ilusión. Luego me fui a mi trabajo, y prácticamente ese día ni trabajé porque la mente la tenía en otra parte. Llamé a todos mis amigos fans de QUEEN de ese entonces, y todo el día estuvimos conectados, con la tristeza de por medio y en la noche nos vimos en casa de mi entrañable amigo Hernaldo Alva y vimos el programa “Disco Club”, donde Gerardo Manuel hizo el mismo día un especial de QUEEN a raiz de la noticia. Y terminando el día, en la noche me ví todos los noticieros y me sorprendió ver la noticia entre los titulares. Los siguientes días fueron de amplia cobertura en los noticieros locales, y también de aceptar la cruel realidad: ya no volveríamos a ver nunca más a Freddie sobre un escenario y a QUEEN como banda completa y en actividad.

Durante sus últimos meses, Freddie fue cuidado por sus amigos más cercanos, Jim Hutton, Joe Fanelli y Peter Freestone y el anuncio oficial de su muerte señaló: “Freddie Mercury murió pacíficamente esta noche en su residencia en 1 Logan Place, Kensington, London. Su muerte fue resultado de una neumonía ocasionada por el SIDA". Brian, Roger y John emitieron el siguiente comunicado: "Hemos perdido al mejor y más querido miembro de nuestra familia. Sentimos un dolor tremendo porque se ha ido, tristeza porque se encontraba en la cumbre de su creatividad, pero por encima de todo un gran orgullo por el modo valeroso en que vivió y murió. Nos ha sido concedido el privilegio de compartir nuestra vida con el. En cuanto nos sea posible, quisiéramos celebrar su vida al estilo al que nos tenía acostumbrados". Sus restos fueron cremados el miércoles 27 de noviembre en una ceremonia según el rito zoroastro.

Los años han pasado y como señalé, su música, lejos de haber decrecido, se ha universalizado y está más viva que nunca. Y sin duda alguna, a ello han contribuido principalmente dos hechos concretos que se dieron en la década del 2000 al 2009: 1) La puesta en escena del musical teatral "WE WILL ROCK YOU" que se estrenó en Londres en mayo del 2002 y que llevó la música de QUEEN a varios rincones del planeta, y sobretodo, a las nuevas generaciones, que de esa manera, descubrieron la música de QUEEN; y 2) El hecho que desde el año 2005 al 2008, Brian May y Roger Taylor se volvieran a juntar para salir de gira luego de 19 años, al lado del cantante PAUL RODGERS en la alianza denominada “QUEEN + PAUL RODGERS” y llegando a presentarse en Europa, Japón, USA y Sudamérica.

En lo personal, la música de QUEEN ha sido parte muy importante en mi vida y gracias a esta legendaria banda, como contraparte a la frustración de no haber visto a QUEEN en concierto, he recibido cosas muy positivas, entre las cuales, las mas importantes son: 1) Haber conocido a muchos de mis mejores amigos con quienes me une una gran y estrecha amistad que se ha ido fortaleciendo con los años; 2) Haber tenido el privilegio de haber sido parte de un programa de radio dedicado enteramente a QUEEN, gracias a mi gran amigo Huguito Salazar; 3) Haber tenido la enorme suerte y privilegio de haber recibido en cuatro oportunidades carta de respuesta de puño y letra del mismo Brian May en 1988, 1991, 1992 y 1993; y 4) Haber tenido la enorme dicha de haber visto en vivo a Brian May y Roger Taylor, la dupla sobreviviente de QUEEN, en Santiago de Chile y al al lado de mi amada esposa y dos de mis mejores amigos.


 

Finalmente, a 32 años de su desaparición física, Freddie Mercury permanece en el recuerdo perenne de los fans y sigue siendo admirado y reconocido en el mundo entero como un extraordinario cantante, un prolífico compositor, un pianista impecable y un showman en el escenario con un dominio de escena único, en suma, un artista completo.

¡QUEEN VIVE! ¡FREDDIE VIVE!! ¡DIOS SALVE A LA REINA!!!

INXS: UNA IMPECABLE BASE RITMICA

Hoy, 22 de Noviembre, se cumplen 26 años de la muerte de Michael Hutchence, vocalista principal de la banda australiana INXS, y por ese motivo, he querido actualizar el post que le dediqué hace doce años, actualizado y publicado con fecha de hoy, con el fin de recordar a esta buena banda. Siempre recuerdo las circunstancias en las cuales me enteré de esta fatal noticia. Estaba en casa de mi hermano Alex, en un almuerzo por su cumpleaños y llegó su cuñado y lo primero que comentó al llegar fue “Se ha matado Michael Hutchence, de INXS”. Y todos nos quedamos sorprendidos porque ese año 97 el grupo había lanzado un nuevo álbum y un single exitoso con “Elegantly Wasted” y habían vuelto con buenos bríos, y parecía que se embarcarían en una gira por Australia. Horas después, me puse a chequear en la radio y confirmé la triste noticia. Como ya es usual en este blog, no pretendo hacer una biografía de Michael Hutchence ni de INXS, y solo pienso enfocarlo desde mi experiencia personal.

Formada en 1977 por los hermanos Farriss, la banda estaba integrada por Andrew Farris en la guitarra y teclados, Jon Farris en la batería, Tim Farris en la guitarra principal, Garry Gary Beers en el bajo, Kirk Pengilly en el saxo y guitarra y en la voz principal, Michael Hutchence. Y uno de los signos distintivos de INXS fue su impecable base rítmica, su sonido bien peculiar y el magnetismo que generaba la interpretación de su vocalista. La primera que supe de ellos fue en 1983, cuando en el programa “Club 9” -que conducía Gerardo Manuel, después de “Disco Club”-, pude ver el video clip de “Don’t Change”. Sinceramente me encantó el tema, el cual me pareció muy bueno y se veía a una banda bien integrada y me gustó mucho el video clip, en donde la banda salía en un lugar amplio y al final, la banda se iba y el baterista se quedaba solo en el lugar hasta que concluía el tema. Y me acuerdo que el vocalista tenía una mezcla de Mick Jagger y Jim Morrison. Con el tiempo, esta canción se convirtió en mi canción favorita de INXS y hasta ahora, encabeza mis preferencias entre las canciones de esta agrupación. Luego de ese tema, en la radio, al año siguiente en 1984, escuché otro nuevo tema de ellos, “Original Sin”, bastante rítmico y con un sonido fresco y moderno y mostraba una evolución del estilo de la banda.

Pero sería en 1985, cuando el grupo comenzó a hacerse mucho más conocido en nuestro medio, tanto en las emisoras de radio locales como en los programas musicales de TV, con el album “LISTEN LIKE THIEVES”, del cual se extrajeron muy buenos temas como “This Time”, “Listen Like Thieves”, “Kiss The Dirt (Falling Down The Mountain)” y sobre todo, el temaza “What You Need”. Cómo bailé este tema en las fiestas y en las discotecas en el año 86. Y me encantaba el riff de la guitarra que salía en la parte final del tema, era soberbio. Hasta allí, INXS había alcanzado el éxito. Pero faltaba más todavía por descubrir.

Para Octubre de 1987, lanzaron el álbum “KICK” y se fueron para arriba. Comenzando con el primer single, “Need You Tonight”, que fue un éxito en todo el mundo y con un video muy bien realizado, que le hizo merecedor del MTV Video Music Awards como Video del Año. Muy buena canción que te invitaba a bailar en la pista. Pero no fue la única de ese álbum y destacaron nítidamente las canciones “New Sensation”. “Mistify”, “Never Tear Us Apart” y la frenética “Devil Inside”. ¡Cómo me gustó esta canción en su año! Tenía un sonido bien sensual, que te seducía sutilmente. Y aquí en nuestro medio, el tema se hizo mucho más conocido cuando fue la canción con la que comenzaba la novela “Malicia”. INXS había logrado el mega éxito comercial y el reconocimiento de la crítica. 

En 1990, siguieron por la brecha del éxito con el album “X”, de cual se extrajo el tema “Suicide Blonde”, con un muy buen video, y los temas “Dissapear”, “By My Side” y “Bitter Tears”. Y para coronar este éxito alcanzado en los últimos años, en el 91 lanzaron un album en vivo llamado “LIVE BABY LIVE”, que tuvo bastante éxito. En los siguientes años, en los primeros años de la década del 90, como que bajó un poco su popularidad y sus álbumes “WELCOME TO WHEREVER YOU ARE” (1992) y “FULL MOON, DIRTY HEARTS” (1993) no redituaron el éxito de sus antecesores, -aunque me gustó mucho el tema “Not Enough Time”- y la banda decidió darse un buen descanso hasta 1997. 

En ese año 1997, retornaron con mucho éxito con el álbum “ELEGANTLY WASTED” y con el single del mismo nombre, el cual tuvo bastante difusión en MTV. Se proyectaba una nueva gira por Australia, tras haber realizado una gira mundial, pero todos los planes se vinieron abajo. En la mañana del 22 de Noviembre de 1997, Michael Hutchence fue encontrado muerto y la versión oficial señalaba que se había ahorcado con su cinturón colgándose de la puerta de la habitación 524 del Ritz Carlton Hotel en Sydney donde el cantante, junto con INXS, se habían alojado en días previos de una gira por los 20 años de la banda. Otras apoyaban la hipótesis de que fue un suicidio involuntario debido a una técnica autoerótica de propiciar orgasmos durante la masturbación por asfixia. Pero también se comentaba que Hutchence se encontraba muy deprimido porque no podía ver a su hija, producto de su relación con Paula Yates, y sumado a la cantidad de alcohol y drogas ingeridas, podrían haber precipitado a Michael a tomar esta fatal decisión.

Luego de la muerte de Hutchence, la banda no hizo ninguna presentación pública por un año. Luego hizo algunas apariciones con cantantes invitados como Jimmy Barnes, Terence Trent D'Arby y Jon Stevens; y finalmente Stevens se unió formalmente a la banda para un tour mundial y una sesión de grabación en el 2002. Y precisamente esa gira mundial fue la que los trajo a nuestro país el martes 21 de mayo del 2002 en el Jockey Club. Y algo que me llamó la atención fue estaban los cinco miembros originales, lo cual significaba que el verdadero sonido de INXS, su base rítmica iba a estar presente en ese concierto. Recuerdo que no iba a ir al concierto, y el mismo día martes 21, a eso de las 8:00 pm, me llamó mi hermano Alex al celular de mi esposa –en ese momento aún no estábamos casados y estaba en la casa donde vivo actualmente y con mis cosas del trabajo para luego regresar a donde vivía. Y mi hermano me dijo que tenía una entrada para ver a INXS y si quería ir. Yo en ese momento estaba con mi amada esposa y acabábamos de llegar a su casa y quería estar un rato con ella, pero ella al enterarse, me dijo, “anda y vete ahorita”, y con su hijo David, prácticamente me empujaron a salir volando de allí para llegar a la casa de mi hermano. Y me acuerdo que fuimos también con dos tíos de mi cuñada, muy buena onda ambos, Coco y Annie, a quienes les gustaba la música rock de la buena, y comentábamos cómo sería el nuevo cantante y cuál sería su postura, si cantar como Hutchence, o cantar en un estilo distinto. Y optó por lo primero, y debo decir que disfruté muchísimo el concierto. Muy bueno, de verdad. Y una de las partes más emotivas fue cuando en pantalla gigante aparecieron imágenes de Michael Hutchence y con su voz cantando “Never Tears Us Apart”, y sus compañeros de banda tocando el tema con él, y la frase final “We love you Michael, wherever you are”. A muchos se nos hizo un nudo en la garganta. Y el grupo tocó todos sus temas y me divertí duro, recordando aquellas épocas ochenteras. Pero no tocaban mi canción favorita “Don’t Change”, a lo largo del concierto. Cuando el grupo regresó para el encore, cerraron con “Suicide Blonde” y un tema más que no recuerdo y se fueron. Parecía el final del concierto y comenzamos a bajar por las escaleras y cuando ya estábamos a punto de salir, veo que la banda regresa al escenario. Y el vocalista dice algo y comienzan las notas del último tema en el teclado. En ese mismo instante me quedé paralizado. Era el inicio de “Don’t Change” y ya mi hermano Alex y los tíos Coco y Annie ya querían irse. Yo en ese momento les dije, “Carajo, yo de aquí no me muevo hasta que termine mi canción favorita”. Y disfruté como nunca esta extraordinaria canción y para mí había sido el broche de oro a un muy buen concierto. Salí recargado luego de vivir una de mis canciones favoritas de todos los tiempos.

FInalmente, se supo que Steven dejó la banda y en el 2005, los miembros de INXS participaron en un programa tipo reality show, y audicionaron alrededor del mundo con el fin de seleccionar al nuevo cantante de INXS y todo ello culminó con la selección del nuevo vocalista principal, el canadiense, J. D. Fortune, y lanzaron un nuevo álbum, el cual, para ser sincero, no lo llegué a escuchar.



Han pasado ya 26 años de la muerte de Michael Hutchence, pero su imagen permanece siempre en el recuerdo de los fans de esta recordada banda. Se fue antes de tiempo, pero se fue cuando estaba en plena actividad musical y con su voz en plena forma. Su partida dejó un enorme vacío en la banda, pero felizmente INXS no era el grupo de Michael Hutchence y sus cinco amigos. Era una agrupación bien afiatada y que poseía un sonido rítmico bien peculiar, y eso fue mérito de los otros miembros del grupo, quienes felizmente se han mantenido unidos a través de todos estos años.

FRIDA: UNA BELLA Y ARMONIOSA VOZ

Hoy, 15 de noviembre, está cumpliendo 78 años, nada menos que Anni-Frid Synni Lyngstad, más conocida como FRIDA, la hermosa cantante de ABBA y quien fuera mi amor platónico en mi época del colegio a fines de los 70’s y en los primeros años de mi etapa universitaria, a inicios de los 80’s. Y he querido actualizar el post que le dediqué a Frida hace nueve años, y publicarlo con fecha de hoy. Frida fue para mí un sinónimo de talento, belleza y elegancia, que con su sola sonrisa, cautivó el corazón de todos los fans de ABBA. Es muy cierto, que mucho de la imagen sensual del grupo tenía que ver con la presencia innegable de Agnetha, pero Frida no se quedaba atrás, en lo absoluto y entre ambas, nos dieron un motivo adicional para admirar a ABBA, además de la calidad de su música: admirar el encanto y belleza de sus vocalistas, y en lo personal, sobre todo de mi adorada Frida. Y es por ese motivo tan especial, que no podía pasar por desapercibido esta fecha en el blog y dedicarle un post a la bella Frida, como se merece. Como ya lo he señalado en post anteriores, no pretendo escribir una biografía detallada y exhaustiva sobre Frida. Para eso, hay webs donde pueden encontrar información más completa al respecto. Lo que deseo hacer es enfocarlo desde mi experiencia y dando mis impresiones personales y también agregando algunos detallitos interesantes de su vida y agregaré algunas declaraciones suyas provenientes de una entrevista que le hicieron en 1992, en donde revela muchas cosas interesantes.

Nacida en Ballangen, Noruega, en 1945, es bueno señalar que fue como resultado de una relación entre Synni, su madre, y un sargento alemán casado, Alfred Haase, meses antes que terminara la II Guerra Mundial, Lo curioso es que Frida siempre creyó que su padre había muerto cuando su barco de vuelta a Alemania se hundió durante la guerra hasta que en 1977, en plenos años de apogeo de ABBA, una revista alemana publicó la historia de su origen, incluyendo los nombres de sus padres, lo cual fue visto por su medio hermano, Peter Haase, quien le se lo comentó a su padre y pocos meses después, Frida pudo conocerlo finalmente en persona en Estocolmo. Al final de la II Guerra Mundial, Frida y su abuela Agny, tuvieron que salir de Noruega y buscar refugio en Suecia por temor a represalias por parte de la población noruega contra quienes habían tenido relaciones con alemanes durante la ocupación nazi, en donde no solo eran víctimas de insultos y humillaciones, sino que los niños eran separados de sus padres y muchos veces llevados a instituciones mentales. Su madre se quedó en Noruega, pero murió antes de que Frida cumpliera dos años, por lo que realmente ella fue criada por su abuela en Torshälla, Suecia.

En cuanto a su vida personal, a la edad de 17 años, se casó con Ragnar Fredriksson y tuvieron dos hijos: Hans Ragnar –nacido en 1963- y Ann Lise-Lotte –nacida en 1967. La pareja se separó en 1969 y se divorciaron oficialmente en mayo de 1970. Pero sin duda, su relación más trascendental fue la que tuvo con Benny Andersson. Ambos se conocieron en febrero de 1969 y la pareja se comprometió en Agosto y para 1971, ya estaban viviendo juntos y así junto con Bjorn y Agnetha, formaron ABBA y siempre dieron la imagen de ser una pareja sólida y muy unida. Y en Octubre de 1978 se casaron y parecía la culminación de un cuento de hadas. Pero la felicidad les duró poco, y luego de 3 años de matrimonio, la pareja se separó en febrero de 1981 y se divorciaron en noviembre de 1982. En ese mismo año 82, Frida dejó Suecia y se fue a vivir a Londres hasta que en 1986, se trasladó definitivamente a Suiza. Sobre su decisión de dejar Suecia, Frida declaró en una entrevista en 1992: “Debido al hecho que todos los fans y periodistas estaban colgados alrededor de mi casa cada día, no tuve ninguna privacidad. Me sentía prisionera en mi propio país. Por ello fue émigré a Inglaterra, pero no pude encontrar descanso allí tampoco. Luego de eso, me fui a Suiza a encontrarme conmigo misma nuevamente”.

Sobre su separación con Benny, en una entrevista en 1992, Frida declaró: “Sí, fue horrible. Benny y yo habíamos estado juntos por un largo tiempo. Finalmente nos casamos, pero después de dos años Benny se enamoró de otra mujer. Por supuesto que fue terrible. Me sentí como tirada a la basura. Y no podia pelear por este amor. Qué podia hacer? Ya todo estaba dicho. Nuestra relación había terminado. No había futuro para nosotros. Un divorcio era la única manera como ambos podíamos continuar con nuestras vidas. Pero como miembros de ABBA teníamos que presentarnos nosotros como una pareja feliz. Comenzamos a salir por separado cada noche, y así no teníamos que estar en casa juntos. Cuando Benny me dejó, la noticia estaba en todos los diarios de Suecia. Me encerré por una semana y no podia soportarlo. Quise protegerme contra todos los chismes, pero después de toda la conmoción, me sentí liberada. No quisimos fingir nunca más. Pero después del divorcio entré en una depresión. Porque ya había pasado por un divorcio traumático antes. Me casé muy joven y tuve hijos muy rápido. Cuando terminamos, me trasladé del campo a Estocolmo a trabajar en mi carrera como cantante, pero debido a que tenía un estilo de vida irregular, perdí la custodia de mis hijos. Sin un ingreso seguro, no tenía una fuerte posición como madre. El lo tenía todo y yo no tenía nada que ofrecer y los niños se quedaron con él porque tenía un ingreso seguro. En ese momento, estuve de acuerdo con él en eso. Pero más tarde, me di cuenta que los extrañaba terriblemente”. Y esta dura situación del rompimiento con Benny se vio reflejada en la letra del muy buen tema “When All Is Said And Done”, donde Frida canta con todo el sentimiento posible. Y su cambio de look reflejó ese momento duro que le tocó pasar, y que se vio acentuado en el último video de ABBA, “Under Attack”.

Para 1988, Frida se convirtió en abuela, cuando su hija Ann Lise-Lotte dio a luz a un hijo llamado Jonathan. En 1992, Frida se casó con el Príncipe Heinrich Ruzzo Reuss von Plauen. Su matrimonio con el príncipe le confirió el derecho a titularse Su Alteza Serenísima la Princesa Anni-Frid Reuss von Plauen, y le abrió las puertas de la Corte Real sueca, dado que su esposo era amigo de la infancia del rey Carlos XVI Gustavo. Todo parecía indicar que por fin Frida había encontrado la felicidad en su vida y los momentos duros habían quedado atrás. Pero lamentablemente no fue así. El 13 de enero de 1998, su hija Ann Lise-Lotte Casper falleció en un accidente de tráfico en los Estados Unidos, donde vivía y al año siguiente, en 1999, su esposo murió de un cáncer linfático. Fueron dos durísimos golpes para Frida, y algo que los fans de ABBA recordamos de esos años cuando se supo ésta última noticia por Internet, fue al apoyo incondicional que tanto Benny como su esposa le dieron a Frida, haciéndose presentes en el sepelio y en la vida de Frida.

A nivel personal, la primera vez que ví a ABBA y por ende, a Frida, fue en 1977 cuando ví por TV el programa español que pasaban por Canal 4, “Señoras y Señores” y ABBA salió cantando los temas “Honey Honey” y “Hasta Mañana”. Y aunque la presencia de Agnetha era imponente, pero algo que me gustó de ABBA, además de las dos canciones, fue el hermoso rostro de Frida. Aunque aparecía con el pelo rizado, imagen poco usual en ella y que correspondía a los primeros años de ABBA, pero su mirada y su sonrisa trasmitían un encanto único. Y un año después, con el estreno de “ABBA THE MOVIE”, volví a engancharme con la música de ABBA y le puse muchísimo más atención a Frida, porque hasta ese momento, tenía la idea que la cantante principal era Agnetha y que Frida hacía los coros, y nunca había escuchado a Frida cantar una canción de ABBA. Pero al ver la película, pude darme cuenta que Frida era la intérprete de dos hermosas canciones de ABBA: “Fernando” y “Money, Money, Money”. Y a partir de ese momento, al descubrir su muy hermosa voz, me di cuenta que en ABBA no había solo una, sino dos extraordinarias cantantes. Y con su cálida voz de mezzo-soprano, Frida contribuyó en la interpretación principal de varios de los mayors hits de ABBA, como "Fernando", "Money, Money, Money", “One Man, One Woman”, "Super Trouper", "I Have a Dream", "Knowing Me, Knowing You", “Our Last Summer”, “When All Is Said And Done” y “Andante Andante”, y compartió la voz principal con Agnetha en "Mamma Mia", "Waterloo", "Dancing Queen", "The Name of the Game", "Voulez-Vous", "Summer Night City", entre otros temas. Frida realmente disfrutó del estrellato más que sus otros 3 compañeros de ABBA y era la única que realmente gustaba de salir de gira y contactar con la audiencia. Desde la separación de ABBA, ella fue la única que abiertamente se lamentaba que no hubiera habido jamás una reunión. Aunque en lo que concierne a una reunión de ABBA, en ese año 92 ya tenía su propia opinión: “No pienso así y si lo hiciéramos, no sería como ABBA. Tuvimos nuestra oportunidad, durante el éxito del “ABBA GOLD”, del cual vendimos más de 15 millones de copias. Si esa no es una razón para regresar, entonces, cuál la sería? Pienso que tuvo que pasar en ese momento, pero no pasó”.

A nivel solista, en febrero de 1982, Frida comenzó la grabación de su primer álbum en inglés “SOMETHING’S GOING ON”, que fue producido por Phil Collins de donde se obtuvo el tema, “I Know There's Something Going On”, que fue su mayor hit solista. Le siguió en 1984 el álbum “SHINE”, producido por Steve Lillywhite. De ahí se obtendrían dos grandes temas, “Shine” y “Slowly”. Luego Frida se retiró de la vida pública durante varios años. A principios de los 90 dedicó la mayor parte de su tiempo a problemas ambientales, Y en 1996 apareció un nuevo álbum en solitario en sueco, “DJUPA ANDETAG” (Suspiros).

En cuanto a su relación con Agnetha, Frida comentó: “Por años han habido historias en la prensa diciendo que Agnetha y yo éramos rivales. Esto no es verdad. Durante las giras hubo tensiones, pero no especialmente entre Agnetha y yo. Actuar crea tensiones y no sería normal si nunca hubiera habido una disputa. Tuvimos algunas peleas, pero nunca duraban varios días y nunca era sobre nuestras personalidades o nuestros talentos. Agnetha y yo podemos ser de temperamento caliente. A veces, las cosas chocan, cuando estás bajo presión. En mi opinión, fuimos totalmente iguales y nos tratamos cada una con respeto. Sin rivalidad, ni celos”.



En la actualidad, Frida reside en Zermatt, Suiza, y se dedica a obras de caridad, en especial, con la prevención de drogas y temas ambientales. En el 2005, ella señaló en una entrevista que no tenía ningún interés en retomar su carrera musical. Sobre como se veía a ella misma, en 1992 Frida dijo lo siguiente: “Soy una persona activa y amo el medio ambiente. He tratado de vivir un estilo de vida saludable por años. Es por ello que no he comido carne en años. Últimamente he estado comiendo pescado, así que no soy vegetariana, pero es más un estilo de vida. Me da lo que necesito. Amo la naturaleza y el deporte. Me gusta caminar por las montañas, es una de mis grandes pasiones. De esta forma, me mantengo una condición saludable de una manera que me acomoda. Debido a ABBA y luego con mi carrera solista, he visto el mundo entero. Y he aprendido a apreciar la belleza de mi propio país. Y tiene que permanecer así. Hay tantas cosas que amenazan el medio ambiente. Debido a mi reputación tengo la oportunidad de hacer algo acerca de ello. Y me enfoco principalmente en Suecia, pero el trabajo de The Natural Step va más allá de Escandinavia. Tenemos actividades en todo el mundo. Es una organización que pide atención por el medio ambiente, pero de una manera positiva. Realmente vivo una buena vida y la disfruto. La vivo en armonía y estoy rodeada por mucho amor. Soy una persona feliz”.

Han pasado ya muchos años de las épocas doradas de ABBA y siempre permanece en el recuerdo la bella imagen de Frida, quien destilaba sensualidad y un carisma enorme. Hoy la vemos ya mayor, pero muy bien conservada para la edad que tiene y sobre todo, con su encanto intacto y su elegancia siempre presente. En lo personal, siempre ocupará un lugar entre mis selectas preferencias no solo porque cada vez que la veía en un video, la contemplaba embobado y fascinado. Y la gente que me conoce ya sabe porqué le puse a mi hija perruna el nombre de Frida. Pero además, demostró ser una mujer con una enorme fortaleza para haber superado los momentos muy duros que le tocó pasar en su vida, que a cualquiera lo hubiera derrumbado. Desde este blog, querida Frida, he querido recordarte con este humilde post y deseándote que Dios te de muchísimos años más de vida y con mucha paz y amor, como te lo mereces por habernos regalado tu talento y sobre todo, tu hermosa, cautivante y encantadora voz.

¡¡FELICES 78 AÑOS, DEAR FRIDA!! WE LOVE YOU!!!