SUPERTRAMP (1977-1979): CONSAGRACION TOTAL

 

1975. Tras el lanzamiento y éxito alcanzado por el álbum “CRISIS? WHAT CRISIS?”, ello fue acompañado de una larga gira de ocho meses de duración, la cual comenzó en UK el 13 de noviembre de 1975 en Bristol, y que incluyó 30 conciertos durante casi dos meses. Luego siguió Europa desde el 12 de enero hasta el 5 de febrero de 1976, y el 20 de febrero iniciaron un largo tour por USA y Canadá, que duró hasta el 25 de abril. Pero la gira no terminó allí y las siguientes paradas fueron en Japón el 28 y 29 de mayo, en Australia del 4 al 18 de junio, y culminado el 22 de junio de 1976 en Auckland, Nueva Zelanda. Y a diferencia de lo sucedido en el anterior álbum, en el que las presiones de la disquera por una nueva producción musical y el poco tiempo para ello, apenas terminó la extensa gira, tuvieron tiempo más que suficiente para dedicarse enteramente a crear un nuevo álbum y en las mejores condiciones posibles.

EVEN IN THE QUIETEST MOMENTS… (1977).-  

El álbum fue grabado entre noviembre de 1976 y enero de 1977, principalmente en el Caribou Ranch Studios con partes vocales y sobregrabaciones, y la mezcla fue completada en los estudios Record Plant, en Los Angeles. Además fue el primer álbum de SUPERTRAMP en utilizar al ingeniero Peter Henderson, quien trabajaría con la banda en sus siguientes tres álbumes. Al respecto, en el booklet del CD “RETROSPECTACLE – THE SUPERTRAMP ANTHOLOGY” del 2005, Davies señaló: “Pienso que fue Roger quien quiso salir de Los Angeles para hacer un disco. En ese momento, el cielo era el íimite, así que decidimos grabar en el Caribou Ranch, en una cima de la montaña afuera de Denver. Lo que no nos dimos cuenta fue que el delgado aire en las montañas hacía que tu voz se volviera rara. También hizo difícil para John (Helliwell) tocar el saxo. Así que terminamos de finalizarlo de regreso en L.A. en el Record Plant”. 

Fue lanzado el 8 de abril de 1977 y producido por Supertramp, llegando al número 16 en USA, según Billboard y en unos meses, fue su primer álbum en ser Disco de Oro en USA. Además fue número 1 en Canadá y Holanda, número 2 en Nueva Zelanda, número 3 en Noruega, número 5 en Australia y Suecia, número 12 en UK y número 14 en Alemania. En cuanto al contenido musical del álbum, continuó con el mismo virtuosismo y versatilidad establecidos en sus dos trabajos musicales anteriores, tanto en el estilo musical de la banda, como en su estructura musical. Y aunque formalmente todas las canciones figuran acreditadas por Rick Davies y Roger Hodgson, realmente la única composición conjunta entre ambos fue “Even In The Quietest Moments”. Los otros seis temas tienen el sello personal de cada uno. Davies compuso “Lover Boy”, “Downstream” y “From Now On”, y Hodgson escribió “Give A Little Bit”, “Babaji” y “Fool’s Overture”. Una vez más, el álbum es muy parejo y bastante equilibrado, y todos los siete temas son bastante buenos y sin ningún lunar que tenga que pasarse por alto. 

El tracklisting fue el siguiente:  

Give A Little Bit Lover Boy Even In The Quietest Moments Downstream

Babaji From Now On Fool’s Overture

 

Y sobre las siete canciones que forman parte de este brillante álbum, es bueno rescatar alguna información interesante. “Give A Little Bit” fue escrita por Hodgson cuando tenía entre 19 y 20 años, antes de ser presentada a la banda para grabarse cinco o seis años después, y el mismo Hodgson señaló que el tema estuvo inspirada por “All You Need is Love” de The Beatles. En cuanto a “Lover Boy”, en una entrevista Davies dijo: “Estuve inspirado por avisos en revistas para hombres que te decían cómo recoger mujeres. Tú sabes, envías por ello y está garantizado no fallar. Si no has dormido con al menos cinco mujeres en dos semanas, puedes tener tu dinero de vuelta”. Sobre “Even In The Quietest Moments”, la mayor parte del tema fue escrito durante una prueba de sonido para el concierto en el Tivolo Gardens, en Copenhague. Davies y Hodgson trabajaron las distintas partes de la canción, con Hodgson en un sintetizador Oberheim y con Davies tocando la batería. Al respecto, Davies comentaba: "Comienza con una melodía muy estándar y luego entalla en una especie de progresión de un solo acorde o quizás deberíamos llamarlo una digresión. Es algo donde hay cientos de sonidos que entran y salen, una especie de collage”. Y sobre la letra, Hodgson señaló: “Es una especie de canción de amor dual. Podía ser para una mujer o para Dios”. En cuanto a la hermosa balada “Downstream”, Siebemberg la describió como su favorita en el álbum, “porque es muy personal y muy pura”. Sobre “Babaji”, Hodgson lo escribió en honor a Mahavatar Babaji, a quien consideraba como un Cristo -o Krishna-, como figura o aún una manifestación del espíritu o fuerza de Dios. Siebember comentó: “Babaji es como la luz de vida de Roger y tipo de luz guía de Roger”. Y finalmente, en lo que se refiere a “Fool’s Overture”, tenía como título provisional “The String Machine Epic”, y le tomó a Hodgson cinco años para componerla. Según Helliwell, “surgió principalmente de unas pocas melodías en las que Roger había trabajado con la máquina de cuerdas que usábamos en el escenario”. Asimismo Hodgson recordó: “Fue muy mágico la forma como se reunió. Eran tres piezas musicales separadas que tuve por algunos años, y luego un día todas ellas se juntaron en lo que pienso que es una magnífica, y especie de épica pieza de música”. Y en cuanto a mis canciones favoritas de este gran álbum, en primer lugar elijo a “Fool’s Overture”, que es una verdadera obra maestra musical y de lo mejor que Hodgson hizo en Supertramp. Luego me encantan “Give A Little Bit”, que desde que la escuché por primera vez me fascinó totalmente, y “Downstream”, que es un tema realmente sublime y bellísimo, que me llega a la médula. Y como un plus, agregaría “From Now On” y Babaji”. 

 

El éxito de este gran álbum trajo consigo un muy exitoso tour por USA y Canadá que duró desde el 6 de abril de 1977 hasta el 7 de agosto. Luego se embarcaron en otra exitosa gira por UK y Europa, que comenzó el 28 de agosto de 1977 en Copenhague y que duraría hasta el 10 de noviembre en Londres. 

BREAKFAST IN AMERICA (1979).- 

El álbum fue grabado entre mayo y diciembre de 1978 en los Village Recorder de Los Angeles, y a partir de dos tandas de demos. El primer grupo fueron demos caseros, y cada uno incluía al principal compositor, Davies o Hodgson. El segundo grupo fueron demos de ocho pistas grabadas en los Southcombe Studios en Burbank, California, entre abril y mayo de 1978. Durante estas grabaciones, el grupo trabajó en las pistas de acompañamiento de todas las canciones -con excepción de “Take the Long Way Home”-, y determinó el orden en el que figurarían en el álbum. Para evitar pasar mucho tiempo en las mezclas, el grupo y el equipo de producción dedicaron una semana entera a experimentar con diferentes configuraciones de sonido, hasta que encontraron los arreglos adecuados.    

Al igual que en los anteriores álbumes, Davies y Hodgson escribieron la mayoría de os temas por separado, aunque concibieron la temática del álbum de manera conjunta. El concepto original era un álbum de canciones sobre la relación y los ideales en conflicto entre Davies y Hodgson, con el título provisional de “Hello Stranger”. La idea original fue finalmente descartada en favor de un álbum de canciones “divertidas”, y aunque al principio Davies quería mantener el título originalmente ideado, fue finalmente convencido por Hodgson para cambiarlo por “Breakfast in America”. Hodgson comentó: “Elegimos el título porque era un título divertido. Se adaptaba más al sentimiento de diversión del álbum”.

Fue lanzado el 29 de marzo de 1979 y producido por Supertramp y Peter Henderson, y se convirtió en el álbum más vendido de la banda, con más de seis millones de copias vendidas en USA, llegando al número 1 en USA, según Billboard, permaneciendo 6 semanas en dicha posición. También fue número 1 en Alemania, Australia, Austria, Canadá -donde fue Disco de Diamante y con cuatro discos de platino por la RIAA-, Holanda, Francia -es el disco de un grupo inglés más vendido de todos los tiempos con ventas superiores a las 3’000,000 de copias-, Noruega, Nueva Zelanda y España. Además fue número 2 en Suecia y Japón, número 3 en UK –su álbum más vendido en UK- y número 5 en Argentina. Y a ello, hay que agregar que obtuvo dos Grammy en las categorías de mejor diseño de embalaje y mejor arreglo para álbum no clásico, y “The Logical Song” también obtuvo el premio Ivor Novello en 1979 en la categoría de “Mejor Canción Musical y Lírica”.

El tracklisting fue el siguiente: 

Gone Hollywood The Logical Song Goodbye Stranger Breakfast In America Oh Darling

Take the Long Way Home Lord is It Mine Just Another Nervous Break Casual Conversations Child Of Vision

 

 En cuanto al contenido musical del álbum, como ya venía siendo habitual en sus trabajos musicales anteriores, es muy bien elaborado y equilibrado, musicalmente hablando. Todos los temas tienen un nivel alto y bastante parejo. Si bien es cierto, es más comercial, en el sentido que es menos complejo en su estructura musical -como sucedía en el “CRIME OF THE CENTURY”-, pero ello para nada significa un detrimento o un bajón en su enorme calidad musical. En lo absoluto. Y los estilos de Rick y Roger están bien diferenciados, complementados y repartidos, donde cada uno interpreta los cinco temas de su autoría. Y también es bueno destacar algún dato interesante sobre algunos de estas muy buenas canciones del “BREAKFAST IN AMERICA”. El álbum arranca con “Gone Hollywood”, que trata sobre una persona que se muda a Los Angeles con el deseo de convertirse en una estrella de cine, aunque le resulta mucho más duro de lo que se imaginaba, luchando y frustrándose, hasta que se convierte en la ‘comidilla de Hollywood Boulevard’. Su letra era más sombría, pero el resto de la banda presionó un poco y Davies la reescribió en un tono más optimista y comercial. Por otro lado, como se sabe, el mayor hit del álbum, y en general de la banda, fue “The Logical Song”, la cual fue escrita por Hodgson y la letra estuvo basada en su experiencia de haber sido enviado a un internado por diez años. Sobre su significado, Hodgson señalaba: “’The Logical Song’ nació de mis preguntas acerca de qué realmente importaba en la vida. A lo largo de la niñez, nos enseñan todas las formas de ser y todavía casi nunca nos dijeron algo acerca de nuestro verdadero ser. Nos enseñan cómo funcionar externamente, pero no guiados a quienes somos internamente. Vamos desde la inocencia y maravilla de la niñez a la confusión de la adolescencia que a menudo termina en el cinismo y la desilusión de la adultez. En ‘The Logical Song’, la pregunta candente que vino a su más crudo lugar fue ‘por favor, dime quién soy’, y eso es básicamente sobre lo que trata la canción. Pienso que esta eterna pregunta continúa golpeando en un acorde muy profundo en la gente alrededor del mundo y porqué se mantiene tan significativa”. En cuanto al tema “Breakfast In America”, la letra habla de una persona, presumiblemente británico, quien sueña con visitar Estados Unidos. De acuerdo a Hodgson, la escribió cuando tenía 19 años, y dijo: “Estaba soñando y divirtiéndome un día y esta canción fluyó. Pienso que la letra fue escrita en alrededor de una hora, solo salió de mí”. Sobre “Take The Long Way Home”, Hodgson señaló: “(…) Realmente creo que todos nosotros queremos encontrar nuestro hogar, encontrar ese lugar en nosotros donde nos sentimos en casa, y para mí, el hogar está en el corazón y ese es realmente, cuando estamos en contacto con nuestro corazón y estamos viviendo nuestra vida desde nuestro corazón, y luego de verdad nos sentimos como si hubiésemos encontrado nuestro hogar. Es una metáfora para el viaje universal del autodescubrimiento. La canción es un vehículo para la reflexión en el cual las muchas veces decepcionantes realidades en el crecimiento de nuestras vidas puede reflejar en un no tan positivo camino en el esperanzado idealismo de nuestra juventud. Muchas de mis canciones tienen multi-niveles y el significado más profundo de esta canción es acerca de tomar el largo camino a casa hacia nuestro verdadero hogar, ese lugar de real conexión dentro de nuestro corazón”.  En lo que concierne a “Goodbye Stranger”, la letra presenta la visión optimista de un vagabundo y cuenta con una melodía construida sobre el sonido de un piano Wurlitzer, con unos arreglos que aumentan en intensidad a medida que la canción progresa. Y en cuanto el tema que cierra el álbum es “Child Of Vision”, Hodgson indicó que fue escrito como un equivalente de “Gone Hollywood”, mirando cómo viven los estadounidenses.

En cuanto a mis canciones favoritas de este gran álbum, sinceramente me resulta muy difícil elegir, pero creo que mi favorita es “The Logical Song” -fue la canción por la cual conocí musicalmente a SUPERTRAMP-, y luego pondría en el podio a la gran “Goodbye Stranger” –una auténtica joya musical- y “Breakfast In America” -siempre me arranca una sonrisa cada vez que la escucho. Y como un plus, agregaría “Casual Conversations” -una delicia musical- y “Lord Is It Mine”. Finalmente, con este álbum, SUPERTRAMP logró la consagración total y un rotundo megaéxito a nivel mundial, arrasando en las listas de todo el mundo. Y ello fue acompañado de una muy exitosa gira mundial, que fue la gira más larga y exitosa de la carrera de la banda, con un total de 117 conciertos, realizada entre USA y Canadá entre el 16 de marzo y el 11 de agosto de 1979, y luego por toda Europa, entre el 30 de setiembre y el 9 de diciembre de 1979. De esta forma, SUPERTRAMP cerraba de manera totalmente exitosa su paso por la década del 70 y por todo lo alto, tras diez años de carrera musical. Y por supuesto, había bastante expectativa por lo que podría traer la siguiente década del 80. 

 

HAPPY BIRTHDAY JOHN DEACON!!

Hoy 19 de Agosto, es una fecha importante para el queenero: el cumpleaños Nº 73 del siempre recordado bajista de QUEEN, JOHN DEACON. Y hace quince años, publicamos este post en el blog, y he optado por actualizarlo y publicarlo con fecha de hoy, pero conservando la esencia del post creado en el 2009.

Como señalara en anteriores posts, cuando ví a QUEEN en TV por vez primera, presté atención solamente a Freddie Mercury y Brian May y no me fijé en los otros dos miembros, Roger Taylor y el bajista John Deacon. Cuando llegó 1980, y QUEEN era ya un poco más conocido para mí, le presté más atención a la presencia de John dentro del grupo y algo me llamó la atención: su sobriedad y perfil bajo al momento de tocar. No era el típico músico que hacía piruetas, que tuviese ansias de figurar o que le gustase hacerse notar. El se concentraba en lo suyo. En la década del 70 quienes más componían en la banda eran Freddie y Brian, mientras que John y Roger sólo aportaban uno o dos temas por album. No obstante ese poco peso autoral dentro de la banda, mi percepción sobre John cambió cuando escuché por primera vez el tema “You’re My Best Friend” -canción compuesta para su esposa Verónica con la que acababa de casarse- del álbum “A NIGHT AT THE OPERA”. Me pareció un bellísimo tema y donde John destacaba en el piano eléctrico, que le daba elegancia a la canción. Además en 1980, John alcanzó la fama como compositor cuando escribió el tema que se convirtió en el single más vendido de QUEEN en su historia: “Another One Bites The Dust”, del album “THE GAME”, que representa su contribución más exitosa en QUEEN, llegando al Nº 1 en los charts de USA y en varios países europeos y sudamericanos. De ese album, John sería también el autor de “Need Your Loving Tonight”, tema que me encantó cuando lo escuché. Al año siguiente, en 1981, cuando fui descubriendo la música de QUEEN, iba comprobando que los temas de John no tenían la exquisitez de los temas de Freddie, ni el estilo rockero de Brian o Roger. Pero eran sencillos, melódicos, de un estilo soft, y directos al corazón de los fans. Su primera composición en el grupo fue “Misfire” una balada simpática y agradable y durante los 70’s, sus temas mostraban un estilo parejo y lineal y que aportaban la nota melódica al grupo. Aunque en 1982 agregaría la nota funky a la banda -algo que fue duramente criticado por los fans-, para 1984 aportó a la banda uno de sus mayores hits, “I Want To Break Free”, que hasta ahora sigue siendo uno de los más preferidos por los fans. Curiosamente John fue el autor del tema que le dio el estrellato a QUEEN en USA, con “Another One Bites The Dust”, y a su vez, del tema que significó la estocada final a su popularidad en USA, “I Want To Break Free”, cuyo video escandalizó a la doble moral americana. En los siguientes años, John seguiría aportando con temas melódicos y algunos en coautoría con Freddie. En cuanto a sus composiciones dentro de QUEEN, mis favoritas siempre han sido “You’re My Best Friend”, “Spread Your Wings” y “Friends Will Be Friends”, y luego puedo mencionar los siguientes títulos que son parte de mis preferencias: “Misfire”, “You And I”, “Who Needs You“, If You Can’t Beat Them”, “In Only Seven Days”, “Need Your Loving Tonight”, "One Year Of Love" y “I Want To Break Free”.

Nacido en Leicester, su signo zodiacal es Leo y mide 1.75 m. En Febrero 1971 asistió a una discoteca y fue presentado a dos tipos, Brian May y Roger Taylor, quienes estaban buscando bajista para su grupo. Le preguntaron a John si le gustaría hacer una prueba y ésta tuvo lugar días después en el Imperial College. Brian y Roger pensaron que era muy bueno y que al ser un poco callado, podría adaptarse sin demasiados problemas. En pocos días fue llamado y aceptado y John se convertia así en el cuarto y definitivo miembro de QUEEN. Además, el hecho de ser un experto en electrónica inclinó la balanza para su aceptación y gracias a su formación como ingeniero electrónico, llegó a construir y adaptar equipos para la banda, siendo su creación mas conocida, el "Deacy Amp", usado por Brian May y él mismo.

Además del bajo, toca doble bajo y teclados. Es considerado uno de los mejores y más versatiles bajistas de la historia del rock. Su grupo preferido era The Police y su músico favorito era Stevie Wonder. Su película favorita era “Atrapados Sin Salida” y su artista favorita es Jean Alexander. Su bebida favorita es el Té y su principal hobby es la Electrónica. A nivel personal, está casado con Veronica Tetzlaff desde Enero 1975 y tienen 6 hijos: Robert (1975), Michael (1978), Laura (1979), Joshua (1983), Luke (1992) y Cameron (1993) y es el único que ha mantenido su matrimonio firme a lo largo de todos estos años.

Siempre fue el miembro “tranquilo” de la banda, y los otros miembros decían que él estaba a cargo de las finanzas del grupo. Es el único miembro de QUEEN que nunca cantó en algún tema en la voz principal. El mismo admitió que no podía cantar. Su estilo de tocar el bajo es uno pocas veces visto en las bandas de rock en los 70’s. En vez de sentarse al fondo del escenario tocando notas primarias o simples, él utilizaba el bajo como instrumento principal, así como también rítmico. Algunas de sus composiciones de bajo son bien difíciles de interpretar como "The Millionaire Waltz”, "Liar", "Sail Away Sweet Sister" y "You're My Best Friend”. Fue claramente influenciado por el estilo "Lead Bass" (El bajo como instrumento principal) de la Motown. Algunos temas de QUEEN cuentan con el bajo como instrumento principal, como por ejemplo “Dragon Attack”, “Another One Bites the Dust”, “Under Pressure” y “A Kind of Magic”. Cuando uno escucha a QUEEN, se nota la habilidad y la destreza de su bajista.

Luego de la muerte de Freddie, lo único que hizo con Brian y Roger fueron sus apariciones en el Tributo a Freddie en 1992 y su aparición junto a Elton John y el resto de la banda en una actuación benéfica en Paris en enero de 1997 y participando además en la grabación del single “No-One But You”. Eso fue lo último que hizo John en QUEEN.

A partir de allí se retiró completamente de la actividad musical y ni siquiera ha participado de los proyectos de remasterización, ni de los homenajes hechos a QUEEN en los últimos 25 años. Esto tendrá que ver con su deseo de llevar una vida familiar plena y feliz al lado de su esposa y sus seis hijos, lo cual se lo tiene bien merecido, y también al hecho que John siempre dijera que no había QUEEN sin Freddie -quien siempre lo alentaba para que escribiera y aportara a la banda-, y cuya muerte afectó muchísimo a John. Aunque no participó, John dio su visto bueno a Brian y Roger para la alianza “QUEEN + PAUL RODGERS” y ambos siempre han dicho que John estuvo al tanto de todo, pero que no participó por decisión propia. Una de las últimas fotos en la que se pudo ver a John Deacon, es la boda de su hijo mayor, en donde sale al lado de toda su familia, y que por cortesía de mi linda amiga chilena Nancy Jara, me autorizó publicarla. Adicionalmente, quiero compartir con ustedes un brillante artículo que en la web "El Blog de QUEEN", mi linda amiga Nancy Jara escribió sobre John Deacon. Ella como buena deaconiana y buena periodista, elaboró una nota sobre John y la comparto con ustedes dándoles el link: http://blog.queenero.com/2009/03/la-consecuencia-de-deacon-y-algo-mas.html

Hoy, con 73 años a cuestas, JOHN DEACON sigue en el recuerdo de todos los fans queeneros y es un músico reconocido por su calidad como compositor y bajista. John siempre tendrá lugar en el corazón de todos quienes lo admiramos por lo que representa en QUEEN. Muchos fans lo extrañan y algo que muchos deseamos ver sería una reaparición de John, lo cual sería un momento único en la historia de la banda. Quien sabe, quizás en un concierto de despedida, el buen John se anime a subir a un escenario junto a sus dos ex compañeros de tantas jornadas y nos regale una vez más, el sonido identificable de su bajo, al menos en uno o dos temas. Desde este blog, te recordamos y deseamos que Dios te de muchísimos años más de vida.

¡¡FELICES 73 AÑOS, DEAR JOHN!!

16 DE AGOSTO: RECORDANDO A ELVIS PRESLEY

Hoy 17 de Agosto, se cumplen 47 años de la partida del Rey del Rock, ELVIS PRESLEY. Y en esta oportunidad deseo recordar al gran Elvis, con algunos muy buenos covers que se grabaron de algunos de sus éxitos. Y por supuesto, aprovecho también para recordar en esta fecha a quien fuera mi gran amigo Jorgito Cox, quien fuera el fan número 1 de Elvis en el Perú. ¡Se te extraña Jorgito! Y también a mi entrañable amiga, Dianita García, hincha acérrima del Rey del Rock.

A continuación, vienen seis canciones que en mi opinión, le rinden un justo tributo a Elvis y aportando ese toque adicional que hace que destaque cada canción. Y solamente te presentaré los temas sin información detallada, con el único fin de que puedas disfrutar directamente las canciones y así recordar al incomparable Elvis Presley. Si estuviera haciendo un mini especial en la radio, estos serían los temas que yo elegiría en dos trilogías musicales. La primera trilogía contiene los temas "Don't Be Cruel" de Cheap Trick, "All Shook Up" de Billy Joel y "Suspicious Minds" de Fine Young Cannibals.

Y la segunda trilogía incluye los siguientes covers: "That's All Right Mamma" de Paul McCartney, "Always On My Mind" de Pert Shop Boys y "Can't Help Falling In Love" de UB40. 

Esta ha sido nuestra manera de recordar al gran ELVIS PRESLEY, quien con su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su enorme carisma, y demás cualidades, llegó a ser una de las mayores figuras musicales de la historia de la música contemporánea. Muchos reconocen que Elvis fue la chispa que cambió la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, muchos grupos y artistas tomaron el mismo camino. Por más que pasen los años, su legado musical permanece intacto y su trono de Rey del Rock and Roll siempre seguirá ocupado por él. Y me encantaría saber cuál o cuáles de estos buenos covers son los más te han gustado. Disfrútalos.

ELVIS PRESLEY: EL REY DEL ROCK & ROLL

Uno de los íconos musicales más importantes en la historia de la música contemporáneo ha sido ELVIS ARON PRESLEY, quien llegó a ser considerado como el indiscutido Rey del Rock and Roll. Y por supuesto, en el blog, no podíamos dejar de dedicarle un post, a la altura de su trascendencia en el mundo de la música. No pretendo en este post hacer una biografía detallada de Elvis ni un análisis estadístico de sus álbumes y canciones, sino más bien una breve semblanza sobre cómo llegó su música a mi vida, y cómo fui conociendo su importancia en la historia del rock. Y también quiero dedicar este post a la memoria de mi amigo Jorgito Cox. 

A modo de información, es buenos señalar que Elvis Presley nació un 8 de Enero de 1935. Y la primera vez que supe de Elvis Presley fue por su labor en el cine y fue entre los años 1976 y 1977. En ese momento, desconocía su glorioso pasado musical y me imaginaba que era un actor de cine que cantaba o un cantante que hacía películas. Calculo que habré visto unas dos o tres películas de Elvis, y no fueron nada del otro mundo. Recuerdo que el 16 de agosto de 1977 llegaba de mis clases de inglés en el Británico, y al llegar a casa, mi hermano Alex -quien tenía la costumbre de armar álbumes de fotos de artistas de cine-, me enseñó su álbum y lo abrió en la letra “P” y ví que debajo de la foto de Elvis Presley, había escrito “1935-1977”. Me quedé sorprendido con la noticia y supe por mi hermano que había muerto de un ataque al corazón a los 42 años de edad. Esa misma noche, esperé hasta las 10 pm para el comienzo del noticiero “24 Horas” y me acuerdo que Ernesto García Calderón anunció entre los titulares, “Los amantes del rock están de duelo: murió hoy Elvis Presley”. En ese momento me di cuenta que Elvis era algo más que un artista de cine que cantaba. En los siguientes días, los canales de TV -el 4 y 5- pasaron algunas películas suyas y el canal 4 difundió el especial “Aloha from Hawaii”, donde por primera vez escuché algunos de sus temas. Pero fue recién en 1982 cuando ví un documental sobre la historia del Rock and Roll, llamado “Héroes del Rock And Roll”, o algo así por el estilo, que supe por primera vez de su enorme importancia en la historia del rock y porqué era considerado como el Rey del Rock. Y realmente terminé de confirmar mis impresiones sobre Elvis cuando ví por TV en los 80's el documental "This Is Elvis".

En la segunda mitad de la década del 50, Elvis arrasó con todo y cosechó éxito tras éxito, con clásicos del rock and roll, como “Heartbreak Hotel”, “Hound Dog”, “Don’t Be Cruel”, “All Shook Up” y “Jailhouse Rock”, entre otros temas más. En esa década incursionaría en el cine en films que fueron bien recibidos por los fans y los críticos como “Love Me Tender”, “Jailhouse Rock”, “King Creole”, entre otros, todas enormes éxitos de taquilla. Del 55 al 59 era el mayor exponente del rock and roll y era el artista que más vendía discos en USA. Rompió todos los récords de ventas, alcanzando once números uno en forma consecutiva en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la lista de álbumes. Pero era obvio que Elvis Presley era visto como una amenaza por los viejos conservadores, quienes lo consideraban un mal ejemplo para la juventud y sus movimientos de caderas escandalizaban las mentes cucufatas de ese entonces, al punto que en una de sus presentaciones en “El Show de Ed Sullivan” al cantar “Hound Dog”, la cámara lo mostró de la cintura para arriba. En 1958, hubo algo más poderoso que Elvis: El Ejército Norteamericano. Elvis fue llamado a servir en el Ejército y durante dos años, estuvo destacado en Alemania.

Cuando regresó de haber servido en el Ejército, su imagen como ícono del rock and roll no era la misma, y estaba más cercana al “establishment” que como una figura de rebeldía juvenil. Y para remate, en esa década del 60, y gracias a la “astucia” de su manager, el Coronel Tom Parker, Elvis priorizó su carrera cinematográfica en vez de la música, participando en películas para el olvido -cada cual más mala que la otra-, rodando un promedio de tres por año, hasta un total de 31, en donde era cualquier cosa menos un cantante símbolo del rock and roll, y en más de una película más parecía un payaso por las vestimentas que usaba. Todo ello opacó bastante su carrera musical en la década del 60 y el mismo Elvis reconoció que mientras él se dedicaba a hacer películas estúpidas, los Beatles conquistaban el mundo. Elvis se había convertido en una caricatura de sí mismo. A partir de 1964 comenzó el descenso en su hegemonía en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

Pero en el año 1968, volvió al top de los hits parades norteamericanos después de su exitoso “1968 Comeback Special” para la televisión, cuando volvió a sus raíces y reivindicó su imagen, mostrándose como todos esperaban verlo: como el Rey del Rock. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada. Elvis había vuelto a lo suyo, a la música, de la cual nunca debió apartarse. En esta década del 60, destacó con muy buenas canciones, entre las que podemos mencionar a “It’s Now Or Never”, “Are You Lonesome Tonight”, “His Latest Flame”, “Can’t Help Falling In Love” y sobre todo, “Suspicious Minds”.

En los 70’s su apariencia tendría cambios debido a sus problemas de sobrepeso, y su adicción a las pastillas, que poco a poco fue minando su organismo y su salud. En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia desde Hawaii, conocido como “Aloha From Hawaii”, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas. En esta década Elvis se abocaría a las giras y aunque su imagen pudiera haberse deteriorado, su voz permanecía intacta y con el mismo magnetismo de siempre, y así la mantuvo hasta antes de su muerte. De esta década, tenemos los temas “The Wonder Of You”, “Always On My Mind”, “Moody Blue” y “My Way”.

Luego de conocer su trayectoria musical y su presencia en la historia de la música, llegué a la convicción de que Elvis fue único y no ha habido nadie como él, ni lo habrá. Si bien es cierto, antes de él, hubieron cantantes como Bill Haley con su tema “Rock Around The Clock”, o Little Richard con “Good Molly Miss Molly” que fueron los primeros himnos del rock and roll, pero la llegada de Elvis Presley fue un punto de quiebre que marcó un antes y un después y fue fundamental para llevar el rock and roll a todos los públicos y que no se quedara únicamente en música para gente de color. Elvis fue un blanco que cantaba y se movía con el sentimiento de un negro y por ello, rompió esquemas y se convirtió en el símbolo de toda una generación que veían en él a alguien con quien podían identificarse. Y de paso, abrió la puerta para los que vinieron después. Todos se refieren a él como obligada influencia, y John Lennon dijo claramente cuando murió Elvis: “Si no hubiera existido Elvis Presley, jamás habrían existido Los Beatles”. Así de simple.

Cuando escucho a Elvis, es inevitable que no recuerde a dos grandes amigos míos, quienes ya no están entre nosotros: Diana García y Jorge Cox. Dianita era hincha de Elvis y en sus programas musicales del recuerdo, el inmortal “Memories”, comencé a escuchar muchos de sus éxitos por primera vez. Cuando nos reuníamos en su casa a escuchar música, era infaltable la música de Elvis. Y sus especiales de Elvis cada 8 de enero y 16 de agosto eran maravillosos, y una satisfacción que tuve fue colaborar con un especial en el año 94 y que abarcó todo el programa. Dianita se encargaría del especial de Elvis en "Memories" y el que escribe coprodujo con Diana un especial de una hora que fue en el programa "Tu, Yo y Mis Discos", y que consistió en covers de Elvis: la primera media hora fue de artistas y grupos de USA y la segunda mitad fue de Gran Bretaña. Y ese especial rompió en sintonía y me quedé con ese gusto de haber sido parte de un especial dedicado a Elvis. Y en cuanto a Jorgito Cox, era sin duda alguna, el fan número 1 de Elvis en el Perú. Fue un tipo sencillo, campechano y sobretodo, amante de la buena música y del buen criterio musical. Presidente del Club de Fans de Elvis en el Perú, era un apasionado de la música de Elvis y siempre se preocupó en difundir el legado de Elvis en el Perú. Sin duda alguna, Jorgito Cox era un referente aquí en nuestro país en lo que se refiere a la difusión musical y popularidad de Elvis Presley. Era un conocedor total de su vida y su trayectoria, coleccionista de variada y surtida memorabilia de Elvis y sobretodo, principal artífice del club de fans de Elvis en el Perú, al cual se entregó en cuerpo y alma. Gran amigo, excelente persona y un profesional impecable con una trayectoria intachable en el mundo de la radio, y tuve la enorme suerte de contar con su amistad y confianza.



Por último, si Elvis viviera hoy, tendría 89 años. No me o imagino a Elvis de viejo ochentón, y creo que una de las ventajas que proporcionó su repentina muerte, fue el haber inmortalizado para la posteridad su imagen juvenil de los 50’s, como un ícono del rock. Sobre el tema de su muerte, ha habido algunas versiones que cuestionan su muerte, en particular en el libro “Is Elvis Alive?”, de Gail Brewer Giorgio. Mi hermano me regaló ese libro en 1990 en mi cumpleaños y he podido leerlo y es interesante porque plantea diversas interrogantes. Y hace algunos años le dediqué un post con mis impresiones sobre dicho libro. Pero hoy estamos recordando los 47 años de la partida del Rey del Rock and Roll: ELVIS PRESLEY, quien con su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su enorme carisma, y demás cualidades, llegó a ser una de las mayores figuras musicales de la historia. Además de sus innumerables récords, la calidad en las canciones que interpretó es lo que sigue generando que nuevas generaciones se interesen en su música. Ha encabezado por muchos años, la lista de de los artistas fallecidos con mayor recaudación por sus productos y anualmente su mansión Graceland es visitada por miles de personas de todo el mundo, siendo la segunda casa más visitada de los Estados Unidos, detrás de la Casa Blanca. Muchos reconocen que Elvis fue la chispa que cambió la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, muchos grupos y artistas tomaron el mismo camino. Con el tiempo, Elvis Presley dejó de ser un icono estadounidense, para llegar a convertirse en uno de los mayores iconos mundiales de la música de todos los tiempos.

¡¡ELVIS PRESLEY SIEMPRE EN EL RECUERDO!!

EL MAGO DE OZ: 85 AÑOS DE MAGIA

Este mes de agosto del 2024, se cumplen 85 años del estreno en los cines y teatros norteamericanos de uno de los filmes más queridos y recordados en la historia del cine, y que además, es mi película favorita: “EL MAGO DE OZ”. La premiere fue en el Strand Theatre, en Wisconsin el 12 de Agosto de 1939 y en el Grauman's Chinese Theatre en Hollywood el 15 de Agosto. La premiere en New York fue en el Loew's Capitol Theater el 17 de Agosto, y finalmente fue exhibida a nivel nacional el día 25 de Agosto. Todo esto sucedió, hace 85 años. Hace catorce años, le dediqué un post a este clásico del cine y hoy he querido actualizar dicho post, ordenarlo mejor y publicarlo con fecha de hoy.

“The Wizard of Oz”, uno de los más grandes clásicos de la historia del cine, es todo un ícono en la cultura popular, y hasta el día de hoy mantiene toda su magia intacta y vigente. Basada en la novela de L. Frank Baum, la historia se centra en Dorothy -una adolescente Judy Garland en el papel que la consagró en el mundo entero- y en su perro Toto, quienes son absorbidos por un fuerte tornado en Kansas y acaban en la tierra de Oz. Allí conocen a la Bruja Buena del Norte, quien les recomienda que sigan por el camino de baldosas amarillas en dirección a Ciudad Esmeralda para ubicar al Mago de Oz, quien podrá ayudarles a regresar a casa. Además, la hechicera le regala unas zapatillas rojas a Dorothy y en ese camino Dorothy conoce a tres acompañantes: un hombre de hojalata que desea un corazón, un león que sueña con recobrar la valentía perdida y un espantapájaros que ansia tener un cerebro. Todos van en busca del Mago de Oz, para que los ayude a cumplir sus deseos, pero en ese recorrido tendrán que lidiar con la Malvada Bruja del Oeste, que quiere recobrar las zapatillas rojas que lleva Dorothy e impedir que los personajes consigan sus propósitos. Las aventuras de Dorothy y sus tres amigos suponen “la quintaesencia de las películas de estudio en Hollywood”. Así lo aseguró a Efe Randy Haberkamp, programador del ciclo “El mejor año de Hollywood: las candidatas a mejor película de 1939”, organizado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en el Teatro Samuel Goldwyn, de Los Ángeles. “Cada toma fue rodada en un escenario. No hay nada real en el filme. Todo es una fantasía, una completa creación artística. Fue un trabajo específico correspondiente a una época específica, y eso convierte la película en un cuento de hadas eterno”, comentó Haberkamp.

Pero la cinta, en su primer estreno, perdió dinero, habiéndose gastado demasiado en escenas que no fueron incluidas, en vestuario costoso y en un largo proceso de casting. Y además pudo haber tenido un aspecto muy diferente si se hubieran llegado a cumplir ciertas exigencias de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Por ejemplo, en un principio se pensó que la Malvada Bruja del Oeste debía tener un aspecto glamouroso, que las zapatillas de Dorothy serían plateadas como en la novela o que el célebre tema “Over the Rainbow” no iba a aparecer en el film, por considerarse triste y que podría desviar la trama hacia un público adulto. “Fue un rodaje complicado, toda la producción resultó difícil y muy cara para la época”, comentó Haberkamp.

Aunque en honor a la verdad, hubiera sido un crimen si se hubiera prescindido de este inmortal tema, que es considerado como uno de los himnos de la época dorada de Hollywood. Es más, "Over The Rainbow" fue elegida Mejor Canción del cine en EEUU, encabezando la lista de los cien mejores temas de películas, según decidió el Instituto Americano del Cine (AFI). En segundo lugar se ubicó "As Time Goes By", del film "Casablanca", seguida de "Singin' in the Rain" del musical "Cantando bajo la lluvia", y las cien canciones fueron seleccionadas por 1.500 actores, directores, guionistas y críticos de una lista de 400. Una canción que te dice que a pesar de los problemas que te agobien en tu vida diaria, siempre hay un arcoiris por el cual debemos luchar por alcanzar.

En lo personal, debo decir que ví por primera vez esta película en el cine en el año 1975, cuando tenía 12 años. Recuerdo que era en el otrora cine “Western” y fui con un amigo a verla, y al comienzo me parecía una película para niños –cuando uno es adolescente, odia que lo califiquen como a un niñito-, y medio que me estaba aburriendo. Hasta que llegó la secuencia cuando la casa de Dorothy aterriza en Oz luego del tornado y el blanco y negro de la película se convierte en un vistoso tecnicolor, lleno de magia y armonía. Pero al terminar la película, recuerdo que me gustó y estuvo bonita, pero nada más. Bueno, a los 12 años no se puede pretender analizar con seriedad una película, ya que uno quiere ver películas de acción, diversión y hasta de terror.

Muchos años después, allá entre los años 1992 y 1993, volví a verla pero en VHS, ya que por esa época todos los fines de semana alquilaba películas para ver, y habían buenas ofertas y un fin de semana, quise alquilar “El Mago de Oz” para volver a verla. Y la ví con otra óptica y ya no como un adolescente, sino con la perspectiva de alguien en sus 30 años. Además, sabía que era la película favorita de Brian May, guitarrista de QUEEN, y uno de mis músicos favoritos. Y esta vez, a diferencia de lo vivido años atrás, me gustó muchísimo y me pareció una película para todas las edades. Pero, todavía no la consideraba entre mis cinco películas favoritas de siempre.

Hasta que en el año 2004, en unos talleres vivenciales de Life Simphony, que me sirvieron de mucho en la vida, me tocó vivir una experiencia vivencial en grupo, alrededor de esta película y pude sentir la esencia de este maravilloso film. Y luego de lo vivido en esa oportunidad, de una cosa estoy seguro: de esa película no me voy a olvidar nunca jamás. Me fascinó cada detalle y me quedó grabado los mensajes más importantes que encierra: el de seguir tus sueños y perseverar hasta llegar a tu meta; el verdadero trabajo en equipo; y que realmente no hay nada como el hogar. Muchas veces queremos buscar por fuera aquello que tenemos por dentro y no vemos, y por ambicionar lo que no tenemos, no valoramos lo que realmente tenemos.

Ese camino amarillo encierra mucha simbología, y es lo que nos separa de nuestras metas, y por más lejano que parezca esa meta y por más difícil e incierto que pueda ser ese camino, de todas maneras hay que recorrerlo con fe, confianza y seguridad en sí mismo y sabiendo que de todas maneras llegaremos a nuestra meta ansiada. Y eso resultó aplicable más que nunca en mi sueño de ver a QUEEN + Paul Rodgers en concierto en Chile. Nunca sentí tan preciso ese mensaje de “El Mago de Oz” en las semanas previas a mi viaje, con tantas barreras que se iban apareciendo en el camino, y luego en nuestro viaje. El Estadio San Carlos de Apoquindo, donde fue el concierto, era como Ciudad Esmeralda, y el camino era largo y sinuoso. Y lo curioso fue que éramos cuatro las personas que estaríamos juntos en ese concierto: mi amada y recordada esposa Silvana, mi gran amiga Mapi Zevallos, mi entrañable amigo Abraham Noblecilla y quien escribe. Y lo mas gracioso fue que cuando ya nos íbamos al estadio, y caminábamos por el Metro de Santiago, las escaleras eran de color amarillo y veíamos eso y nos matábamos de la risa, diciendo, "falta poco para Ciudad Esmeralda". Hasta bromeábamos para ver con qué personaje de la película nos identificaríamos. Recuerdo que le decíamos a Mapi, "tu te ganaste el derecho a ser Dorothy, y por su pelo rizado, Silvana es el león. Y entre Abraham y yo decidimos quién será el espantapájaros y quién el hombre de lata". Cuatro años después de haber vivido la esencia de este film en mi proceso vivencial en los talleres antes mencionados, en noviembre del 2008 este maravilloso film se convirtió en mi película favorita de toda la vida. Y justo también en ese 2008, para suerte mía, mi hermano Alex, en un viaje a Argentina, me regaló el DVD original doble de "El Mago de Oz", que contiene abundante material extra y material imperdible para los que amamos este film. Y aproveché para regalarle la copia que tenía en muy buen estado a mi amiga Mapi, como un recuerdo de lo que nos tocó vivir en Santiago.

En el año 2013 se reestrenó en formato IMAX 3D el 20 de septiembre en Estados Unidos en el TCL Chinese Theatre, por una semana, como parte del aniversario número 75 del filme. Y el 1° de Octubre también salió en formato Blu-ray y en DVD, con cinco discos con infinidad de extras, libretos con fotografías, un mapa del territorio de Oz y demás material.  Para terminar, agrego el comentario del reputado crítico e historiador de cine inglés David Thomson, quien señaló lo siguiente: “Esta película trata de esa magia en las que nos gusta creer y acerca de los sueños que ambicionamos en lo más profundo: ser felices. Al mismo tiempo, nos habla de la realidad, de amar nuestro hogar y a las personas que nos rodean”. Hoy, 84 años después de su estreno, "EL MAGO DE OZ" es un film para verlo siempre en familia y está más vivo que nunca, y en épocas como las actuales, en las que se suele vivir de prisa y sin descanso, y donde la gente no lucha por sus sueños, prefiriendo su trabajo antes que su familia y su hogar, sus simples mensajes siguen siendo aplicables en el mundo: perseguir tus sueños y trabajar en equipo, y porque además no hay mejor lugar que el hogar.